Глава I

Возникновение института музея в России

Художественная культура России начала ХХI века

Возникновение института музея в России, как собрания искусства в современном понимании, относится преимущественно к концу XIX - началу XX веков. Известные в наши дни Государственный музей изобразительных искусств в Москве, Государственная Третьяковская галерея, Государственный Эрмитаж и Государственный Русский музей в Петербурге, были организованы именно в этот период. Эстетические качества объектов искусства, составляющих музейные коллекции, актуализируются с помощью феномена выставки, которая существует единым пространством, в соответствии со своей внутренней организацией, сложившейся под воздействием архитектурной среды музея, экспонируемых объектов, их концептуального замысла и носителей.

В XX веке «выставки становятся тем медиумом, через посредство которого можно узнать о существовании большей части искусства»[19] . За последние годы значительно выросло число и разнообразие выставок. На сегодняшний день в Москве существуют музеи, частные и государственные художественные галереи, студии, мастерские, культурные фонды, выставочные залы, центры современного искусства/дизайна/архитектуры, креативные пространства различного толка, сети выставочных комплексов, центры творческих индустрий и тому подобное.

Создается эффект многообразия.

Определим само понятие – «художественная выставка»

Сейчас это интересный феномен социокультурной жизни, довольно непростая модель взаимодействия воспринимающей аудитории с произведением искусства. При том, посещая выставки, у человека складывается единая картина, вместе с самим выставочным пространством, обслуживающим персоналом музея, зрителями и другими факторами и мелочами, которые играют важнейшую роль в восприятии экспозиции.

Концепция выставки в современном культурном процессе.

В современных социальных условиях и неоднородности общества понятие художественной выставки значительно преобразовалось, возник своеобразный круг эстетических и организационно-практических проблем.

Теперь, чтобы увидеть самые волнующие экспонаты в художественных коллекциях, зачастую достаточно просто залезть в сети Интернета, однако, может ли это заменить «живое» восприятие экспонатов? С первого взгляда, ответ отрицательный. Однако, с появлением всемирной паутины открываются и новые возможности, часто полезные, если, конечно, их правильно использовать и не злоупотреблять, о чем люди порой забывают. К примеру, по материалам телеканала «Культура» от 27.10.2014, классический «титан», музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина (далее – ГМИИ), осваивает новые формы демонстрации фондов, приспосабливаясь к современным условиям прогрессирующего общества. Не обязательно ждать выставки, а достаточно зайти на сайт музея и на экране своего компьютера можно рассмотреть коллекционные гравюры, которые «вживую» выставляются только раз в несколько десятилетий. «По сути, подобные ресурсы чуть ли не единственный способ прикоснуться к подлиннику и посмотреть глубоко эту коллекцию» - рассказал Владимир Определёнов, заместитель директора ГМИИ по информационным технологиям. Однако, старое поколение музейщиков не всегда разделяет это мнение, но многие специалисты всё же отмечают, что «жить стало проще», и. к примеру, определить подлинность гравюры можно не подсчитывая количество штрихов и напрягая зрение, а просто увеличив какую-то деталь на компьютере.

Если раньше искусство было доступно для узкого круга аристократии, то сегодня границы расширены.

Выставочная культура и её способы восприятия трансформируются и меняются вместе с развитием технологий и Глобальной сети Интернета. Отдел визуальной информации ГМИИ им. А.С. Пушкина опубликовал тематические каталоги изданий XIX – первой половины XX века, хранящиеся в его фондах, а также предоставил электронные копии трех альбомов с фотографиями Всемирной выставки в Париже 1867 года, принадлежавших московскому предпринимателю и меценату Козьме Терентьевичу Солдатёнкову.

ГМИИ им. А. С. Пушкина продолжает знакомить посетителей сайта со своими фондами, выбирая всё более современные и актуальные способы демонстрации экспонатов и осуществляя вынужденные pr- ходы, дабы завлечь современного зрителя и сохранить интерес к музею, конкурируя с современными развлекательными площадками.

Произведения живописи (дизайна, скульптуры и пр.) в масштабе выставки – это своеобразное театрализованное представление в современном контексте. Ведь это определенный, зачастую жёстко ограниченный во времени, средствах и бюджете, довольно быстрый «цикл жизни» выставки, если сравнивать с постоянной музейной экспозицией, которую можно посещать неоднократно, медленно «пробуя на вкус». У выставки всегда есть рамки и четкая временная завершенность, начало и конец. Зритель переживает всю экспозицию целиком, и он всегда должен быть к этому готов.

У каждой выставки есть свой внутренний контекст, определённая направленность. К примеру, в СССР были популярны выставки «Художники СССР — к 40-летию Октября», «Ленину посвящается», так как тогда государству было важно контролировать поведение официального искусства и создавать флёр актуальности и художественной востребованности, хотя по жанрам, авторам и стилистике они были многообразны.

Учитывая все эти особенности, среди широкого (возможно, на первый взгляд) культурного видового разнообразия выставок, человек выбирает наиболее подходящую для себя и удовлетворяющую его предпочтениям. Однако, предпочтения современного человека складываются из разномастного потока ежедневно получаемой информации. И выбирает выставку по душе зритель также из СМИ, ловко освещающих угодные им культурные пространства. Соответственно, СМИ сегодня можно считать «воспитателями» и просветителями. Что заставляет задуматься, испугаться и разобраться в этой теме. Куда же движется современный «просветительский» характер и какие формы принимает?

Ощущение, что выставка – это событие современной культурной жизни является важной психологической составляющей. Выставку специально придумывают и реализовывают в определённые сроки, поэтому в перспективе она - «факт и способ актуализации того или иного культурного явления или тех составляющих контекста, в котором данное явление существует». [5] Истинный смысловой центр выставки зачастую находится вне указанных тем и смыслов, актуализации подвергается предмет, не всегда напрямую связанный с самими произведениями и их авторами.

