50/ Мистецтво поп-арту на прикладі творчості Роберта Раушенберга та Енді Уорхола

Період 50-х - 60-х років ознаменувався підвищеним інтересом до питань так званої масової культури, в цей же час виникає течія поп-арт.

ПОП-АРТ (англ. Pop-art, від popular art - загальнодоступне мистецтво) - напрям, що склався спочатку в модерністському зображальному мистецтві, а потім в різних сферах масової культури XX в. Поп-арт виник в США і Великобританії і остаточно відвоював собі «місце під сонцем» на міжнародній виставці в Венециї (1964 р.), отримавши перемогу над абстракціонізмом.

Друге значення пов'язане з англомовним звукоподражательным рядом слова в значенні уривчастий удар, бавовна, ляпанець або виробляюче шокуючий ефект - представники напряму використовують образи продуктів споживання як елемент художнього твору.

Річард Гамільтон - визначив поп-арт наступними словами: "популярний, недовговічний, скороминущий, дешевий, масовий, молодий, дотепний, сексуальний, жартівливий, шикарний і Великий Бізнес".

Звернувшись до миру речей, створених масовим промисловим виробництвом, поп-арт швидко увійшов в сферу сучасної масової культури і сполучився з рекламою, дизайном, оформительским мистецтвом. Відмітна особливість будь-якої картини, скульптури або в стилі поп-арт це бренды або образи масової культури.

Поп-арт повернув предмет в мистецтво, але це був предмет, не опоетизований художнім баченням, а предмет нарочито побутовий, пов'язаний з сучасною індустріальною культурою і, особливо, з сучасними формами інформації: друк, телебачення, кінематограф. Нові технічні прийоми, запозичені з промислового дизайну і реклами: фотодрук, використання диапроектора, включення реальних предметів, сприяли як «знеособленню» індивідуальної творчої манери художника, так і «розкриттю естетичної цінності» зразків масової продукції. Один з найбільш поширених напрямів в англо-американському мистецтві середини XX віку, що вплинув і на мистецтво інших країн. Один з перших широкомасштабних виявів поста-культури, на основі якого, так чи інакше, модифікуючи його основні елементи і прийоми, формувалися багато які художні практики другої половини XX віку. Один з найбільш яскравих феноменів модернізму.

Виставочні зали Європи і США стали схожі на виставки виробів самодіяльних гуртків народних умільців і винахідників, адже техніка поп-арта була виключно різноманітна: живопис і колаж, проецирование на полотно фотографій і слайдів, обприскування з розбризкувача, комбінування малюнка з шматками предметів, і т.д.

Зрозуміле, що критика відносилася до такого мистецтва по різному, одні говорили про виродження мистецтва або, на худий кінець, оновленій формі натуралізму, інші говорили про новий етап в розвитку мистецтва, називаючи поп-арт «новим реалізмом» або «сверхреализмом». Багато які відмічали на Міжнародних естетичних конгресах депрофессионализацию багатьох сучасних художників. Демократизм поп-арта критики відмічали в тому, що глядач може стати героєм твору, якщо він входить всередину нього, сідає на ньому відпочити або бачить своє відображення в дзеркалі, тобто бере участь в тій грі, яку йому пропонують.

Поп-арт треба приймати як реальність і віддати повинне винахідливості творцям творів цього напряму сучасного мистецтва, адже для створення конструкцій використовувалися нові досягнення науки і техніки.

Після другої світової війни в Америці сформувався великий соціальний шар людей, що заробляли досить грошей, щоб придбати товари, які їм не були особливо важливі. Наприклад вживання товарів: Coca cola або Levi's джинси стають важливим атрибутом цього суспільства. Людина використовуючи той або інший товар, показує свою приналежність певному соціальному шару. Так формувалася масова культура. Піп-мистецтво обов'язково використовує стереотипи і символи.