Например, выставка «Музей с предсказаниями» в ММСИ, прошедшая в сентябре этого года. Пресс-релиз выставки сообщает, что главная задача экспозиционного пространства – привлечь внимание к тому, какие послания в буквальном смысле, с помощью текстовых таблиц, оставили авторы, чьи произведения хранятся в ММСИ.

На самом деле непосвящённые зрители мало что поняли, увидев при входе неоновое обещание Мартины Крид «Все будет хорошо», загадочное предостережение Ильи Кабакова «Валя идет!», размещённое на красной табличке в небесах над идиллическим пейзажем. Однако, зритель был заинтересован новой формой подачи и задумался о деятельности современных арт-групп, увидев, например, работу арт-группы «ЕлиКука» — изображение баяна с подписью: «Стать талантливым». Акцент выставки пал на зрелищность и пропаганду массовой культуры.

Экспозиционное пространство, по сравнению с другими видами массовых зрелищ, предоставляет зрителю практически неограниченную свободу. Человек хаотично перемещается по музею, делая остановки, следуя своей внутренней мотивации или художественному опыту, выбирает свой маршрут, будучи более или менее избирательным.

То же самое происходит, например, на прогулке по городу. Такие аналогии проводит Екатерина Викторовна Сальникова, старший научный сотрудник Государственного института искусствознания, долгое время работавшая в ГМИИ им. Пушкина. Она замечает, что в городе можно сотни раз проходить мимо одних и тех же зданий и никогда в них не заходить. Из одного пункта в другой можно двигаться разными путями. Так и на выставке, можно пройти всю экспозицию, отстоять какое-то время возле экспонатов, но ничего не изменится. Всегда можно выбрать, как распорядиться богатством выставочного пространства, отследить определенную концепцию композиции и этим каждый сам пользуется, как захочет.

Такая свобода активизирует личную волю зрителя, в голове которого складываются определенные принципы восприятия, взаимодействия с музейными объектами. И эта воля дается человеку не от природы, а исходя из предыдущего опыта контактов с искусством и в силу сложившегося художественного воспитания.

В истории выставок Екатерина Викторовна видит “конфликтное поле”, связанное с дистанцией между личностью и объектом внимания, в связи с установленными рамками социальных норм или с их нарушениями. Вспомним истории про скандальные выставки импрессионистов или поведение Хрущева на встрече с неконсервативным искусством.

Новое же искусство и современный зритель нарушают социальные нормативы “бесконтактного” восприятия. Дистанция на выставке — переменчивая категория, провоцирующая всё сильнее потребность в близком контакте с тем, что раньше было «нельзя трогать руками», всё большую свободу и доступность. Это важная деталь, которую стараются учитывать организаторы выставки, меняется взаимосвязь аудитории с предметами показа, а зачастую аудитория сама является частью художественного перформанса. В связи с этим современное искусство и сама поведенческая культура выставочных пространств становятся всё более интимными и тактильными.

Художественные выставки активно расширяют свои функции, а музеи, мастерские и галереи становятся многофункциональным местом, где стираются границы между искусством, кинематографом и театром, музыкой и даже современной российской и зарубежной эстрадой.

16 мая этого года в Третьяковской галерее на Крымском Валу состоялась международная акция "Ночь в музее". [91] В рамках акции был представлен специальный проект "Ночь в квадрате", посвященный главному событию года – 100-летию "Чёрного супрематического квадрата". Холл 1 этажа музея был преображен декорацией театрального художника Галины Солодовниковой, дважды лауреата премии "Золотая маска". В специальной зоне "Супрематический балет" была представлена интерактивная инсталляция художницы и декоратора Александры Лерой с костюмами, образы которых инспирированы произведениями русского авангарда. В течение вечера модели в этих костюмах были участниками хореографических перформативных включений.

Во внутреннем дворе музея прошел музейный пикник, праздничную атмосферу на котором создавали солисты Большого симфонического оркестра им. П.И.Чайковского. Кульминацией вечера стало проекционное шоу "Ночь в Квадрате", подготовленное студией "Sila Sveta". Это студия мирового уровня, создающая мэппинг шоу для площадок Европы, Азии, Америки. [29]

Пространство внутреннего двора музея было трансформировано с помощью графических работ – аллюзий на произведения Малевича.

Мультимедийные перформансы и выставки набирают всё большую популярность, так как они наиболее понятны современному посетителю, предоставляют свободу выбора, интерактивность, зрители сами становятся участниками выставочной «игры». На фоне общей информационной загруженности яркая подача информации об экспонате или музейной теме в виде авторских инсталляций с применением мультимедиа-технологий позволяет оставить в памяти больше впечатлений о предмете и в целом создать большую заинтересованность в посещении музея. Но зачастую интерактивные мультимедийных инсталляции рознятся с общим художественным замыслом экспозиции, или недостаточно внимания уделяется контенту, что оставляет неприятные впечатления и можно считать, что такая выставка не имеет художественной ценности.

Более того, сейчас существует широкое поле художественных экспериментов и обучающих программ. Искусству теперь можно научиться.

К примеру, существует Институт Проблем Современного Искусства[110].

ИПСИ появился еще в 1991 году с посылом реинтегрировать современное российское искусство в международный арт-мир. Институт стал площадкой для проведения прогрессивных дискуссий и выставок. Образовательная программа ИПСИ — "Новые Художественные стратегии" — стала современной альтернативой академическому художественному образованию. Студенты, желающие арт-просвещения и творческой креативной реализации, слушают лекции по теории, истории и философии искусства и посещают мастер-классы. Среди лекторов — сплошь громкие имена российской арт-сцены: Екатерина Деготь (российский арт-критик, куратор, искусствовед, специалист по русскому искусству XX—XXI веков, кандидат искусствоведения, член-корреспондент Российской академии художеств) , Ирина Кулик (арт-критик, доктор литературоведения, автор множества публикаций, посвященных современному искусству, кино и современной музыке) , Иосиф Бакштейн (искусствовед, художественный критик, куратор. Директор Института проблем современного искусства. Один из «Топ-50 самых влиятельных лиц в российском искусстве» по версии журнала «Артхроника»), Андрей Ерофеев (российский искусствовед и куратор выставок, первый из 50 самых влиятельных лиц в российском искусстве по версии «Артхроники») и другие известные теоретики. За мастер-классы отвечают Олег Кулик, Владимир Дубоссарский, Дмитрий Гутов, группа "АЕС+Ф" — все, чьи выставки становятся "гвоздем программы" московской арт-жизни и выходят на первые полосы молодёжных изданий массово-развлекательного характера[8].