1.2 Основні риси

Мистецтво поп-арта тісно перепліталося з мистецтвом торгової реклами, що стала невід'ємною частиною американського образу життя. Реклама помітно і нав'язливо пропагує товарний стандарт. Як і в рекламі, головними сюжетами поп-арта стали автомашини, холодильники пилососи, фени, сосиски, морожене, торти, манекени и.д.

Творці рекламних передач і шоу здатні искромсать на шматочки і з'єднати в потрібній їм комбінації пральний порошок і відомий шедевр мистецтва, зубну пасту і класичну музику. Точно також поступає і поп-арт. Відмінна риса - поєднання виклику з байдужістю. Все однаково цінне або однаково безцінне, однаково красиво або однаково потворно, однаково гідно або не гідно.

Основні риси поп-арта: яскраві райдужні кольори, помітні форми, використання пластик, елементи, що повторюються. Поп-арт відкрито оспорював принципи "хорошого дизайну", заперечуючи модерн і його цінності. Основний упор робився на зміни, різноманітність, веселощі, бунтарство і недовговічні, одноразові речі, дешевизну і ставку на масове споживання.

Дизайнери зайнялися виробництвом речей, які споживач бажав, а не тих, в яких він мав потребу. На перший план вийшов стиль, уперше недовговічні, одноразові речі стали прийматися за норму.

Це мистецтво невпинно запозичає предмети і образи з повсякденного побуту і робить особливий упор на масові розваги і товари широкого споживання, втілюючи їх в художню форму. Воно містить в собі безліч посилань, часто дуже специфічних і емоційних, на буденне життя звичайних людей. «Піп»- художник, відображаючи навколишнє життя, втілює її і таким чином виражає своє відношення до неї. При цьому його реакція на оточення необов'язково повинна бути ясною і безпосередньою. Використання стількох широко відомих образів веде до складної серії взаємодій і відгомонів, які вловлюються і осмысляются оком і розумом глядача.

Така образність знаходилася поза межами того, що ми раніше називали «витонченими» мистецтвами, тобто пейзажу, портрета, релігійного або історичного живопису. «Піп» - художники цікавляться людьми як предметами (звідси упор на зображення кінозірок), а також машинами - автомобілями і електроприладами. Вони багато чим зобов'язані стилізованому зображенню людей і предметів в сучасних журналах, на телебаченні, в фотографіях, коміксах, кіно, рекламі.

Існує версія, що поп-арт народився випадково. До Рою Ліхтенштейну прийшов маленький син з книжкою коміксів і попросив зробити з них що-небудь смішне. Рій подивився на нехитрі картинки і вигадав збільшити їх до величезних розмірів. Так він почав створювати свої картини, які потім користувалися скаженою популярністю. Комікси або окремі їх частини збільшувалися порою настільки, що не можна було зрозуміти, що там. Абстракція, так і тільки. «Я за мистецтво, яке не сидить на своїй задниця в музеї. Я за мистецтво, яке зростає і не підозрює про те, що воно мистецтво... Я за мистецтво, яке змішане з повсякденною нісенітницею і все ж підіймається вгору», - міркував Ліхтенштейн.

По іншій версії початок поп-арту поклала картину-колаж Річарда Гамільтона «так що ж робить сучасні будинки так незвичайним і так привабливим?». Виглядає це, як «набір» вирізок з кольорових журналів. Звичайний будинок середньостатистичний американця, «що підсів» на рекламу. З рекламних сторінок в інтер'єр зійшли і магнітофон, і телевізор, і, безумовно, газета, а на стінах замість картин - збільшений фрагмент комікса - ширпотреб. За вікном видніється кінотеатр. Центральна чоловіча фігура вирізана з реклами культуризму, жіноча - також в дусі «хочеш схуднути? Спитай мене як». Образ реального світу витіснений скупченням фіктивних іміджів маси-культури. Життя, перетворене в казку за допомогою реклами.

Роберт Раушенберг

Американської художник, що створив в 50-х відмічені впливом дадаизма колажі і твори так званого «комбінованого живопису», в яких абстракція об'єднана із зображенням предметів повсякденного побуту. Завдяки своєму прагненню пов'язати життя з мистецтвом Раушенберг став одним з провісників американського поп-арта.