В музее современного искусства "Гараж" существует архитектурный курс для любителей архитектуры, которые не сильно разбираются в физике и инженерии. В «Гараже» учат основным архитектурным стилям и общей обстановке в архитектурной среде. Каждая лекция сопровождается практическим занятием.

Также в музее есть курс для тех, кто желает за короткие сроки разобраться в истории искусства, что само по себе сомнительно, так как в истории искусства невозможно разобраться быстро, учитывая всю специфику и особенности данной отрасли.

«Этот курс — панацея для тех, кто желает оперативно и качественно заполнить пробелы в знании истории искусства.» - пишут СМИ.

Искусствоведы повествуют о 20 ключевых фигурах в искусстве последних столетий, начинается с Клода Моне. Цикл включает в себя исследования фигур знаменитых творцов, которые напрямую связаны с определенным художественным течением. Супрематизм - Малевич. Ив Кляйн - концептуальное искусство. Нео-поп-арт представлен работами приверженцев китча Джеффа Кунса и Харуки Мураками. Ленд-арт - в образах Кристо и Жан-Клода. Теория сопровождается выполнением творческих проектов по мотивам работ знаменитых художников.

В октябре 2015 года в Мультимедиа Арт Музее состоялись курсы от одного из ведущих аукционных домов Phillips в виде цикла лекций по искусствоведению и кино для всех желающих.

Лекции начались с эпохи палеолита, «запрыгнули» в Средневековье, Ренессанс, время великих голландцев, затронули версальскую архитектуру, импрессионистов, баухауз и остановились на постмодернизме. Концетрировались и на узкой тематике. Искусствовед Милера Орлова, главный редактор The Art Newspaper Russia, читала курс лекций, о российском арт-рынке, а Крилилл Светляков, искусствовед и заведующий отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи, рассказывал о социалистическом реализме. Попасть можно было, записавшись по электронной почте.

Одна лекция стоила 1500р, что недоступно для многих представителей молодежной аудитории, однако рекламу о данных программах можно было найти на всех молодёжных информационных порталах. Что свидетельствует о том, что порой молодёжные издания создают потребность, которую невозможно реализовать определённым группам людей в силу низкого материального или социального положения.

Таким образом, современный музей на сегодняшний день является не только и не столько выставочным пространством, сколько многофункциональной галереей, мастерской , пространством, которое стремится удовлетворить все потребности зрителя.

Ярким примером такого ультрасовременного арт-пространства является музей современного искусства «Гараж», нашумевшее место средоточия «современного искусства», которое активно освещается в молодёжных СМИ (Артгид, Афиша, Timeout и т.п)

Термин «современное искусство» в данном случае я употребила в кавычках, так как художественное пространство «Гаража» воспринимается по-разному деятелями искусства и аудиторией. Интересно узнать мнение знатоков художественной культуры, заставших еще советскую культуру в своей неоднородности и в своем расцвете и явившихся свидетелями трансформации и перелома современной культуры. 3 ноября в МСИ «Гараж» в рамках «Ночи искусств» состоялась беседа Антона Белова, директора Музея «Гараж», и Ирины Александровны Антоновой, президента Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина.

Ирина Антонова - ключевая фигура в истории Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. С 1961 по 2013год директор, а сегодня – президент классического музея ГМИИ, советский и российский искусствовед, Заслуженный деятель искусств РСФСР.

Ирина Антонова рассказала о вещах, которые близки ей, как работнику музея с большим стажем. Она отмечает, что музей, в принципе, совсем не древнее по времени создания учреждение и вспоминает, что лишь в середине XVIII века появились музеи, Лувр и Британский музей были одними из первых. Были, конечно, различные коллекции и собрания, но существовали они своеобразной жизнью. Ирина Александровна приводит в пример пирамиду, где хоронили фараона. Ведь там тоже был набор определённых вещей, и сокровища. Но в силу своей недоступности гробница не была музеем.

«Музей начинается с момента, когда с коллекцией знакомится не только владелец, тот, кто ее приобрел, собрал или придумал, но и зритель» [77]

Кажется, что изобразительное искусство — самое легкое в восприятии: «Я смотрю — и я вижу». Сила же и смысл художественного произведения не столько в том, что вы видите и на что вы смотрите, а совсем в другом. «При беглом взгляде, при первом соприкосновении вы снимаете самый поверхностный слой: сюжет, интригу, персонажей, все остальное уходит от внимания…» Ирина Александровна убеждена, что «общение с настоящим, подлинным произведением искусства, доставляет радость и счастье не на одну минуту, не на один день, а часто на всю жизнь, — это постоянное погружение и проникновение в его глубины.»

Она считает, что особенность и художественная прелесть шедевра в том, что «со временем меняетесь вы сами, меняется ваш жизненный опыт, вы что-то узнаете, то, что представлялось важным, уходит, а казавшееся менее значимым выходит на первый план. Но все эти изменения уже содержатся в произведении, и каждый раз вы видите в нем новые пласты». И эта радость увиденного и открытия нового — личная радость каждого зрителя. В этот момент он на уровне творца — и именно это дает счастье от общения с искусством.

Антон Белов задал вопрос о расширении культурных возможностей. Если оцифровать часть произведений, выложить их в Интернет, сопроводив комментариями и дав возможность работать с ними, станет ли такой шаг пропагандой искусства? Ирина Александровна ответила, что этим ГМИИ занимается всю историю существования. Они готовят ряд продуктов для интернета и телевидения, делают телепередачи и фильмы. Создают ежедневные программы для посетителей самых разных возрастов, от детей четырёх лет до людей самого почтенного возраста.

ГМИИ активно привлекает не только молодую аудиторию, но и людей «третьего возраста» (элегантное зарубежное название людей пенсионного возраста, которые располагают свободным временем «для себя»). Многие зарубежные музеи осуществляют программы для старшего поколения и ГМИИ старается от них не отставать. В пушкинском проводились лекции самой Ириной Антоновой . Все это проходило в формате обязательного общения в форме семинаров, встреч, бесед с ведущим курса. За счет чего осуществляется обратная связь с аудиторией. Программа построена таким образом, что существует обратная связь со зрителями, так как, по замечаниям Антоновой часто люди приходят, хлопают и уходят и никогда неизвестно, что они унесли с собой. Директор ГМИИ замечает, что необходимо сравнение художественных форм, пояснения и рассказы профессионалов, чтобы зритель всё понимал и мог об этом говорить.

К примеру, в лектории ГМИИ есть курс на несколько тем, с названием одноимённой картины Тициана «Любовь небесная и любовь земная», на примере которой ведётся рассказ о любви. Он начинается с древнейших времен, от неолитической Венеры из Брассемпуи, и доходит до наших дней. У Яна Вермера есть картина «Офицер и смеющаяся девушка». Эта бытовая сцена голландской жизни XVII века: комната, сидит офицер в красиво посаженной шляпе, перед ним молоденькая улыбающаяся женщина. Но на самом деле это не просто такая сценка, действие происходит в борделе. И, соответственно, всю специфику нужно прочесть и понять: в этой комнате, например, висит карта, а молодой человек — офицер, он, очевидно, где-то странствовал, вернулся и пришел получить свою маленькую порцию счастья в этот дом. А есть картина «Авиньонские девицы» Пабло Пикассо, действие которой тоже происходит в борделе. И эти две картины логично показывать вместе, потому что это два решения одной темы: XVII век, Голландия, и XX век, Испания. Между этими полотнами огромный промежуток времени — и вот разные ипостаси любви.

Многие выставочные пространства сейчас забывают или не успевают учесть некоторые «тонкие» моменты, в том числе способ взаимодействия художественных объектов в рамках одной выставки, их контекст. За счёт чего порой экспозиционные залы оставляют не лучшие впечатления зрителям и вероятность повторного посещения музея уменьшается.

В ходе беседы представителя современного искусства, директора «Гаража», Антона Белова и директора классического ГМИИ им Пушкина Ирины Антоновой, обе стороны пришли к выводу, что «нынешние музеи — это «Мегамоллы культуры, которые даже немного пугают», этакие «Левиафаны».

Возможно, сейчас наступил момент кризиса музеев, который может разрешиться лишь в правильном дальнейшем развитии, полагающимся не на «массовую культуру», а на более глубокое и всестороннее изучение искусства, а также грамотную культуру выставочных пространств.

Ирина Антонова делится реакцией зрителей, которые говорят, что им нравится ГМИИ им. Пушкина. На вопрос «Почему?» всё чаще слышится ответ, что потому что это «музей, который можно за один день осмотреть». [69]

Музе́й (от греч. μουσεῖον — Дом Муз) — учреждение, занимающееся сбором, изучением, хранением и экспонированием предметов — памятников естественной истории, материальной и духовной культуры, а также просветительской и популяризаторской деятельностью.

Полифоничное современное общество диктует свои правила и музеи вынуждены выполнять ряд социальных функций, чтобы пользоваться популярностью. Экспозиционное пространство обязано расширяться. Половина места — для показа коллекций, а половина — для зрителя: для отдыха, занятий, лекций, работы в библиотеке и так далее. И социальных функций прибавляется всё больше и больше с каждым годом.

Зрителям нужно все больше и больше пространства. Поэтому ГМИИ им. Пушкина увеличивается не столько за счет экспонирования коллекций, сколько за счет создания зрительского комфорта, который будет сочетаться с удобством существования и функционирования самого музея.

Экспонирование и контекст – также важные составляющие музея. В одном выставочном пространстве редко редко можно встретить отечественное и западное искусство.

Очень важны диалоги — это основная форма для понимания искусства. К примеру, с одной стороны — Пикассо, с другой — Кандинский и Малевич. XVII век в России — это икона, а в Европе это Рембрандт, Веласкес, Ван Дейк.

В России существует нехватка музеев, где можно проследить историю развития искусства в XX веке.

Любопытно отношение Ирины Антоновой к современному искусству. Она симпатизирует Йозефу Бойсу, его первая выставка в России состоялась в ГМИИ, там же прошла ретроспектива Энди Уорхола. Однако, род деятельности многих знаменитых художников, работы которых можно увидеть, к примеру, в «Гараже», Ирина Александровна не расценивает как искусство. По её словам, современные художники «осуществляют некий творческий акт, который еще не описан». На рубеже XIX и XX веков происходит «трагедия вселенского масштаба, когда рушится целая система, целый образ мира, каким он был запечатлен в искусстве до того». На протяжении всего XX века развивается процесс полного отрицания длинного пути, пройденного искусством. Примерно в начале 1970-х годов начинается следующий этап: постмодернизм — то, с чем непосредственно связан феномен современного искусства. В художественной сфере появляются явления, которые рознятся с понятием искусства, которое существовало на протяжении предыдущих столетий.

Ирина Антонова считает, что перед нами «нечто совершенно иное, и его не надо принимать в качестве искусства и называть тем же словом» может быть, вместо привычного термина «искусство» нужно найти что-то другое, полностью соответствующее современным реалиям.

Необходимость нового направления и определения искусства также обусловлена тем, что за счет этого можно получить более содержательное, а главное, качественное развитие. «На сегодняшний день художественная продукция, предлагаемая под видом современного искусства, потеряла свое пространство. Раньше искусство существовало в пирамидах, античном храме и храме христианском, для которого писалась икона, фреска и так далее. Затем появился дворец, а после него — маленький дом голландца, и каждый раз художник работал на заказчика и на его мир. Сейчас для искусства возникли музеи, и это страшный процесс». [69]

Рассмотрим одну из самых масштабных московских выставочных площадок, которая неразрывно связана с реалиями современного искусства.