У першій половині 50-х Раушенберг розробив стиль, типову для напряму «поп-арт», використовуючи як художній матеріал предмети повсякденного побуту. У рамках своїх творів «комбінованого живопису» він об'єднував предмети, добре відомі американському суспільству з реклами і засобів масової інформації. Це техніка колажа, об'єднуюча реалістичні об'єкти і газетні фотографії в абстрактне мальовниче панно. Однією з найбільш відомих картин такого роду (відмічена впливом дадаистов Марселя Дюшампа і Курта Швіттерса) була написана в 1956 «Ліжко»: на полотні великого формату Раушенберг представив своє ліжко разом з постільною приналежністю, забризкане фарбою і поставлене вертикально, як картина.

Протягом 1950-х років в роботах Раушенберга поступово зростала кількість реальних предметів - газетних фотографій, шматочків тканини, дерева, консервних банок, трави, чучел тварин - доти, поки не досягалося відчуття, що полотно або вся композиція ось-ось прорветься в якийсь інший мир, дивно спотворену реальність.

У шістдесяті роки Раушенберг став влаштовувати перфомансы, співробітничати з інженерами і використати різні друкарські матеріали; він прагнув виразити складність і багатошаровість існування сучасного індустріального суспільства. У 1980-е були опубліковані декілька альбомів фотографій Раушенберга, які з'явилися логічним завершенням частого використання фотографічного матеріалу в колажах і втіленням уявлення автора про мир як про безглузде нагромадження образів.

Уперше Раушенберг примусив заговорити про себе після виставки в нью-йоркской галереї Лео Кастеллі (1958). Надалі його творчість впливала великий чином на розвиток поп-арта. У кінці 50-х з'явилися перші так звані «перевідні малюнки»: колажі фото з газет і рекламних плакатів, які Раушенберг перекладав на білий лист в дзеркальному відображенні.

У задум Раушенберга входило зіткнення тривіальних, відомих символів з художніми елементами картин. Перший великий трафарет, в якому скомбіновані символи американського життя (наприклад, парашутист, орел, Джон Кеннеді), він створив на початку 60-х. Одночасно Раушенберг (що вважав себе художником-універсалом) експериментував з електронікою («Чорний ринок», 1961) і займався оформленням уявлень спільно з колегами-художниками. Прорив на міжнародний рівень стався в 1964: Раушенберг став володарем головного призу на биеннале в Венециї. Правда, таке рішення жюрі викликало бурхливу реакцію - Ватікан висловився про «занепад культури»; і все ж присудження першого місця представнику поп-арта остаточно затвердило офіційне визнання цього напряму. Це визнання вигідно позначилося і на доходах Раушенберга - ціни на його роботи підскакали в декілька разів.

Раушенберг був дуже зосереджений иконографией американської масової культури. Він відмовився від емоційного стилю абстрактних експресіоністів, але не втратив при цьому їх экспрессивности, виробивши метод, який використав -прийоми колажа в поєднанні з нетрадиційними матеріалами (малярська фарба) і незвичайною технікою, наприклад, малювання автомобільною шиною після занурення її в чорнило. Раушенберг розсував простір своїх колажів за допомогою включення трьохмірних об'єктів і став називати їх «комбінованими творами». Ця революційна техніка сприяла розвитку сучасного мистецтва і способів творчого вираження. Захопленість Раушенберга образами масової культури і реалізована ним естетика за принципом «все зійде» вплинули величезний чином на ідеологію поп-арта, що перебуває в імітації масової культури в протилежність більш суб'єктивній творчості Раушенберга.

Для колажа 1964 р. «Ретроактивность 1» Раушенберг використав фотографії сучасних подій, опубліковані в численних газетах і журналах. Велика газетна фотографія Джона Ф. Кеннеді, виступаючого на телевізійній прес-конференції, була встановлена в основу трафаретного відтиснення на полотні. Він наклав образ Кеннеді на шелкографическое зображення астронавта, що спускається на парашуті. Що Перекриваються і в той же час зовні непорівнянні портрети створюють кольоровий візуальний коментар до масовою інформацією, що просочилася культурі, що намагається совладать з ерою телебачення.