Современные экспозиционные пространства и их специфика

Музей современного искусства «Гараж»

Это первый в стране международный некоммерческий проект, основной целью которого являлось продвижение российского и зарубежного современного искусства. Он открылся в 2008 году в здании Бахметьевского автобусного парка Дарьей Жуковой. Она - дочь предпринимателя Александра Жукова и жена российского миллиардера Романа Абрамовича ( Жукова приобрела мировую популярность в период знакомства с Романом и именно он является главным спонсором музея). Дарья – дизайнер, совладелец компании модной молодёжной одежды Kova & T. , и даже попала в список «десяти самых стильных персон» 2008 года по версии американского журнала Vogue. [59] Её персона привлекает внимание СМИ и различные факты жизни Жуковой появляются даже в хрониках правительственных изданий. [75] По материалам портала РИА-Новости, Дарья является представительницей «золотой молодёжи». [60] Что характеризует «Гараж» как актуальное место встречи специфического слоя московской интеллигенции.

По материалам газеты «Эксперт», «Гараж» открылся церемонией, прошедшей в формате закрытой вечеринки, Дарья Жукова и Роман Абрамович пригласили около 300 деятелей культуры и шоу-бизнеса, а также скандально известную британскую певицу Эми Уайнхаус.

В исторических стенах музея были выставлены работы Дэвида Линча и Марка Ротко, Марины Абрамович и Ильи Кабакова (самого «продаваемого» современного художника по материалам «Артгида»). [48] В 2012 году «Гараж» временно переезжает из автопарка в в павильон, спроектированный японским архитектором Шигеру Баном. Изначально «Гараж» именовался «Центром современного искусства», но уже летом 2015 года в качестве полноценного музея он переедет в здание бывшего ресторана «Времена года» — на территорию парка Горького, который стал центральным «местом встречи» современной молодёжи.

Помимо конкретных выставок в «Гараже» проходят различные образовательные мероприятия: семинары, лекции, дискуссии, кинопоказы, мастер-классы и курсы для взрослых и детей. Также Музей ведет научную деятельность. В рамках проекта функционируют издательская программа, программа поддержки молодых российских художников, книжный магазин и кафе.

Garage Project Space — «новая экспериментальная платформа» на территории Музея в Парке Горького для показа известных ранее и заново открытых проектов, и для реализации только начинающих творческую карьеру художников. Программа началась в феврале 2014 года серией из семи выставок различных авторов из России и Восточной Европы, а также российских художников, живущих за рубежом. Планируется, что Project Space Музея «Гараж» станет площадкой, на базе которой новое поколение художников и кураторов сможет исследовать передовые идеи и формировать новые тенденции в искусстве.

В рамках проводимых в Музее современного искусства «Гараж» выставок функционирует бесплатная образовательная программа, включающая в себя лекции, мастер-классы, дискуссии, кинопоказы и события для детей (в рамках детского клуба). «Детский клуб — самостоятельное направление Музея современного искусства «Гараж», задачей которого является развитие творческого мышления ребенка и расширение и формирование его мировоззрения, раскрытие для детей возможностей искусства как инструмента для общения и познания мира.» [80]

Одно из направлений музея - научная деятельность. Она определяется развитием фундаментального подхода к изучению современного российского искусства с конца 1950-х годов до сегодня. В сентябре 2012 года с целью образования открытого информационного ресурса «Гараж» приобрел библиотеку и архив, ранее находившиеся на хранении в Фонде «Художественные проекты».

В коллекцию научного отдела входят документальные материалы по истории художественной жизни Москвы, Санкт-Петербурга и других городов России с конца 1950-х годов: каталоги выставок, книги по истории и теории современного искусства, документальные фотографии, печатные статьи об искусстве, неопубликованные тексты художников и искусствоведов, пригласительные билеты, афиши, пресс-релизы. В видеотеке хранятся документальные материалы хроники московских художественных событий с 1994 года. Для работы с архивом Музея современного искусства «Гараж» был создан научный отдел под руководством историка искусства Саши Обуховой.

Ключевые направления работы научного отдела:

• сбор и хранение документов по истории русского искусства ХХ века, книг по истории, теории и философии мирового искусства ХХ века, видеозаписей, фотографий;

• научно-исследовательская работа на основе собранной коллекции документов: инициирование исследовательских программ, проведение научных семинаров и конференций.

В планах «Гаража» — формирование обширной базы данных о современных художниках, архива хроники событий российской арт-сцены, а также открытие публичной библиотеки, доступной всем любителям искусства. В настоящее время научный отдел Музея работает над созданием онлайн-каталога библиотеки и архива[81].

Современная культура уже не мыслится в контексте только лишь самих экспонатов и музейного помещения, аудитория хочет знать все составляющие художественного пространства. Личность директора музея, его кураторов и организаторов из тени перемещается на центральные позиции. Журналисты изобретают новые ходы, интересные спецпроекты, чтобы привлечь внимание аудитории. Если раньше директор музея был для посетителей таинственной фигурой, которую мало кто знал в лицо, то сейчас из разряда инкогнито он переходит в категорию медийной личности и даже «ложного знакомого». Зайдя на просторы интернета можно узнать любимую марку одежду музейного деятеля, в какой парикмахерской он стрижется и чем завтракает. Такого рода материалами богаты все молодёжные издания, в особенности преуспела знаменитая независимая частная медиа-компания Look At Media (Интернет-издание о креативных индустриях), в которую входят несколько популярных проектов: Look At Me, The Village, FURFUR и Wonderzine.

На электронных страницах городской газеты о развлечениях The Village читатели, например, легко могут познакомиться с нынешним директором музея «Гараж» Антоном Беловым. Статья в рубрике «стиль» знакомит аудиторию с марками одежды Антона, его гастрономическими предпочтениями и взглядами на современный уклад московской жизни. В конце статьи указаны ссылки, так или иначе связанные с директором «Гаража»: «Fancy crew» (магазин одежды) , «Парк Горького» (площадка «Гаража») , «Цск гараж», «Нескучный сад».

Активизация самоопределения в культурном пространстве и времени, которая предшествует приходу на выставку, может запросто сосуществовать с полным “невосприятием” предметов, составляющих экспозицию. Можно заинтересоваться скорее архитектурой интерьера, где выставка расположилась, что можно отследить по скоплению современной молодёжи в кофейнях и магазинах Центров современного искусства и популярных галереях. Молодые люди часто собираются просто приятно провести время, перекусить или пообщаться, находясь «на территории искусства».

Ханс Ульрих Обрист считает, что «выставки – важнейший элемент политической экономии искусства: здесь происходит обмен и здесь конструируется, поддерживается и временами деконструируется значение искусства. Являясь и зрелищем, и социо-историческим событием, и структурирующим инструментом, выставки – и выставки современного искусства в особенности – формируют и управляют культурным смыслом искусства»[19].

Технологии выводят искусство экспозиции на новый уровень. Вместе с тем искусство становится всё более «массовым», отбрасывая глубину и подводные смыслы как ненужную составляющую. Широкое распространение получили мультимедийные выставки, рассчитанные на массового зрителя, от самого маленького до взрослого. Здесь собираются родители с детьми, творческая московская элита, студенты, бизнесмены, клерки. Меняется понимание целей, которые, вообще, преследует искусство. Современная выставка может служить лишь фоном, пространственной средой для вашего личного времяпрепровождения и самопозиционирования. А чем больше свободы дает процесс восприятия индивиду, тем более активно он может проявлять свои свойства, настроения, уровень культуры и цивилизованности.

На сегодняшний день основным средоточием мультимедийной культуры выступает ArtPlay, современный центр дизайна, занявший большое промышленное пространство недалеко от метро Курская. «Избранная стратегия с акцентом на культурно-творческую составляющую позволяет обеспечить стабильный финансовый результат в условиях серьезной конкуренции на рынке столичной коммерческой недвижимости» [86].

Отдельное динамично развивающееся направление деятельности ArtPlay связано с реализацией масштабных культурно-выставочных проектов, в том числе международных, что делает Центр яркой точкой на туристической карте Москвы.

Выставочные пространства Центра дизайна ArtPlay сегодня — это три экспозиционных зала, где регулярно проходят выставки современного искусства, фестивали видео-арта, концерты альтернативной музыки, спектакли, кинопоказы, лекции, мастер-классы. В сентябре 2011 года ArtPlay открыл два новых выставочных зала, которые стали основной площадкой IV Московской международной биеннале современного искусства.

С января по март 2014 г. в Центральном зале ArtPlay прошла мультимедийная выставка "Ван Гог. Ожившие полотна (Van Gogh Alive)"[99].

Пресс-релиз выставки призывает зрителей «отбросить традиционные представления о посещении музея, оставить за порогом привычку ходить на цыпочках из зала в зал в полной тишине, рассматривая произведения искусства из-за спин других посетителей и настроить зрение и слух на максимальную мощность» [99].

Выставка Van Gogh Alive разработана и создана австралийской компанией GRANDE EXHIBITIONS.

«Благодаря новейшим анимационным эффектам картины Винсента Ван Гога покидают свои рамы, предлагая зрителям кардинально новый способ взаимодействия с искусством» [99].

В мир художника позволяет погрузиться демонстрационная система нового поколения Sensory 4, содержащая в себе сорок кинопроекторов высокого разрешения, огромные экраны с высоким качеством цветопередачи, сконструированные специально для выставочного пространства галереи и расположенные на стенах, колоннах и даже на полу.

«Это не похоже на привычное понимание выставки как таковой» - делится впечатлениями Юлия, молодая мама с ребенком. «- Здесь можно просто ходить и бесконечно получать удовольствие. И детям необязательно быть тихими» (Журнал «Профиль») [120].

«Без преувеличения, это одно из главных культурных событий наступившего года» (журнал «Ваш Досуг») [120].

«Van Gog. Alive — главный выставочный «блокбастер» января (Газета «Metro») [120].

«Я очень ценю его творчество, была во многих галереях, и мне есть с чем сравнивать!» - рассказала студентка Людмила. «- Это не просто картинки и музыка, это шедевры! Здесь можно понять и прочувствовать внутренний мир и психическое состояние этого человека» [120].

В ArtPlay собираются родители с детьми, творческая московская элита, студенты, бизнесмены, клерки. Меняется понимание целей, которые, вообще, преследует искусство. Современная выставка может служить лишь фоном, пространственной средой для вашего личного времяпрепровождения и самопозиционирования. А чем больше свободы дает процесс восприятия индивиду, тем более активно он может проявлять свои свойства, настроения, уровень культуры и цивилизованности.

Можно в одиночестве прийти на выставку и просто отвлечься от бытовой жизни, проведя время наедине с собой. Можно встретить знакомых и вести дискуссии, как о самой выставке, так и на посторонние темы.

Чем больше неких групп лично знакомых зрителей, образующих один круг общения или разные кружки общения на выставке, тем более специфическую атмосферу это может создавать. Определенное количественное соотношение таких “кружков” и “толпы” характерно для каждой выставки. Иногда бывает, что на выставке образовывается определенный круг знакомых, друзей и коллег выставляющегося художника — и это часто производит негативное впечатление элитарной «домашней встречи», когда на самом деле никакой широкой аудитории такое искусству не нужно и его можно выставлять у себя в мастерской.

А иногда, встретив на выставке известных людей, побывав в одном пространстве с привилегированным слоем, у представителей среднего слоя населения якобы повышается социальный статус.

Соотношение массового потребителя и элитарного зрителя на выставке может колебаться и работает как на восприятие выставки, так и на самовосприятие каждого отдельного человека из аудитории.