«Раушенберг - це теперішній час, цей чемпіон змагання сьогоднішнього дня. Творці поп-арта грають роль швидше в соціальному плані, чому в естетичному. Вони не чураются давати публічні виступи на людях. Так, один з них в день вернісажу прогулювався з розмальованою парасолькою, інші одягаються кричаще. Рішуче, Далі з'явився хресним батьком всього цього покоління»[2].

У 1980-е роки були опубліковані декілька альбомів фотографій Раушенберга, які з'явилися логічним завершенням частого використання фотографічного матеріалу в колажах і втіленням уявлення автора про мир як про безглузде нагромадження образів. Починаючи з 80-х його роботи вже не таять в собі ніяких стилістичних несподіванок. Сьогодні 10 картин цього загальновизнаного мэтра сучасного мистецтва експонуються в Ермітаже, будучи подарованими музею самим художником

Енді Уорхол

Енді Уорхол, напевне, є самої відомою і суперечливою особистістю в мистецтві у другій половині двадцятого віку. Він був одним з основоположників поп-арта і довів що мистецтво може бути матеріально прибутковим. Протягом всього свого життя він створював безліч історій навколо своєї персони. Уорхол займався різними видами мистецтва, він був і колекціонером, і видавцем журналу, і дизайнером, і кінорежисером, і скульптором, і письменником, а так само художником і продюсером.

Энди Уорхол з дитинства всім своїм юнацьким серцем ненавидів школу. Ходив туди, як на тортури. Щоб якось ощасливити своє дозвілля, Енді почав малювати і робити колажі. Рився на смітниках, випрошував старі номери журналів у продавців в кіосках, «старцював» по знайомих. У глянцевій комиксно-журнальній макулатурі перед маленьким хлопчиком відкривався зовсім інший, яскравий мир - там королі, микки-маусы і голливудские зірки. Энди старанне, з натхненням шукав, вирізав, склеював, перемальовував. Його малюнки подобалися всім знайомим. Бэтмен дружески поплескував своїм широким крилом по худенькому плечу принца Уельського, Грета Гарбо йшла під вінець з Микки-Маусом, а з мішка з новорічними подарунками виглядав радісний президент США.

Уорхол, що Подорослішав уважно придивлявся до мистецтва, що тільки зароджувалося, знаходячи в ньому своє, рідне, спогади дитинства. Предметом мальовничого зображення могло стати що бажане: обрізання газет, рекламні плакати... Уорхол не боявся експериментувати. Перші досліди не користувалися успіхом. Так він сам розумів: не те, не то. Він шукав. Днями і ночами шукав новий поворот. Чого тільки не пробував: клав свеженарисованные полотна на тротуар, бажаючи відобразити сліди щойно минулих людей, пробував нові, неординарні поєднання кольорів.

Одного разу один з бізнесменів, що займалися продажем робіт художника, спитав, що для тебе саме головне в житті. Уорхол, не задумуючись, відповів. Тоді бізнесмен порадив зображати купюри доларів. Уорхол послухався поради. І не даремно. «Доларові» картини мали великий комерційний успіх. У своїх щоденниках Уорхол міркував: «Мені подобаються гроші на стінах. Наприклад, ви маєте намір купити картину за 200000 доларів. Я думаю, вам потрібно взяти ці гроші, перев'язати їх в пачки і повісити на стіну. Тоді, якщо хто-небудь прийде до вас в гості, перше, що він побачить - гроші на стіні».

У 1960 році він робить дизайн для банок Кока-кола (Рис. 12), який, надалі, став культовим.

Славу художника з неординарним баченням мистецтва живопису Енді Уорхол отримав відразу ж після свого витвору, на якому були зображені консерви і банки з напоєм кока-кола. Самої відомою стала серія картин Енді Уорхола із зображенням консервної банки з томатним супом від славнозвісного в той час виробника «Кемпбелл».

Глибоке враження зробило на Уорхола самогубство Мерілін Монро (Рис. 14). Вона стала на довгі роки його музою. У різних видах з'являлася вона на шелкографиях Уорхола. Надихали художника і інші знаменитості: Элвис Преслі, Джеймс Дін, Елізабет Тейлор, Мао Дзедун...

Художник почав використати техніку шелкографии - це техніка повторення одного і того ж зображення. Ці повторення стали однією з властивостей Уорхола. Під цей кислотний стиль попали зображення Евіса Преслі, Ліз Тейлор, Мерлін Монро, Міка Джаггера, а так само множинна кількість кока-кола. Всі ці люди були кумирами того часу. Цей стиль у нього не змінився протягом всього його життя, мінялися тільки сюжети. Його довгі полотна і монотонне зображення на них, нагадували ряди продуктових маркетов.

Суть в тому, що в результаті виходила картинка, що лише віддалено нагадує оригінал, темою якої був не сюжет, а технічні способи його передачі. Відчуття, що фотографію вивернули навиворіт. Шелкография (Рис. 15) часто нагадувала погані газетні репродукції, але, на відміну від них, цю не тому що хтось робив тяп-ляп і руки не з того місця зростають, а так задумано. Коли Уорхол застосовував при друці фотографії різної густини барвистого шара і міри тиску, виходив те майже стерте відтиснення, то зникали півтони і светотеневые переходи, іноді траплялися потечи фарби, що мастять форму.

Тієї ж мети руйнування ілюзії служиво багаторазове повторення оригіналу. Уорхол вигадав не возитися з створенням нового, а займатися спекуляцією старого: купив фотку якої-небудь зірки екрана, перемалював її сто разів на одному полотні і продав в мільйон раз дорожче. Растиражированное зображення придбавало вигляд плоскої картинки, викиненої конвейєром масового виробництва. Цим Уорхол домагався естетичної отстраненности від власної творчості.

Гучні імена попа-артистів, що зображають предмети масового споживання, робили велику послугу продавцям цих самих предметів. Підписані Уорхолом банки консервів розкуповувалися вмить.

Уорхол проголошував перетворення художника в машину по тиражуванню попа-арт-проектів. «Коли помер Пікассо, я прочитав в журналі, що він створив протягом свого життя чотири тисячі шедеврів, і подумав: «Нісенітниця, я можу створити стільки ж в один день», - хвалився Уорхол. Але, виявилося, що одного дня просто не вистачає.

Після смерті суперстара його майно було досліджене і описане. У його тридцатикомнатном манхэттенском будинку виявили біля тисячі картин, півтори тисячі малюнків, банківську книжку на 15 мільйонів доларів, меблі «арт-деко», ковдри індіанців навахо, п'ятдесят біло-срібних париків, сорок дві подшивки статей об Уорхоле, повний комплект журналу «Інтерв'ю», три тисячі часів аудиозаписей бесід Уорхола, його друзів і знайомі. Десятки тисяч фотографій і шістсот «капсул часу» - картонних коробок, куди Уорхол складав всілякі непотрібні речі, так би мовити, для нащадків. Банки з-під печива, набиті сотенними купюрами, - сейфам Енді не довіряв. Шедеври живопису, що коштували сотні тисяч доларів, валялися упереміш з мотлохом з лавок старьевщиков: Уорхол завжди мріяв знайти яку-небудь дрібницю за п'ять баксов, яка згодом буде коштувати мільйони. Скажені гроші він тратив на купівлю потрібних і непотрібних витребеньок, втілюючи принцип: гроші треба вкладати в речі. Тут можна було знайти муміфіковану стопу, рахунки, яблучний недогризок, ковбойские чоботи, листи, книги, банки супу «Кемпбелл» (який художник із задоволенням їв до самого свого кінця) - продукти життєдіяльності великого Енді.