Посетив нашумевшую современную выставку, можно распознать аудиторию актуальных молодёжных журналов о культуре и развлечениях.

Параллельно с выставкой Ван Гога в ArtPlay, в рамках Года культуры России – Великобритании при поддержке Британского совета, в центральном выставочном зале МАНЕЖ состоялась выставка режиссера Питера Гринуэя и его супруги Саскии Боддеке «Золотой век русского авангарда»[97].

Это выставка снова сделана с помощью инновационных мультимедийных технологий. Живописные полотна и скульптурные объекты раскрываются через мультимедийные фигуры Кандинского, Мейерхольда, Маяковского, Родченко и многих других героев начала ХХ века. Инсталляция стала первой из ряда крупных событий широкой образовательной программы МВО «Манеж» и Центра культуры и искусства «МедиаАртЛаб» «Проекции авангарда».

С помощью 18 экранов, расположенных на 5000 квадратных метрах Центрального выставочного зала «Манеж», Питер Гринуэй и Саския Боддеке отразили произведения русского авангарда, хранящиеся в коллекциях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного музея архитектуры имени А.В. Щусева, Государственного центрального театрального музея имени А.А. Бахрушина, Государственного музея В.В. Маяковского, а также в частных коллекциях.

Сочетание кинематографа и живописи, анимации и 3D-технологий создало единое атмосферное произведение, знакомящее современного зрителя с пространством русского авангарда.

Цель подобных выставок - погружение зрителей в контекст эпохи, создание эффекта дополненной реальности, раскрытие новых смыслов, декламируют пресс-релизы выставки.

Основа и центральная метафора экспозиции - прославленный шедевр русского авангарда – «Чёрный квадрат» Казимира Малевича. На полиэкранной инсталляции из 4 кубов применено самое современное проекционное, световое и звуковое оборудование. Полиэкранность как художественный приём не только раскрывает новые грани живописных полотен или скульптурных объектов. Синхронизированные изображения, связанные одной идеей, организуют новую архитектонику, предоставляя дополнительное измерение для музейной экспозиции. Инновационный подход к истории изобразительного искусства старается сформировать «новую визуальность и возможности образного познания мира» [97].

Питер Гринуэй отмечает, что выставка созвучна нашей эпохе, и конечно, такой современный подход ни в коей мере не умаляет достоинства произведений, хранящихся в музее. Но и не нужно оставлять их там пылиться и поэтому создатели и организаторы берут их с собой в настоящее и будущее.

Как давним, так и молодым поклонникам русского авангарда была предоставлена возможность расширить свои знания в рамках образовательной программы «Проекции авангарда». Цикл знакомил широкую публику с историей развития инновационных форм искусства, и существовал весь 2014 год. Мастер-классы, дискуссии, конференции по шести направлениям: музыка, литература, театр, визуальное искусство, кино и архитектура были сформированы в соответствии с интересом искусства авангарда к преодолению границ жанра. Признанные мировые специалисты, среди которых Реймонд Беллур (Франция), Джон Боулт (США), Дмитрий Курляндский (Россия) помогали проследить истоки развития современных медиа и художественных практик.

Когда появляется музей, появляется ощущение, что предметы искусства существуют не для того, чтобы украшать среду обитания человека, а для того, чтобы человек на время абстрагировался от своей обыденной жизни, выключался из нее мысленно, уходил в другое пространство, отдыхал. Поэтому массовый зритель положительно реагирует на многообразие и появление всё новых мультимедийных выставок, которые по своей сути ничем не отличаются друг от друга и никак не вписываются в рамки канонического музея.

Интернет как новейший “инструмент” самопрезентации приобретает масштабное значение и музейная структура энергично и эффективно использует глобальную сеть для своего продвижения. Создаются тематические сообщества (форумы, блоги и блог-сообщества, группы в социальных сетях), где постоянно собирается целевая аудитория - те, кому может быть интересен предмет “раскрутки”. В нашем случае – это молодёжь, группа людей, которая является самыми активными пользователями Интернета.

Активная «социализация» и массовая пропаганда музея чётко отслеживается, стоит зайти на сайт ГМИИ им. Пушкина. Оформление сайта отвечает всем современным требованиям, кликнув мышью можно ознакомиться со всеми программами музея. ГМИИ существует и активно развивается во всех социальных сетях – Twitter, Facebook, Instagram, Vk, YouTube и т.п[101].

Создаются различные приёмы и способы постоянного контакта с аудиторией, предлагаются новые услуги и акции для привлечения новых посетителей и поддержания внимания к музею.

К примеру, в социальной сети Instagram, на странице ГМИИ им. Пушкина ежедневно появляются новости, репортажи, пресс-релизы, тематические сообщения и иные материалы о самых разнообразных событиях, которые проходили в музее. Каждый день появляются красочные и модные фотографии, разыгрываются акции и конкурсы, там можно найти описание всех проходящих выставок, кураторских лекций, проектов музея, фотографии экспонатов и самих посетителей.

Прослеживается чёткая ориентация на молодёжную аудиторию, которая преимущественно пользуется ресурсами Instagram. К примеру, произведения искусства начинают продаваться в формате молодёжной одежды, что рекламирует пост в Instagram: «Теперь одежду с принтами картин из собрания музея и архивными фотографиями залов ГМИИ им. А.С. Пушкина можно приобрести в лавке Галереи искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков (Волхонка, 14). В продаже юбки, футболки и кофты» [21]. Текст сопровождается модной фотографией девушки на фоне картины Джованни Антонио Каналь Каналетто "Возвращение Бучинторо к молу у Дворца дожей" (1727 - 1729)

На следующей фотографии сотрудники музея стоят на лестнице Главного здания в одежде с принтами экспонатов из собрания ГМИИ им. А.С. Пушкина. Комментарии к фотографиям преимущественно в положительном ключе, молодёжь поддерживает идею «культурно одеться», однако встречаются и пользователи, недоумевающие как можно «сидеть на юбке с изображением произведения искусства» [21].

Любопытны комментарии пользователей: «А мода у вас когда-нибудь кончится? Когда уже начнется искусство, как раньше?», «А мода это не искусство?» [21].

Социальные сети – это площадка для обсуждений, дискуссий и пиара.

Twitter запустил международную акцию, которая призвана популяризировать музеи всего мира[116]. В акции приняли участие 1400 музеев, представляющие достопримечательности 50 стран мира. Каждый день недели в рамках акции запускались различные проекты. Так, используя хэштег #SecretsMW , можно было узнать о секретах и «закулисных» фактах разных музеев. С помощью хэштега #SouveinrsMW - узнать, какие музеи являются самыми популярными и поставить свою оценку.

Международный музейный проект #MuseumWeek впервые стартовал в прошлом году и участие в нем приняли музеи нескольких стран. Присоединиться к проекту Россию официально пригласили в этом году впервые. Среди российских музеев предложение было встречено с большим энтузиазмом.

Акция «Музейная неделя» прошла только в Твиттере, где музеи в последние несколько лет становятся все активнее. Большой популярностью у пользователей сервиса становятся международные музейные проекты #AskaCurator, #MuseumSelfie и другие. Российские музеи не отстают от зарубежных коллег и проводят свои Твиттер-проекты и акции. Проекты Государственного исторического музея #музейнаягостиная и #музейныймарафон имеют в российском Твиттере большую популярность и проводятся многими музеями нашей страны. Пожалуй, самыми яркими акциями прошлого года стали #Кунсткамера300 и #Эрмитаж250, отметившие юбилеи старейших музеев страны. Более десятка музеев русского Твиттера объединились, чтобы привлечь внимание своих подписчиков к этим важным событиям музейной жизни.

Твиттер-экскурсии и репортажи стали частью российской музейной жизни. За прошедший год многие музеи России завели микроблоги и стали вести в них активную деятельность. Некоторые становятся авторами собственных проектов.

Вывод по главе I

Таким образом, в XXI веке происходит формирование единого информационного поля, в котором тесно взаимодействуют музеи, арт-пространства и другие культурные институты, СМИ в том числе. Осуществляется единая информационная политика и стратегии развития музейной сферы.

Понятие художественной выставки в XXI веке существенно преобразовалось в силу современных социальных, политических и экономических процессов.

Если раньше искусство было доступно для узкого круга аристократии, то сегодня границы расширены.

Выставочная культура и её способы восприятия трансформируются и меняются вместе с развитием технологий и глобальной сети Интернета. Интернет как новейший “инструмент” самопрезентации приобретает масштабное значение и музейная структура энергично и эффективно использует глобальную сеть для своего продвижения. Создаются различные приёмы и способы постоянного контакта с аудиторией, предлагаются новые услуги и акции для привлечения новых посетителей и поддержания внимания к музею.

Новое искусство и современный зритель нарушают социальные нормативы “бесконтактного” восприятия. Понятие «дистанция» на выставке практически стирается. Это важная деталь, присущая актуальному современному культурному процессу, которую стараются учитывать организаторы выставки. Меняется взаимосвязь аудитории с предметами показа, а зачастую аудитория сама является частью художественного перформанса. В связи с этим меняется сам смысл современного искусства и поведенческая культура выставочных пространств.

Экспозиционное пространство, по сравнению с другими видами массовых зрелищ, предоставляет зрителю практически неограниченную свободу.

Художественные выставки активно расширяют свои функции, а музеи, мастерские и галереи становятся многофункциональным местом, где стираются границы между искусством, кинематографом и театром, музыкой и даже современной российской и зарубежной эстрадой.

Происходит процесс расширения культурных возможностей, что можно рассматривать и как положительное и как отрицательное явление в глобальном культурном контексте.

Технологии выводят искусство экспозиции на новый уровень. Вместе с тем искусство становится всё более «массовым», отбрасывая глубину и подводные смыслы как ненужную составляющую. Широкое распространение получили мультимедийные выставки, рассчитанные на массового зрителя.

Современная выставка может служить лишь фоном, пространственной средой для вашего личного времяпрепровождения и самопозиционирования. А чем больше свободы дает процесс восприятия индивиду, тем более активно он может проявлять свои свойства, настроения, уровень культуры и цивилизованности.

Мультимедийные перформансы и выставки набирают всё большую популярность, так как они наиболее понятны современному посетителю, предоставляют свободу выбора, интерактивность, зрители сами становятся участниками выставочной «игры». На фоне общей информационной загруженности яркая подача информации об экспонате или музейной теме в виде авторских инсталляций с применением мультимедиа-технологий позволяет оставить в памяти больше впечатлений о предмете и в целом создать большую заинтересованность в посещении музея. Но зачастую интерактивные мультимедийных инсталляции рознятся с общим художественным замыслом экспозиции, или недостаточно внимания уделяется контенту, что оставляет неприятные впечатления и можно считать, что такая выставка не имеет художественной ценности.

На протяжении всего XX века развивается процесс полного отрицания длинного пути, пройденного искусством. Примерно в начале 1970-х годов начинается следующий этап: постмодернизм — то, с чем непосредственно связан феномен современного искусства. В художественной сфере появляются явления, которые рознятся с понятием искусства, которое существовало на протяжении предыдущих столетий. Возможно, сейчас наступил момент кризиса музеев, который может разрешиться лишь в правильном дальнейшем развитии, полагающимся не на «массовую культуру», а на более глубокое и всестороннее изучение искусства, а также грамотную культуру выставочных пространств.

Необходимо новое определения искусства, обусловленное тем, что за счет этого можно получить более содержательное, а главное, качественное развитие. «На сегодняшний день художественная продукция, предлагаемая под видом современного искусства, может запросто сосуществовать с полным “невосприятием” предметов, составляющих экспозицию» [69]. Современная молодёжь всё чаще отдаёт предпочтение самым модерновым выставочным пространствам, с интересным архитектурным решением интерьера, выбирая музеи, галереи и центры современного искусства, предоставляющие возможность приятно провести время, перекусить или пообщаться, находясь «на территории искусства».