Франсуа Милле

Родился в 1814 году в Нормандии, близ пролива Ла-Манш, в семье зажиточного крестьянина.

Его художественные способности были восприняты семьёй как дар свыше. Родители дали ему денег и позволили учиться живописи.

В 1837 году приезжает в Париж и 2 года занимается в мастерской живописца Поля Делароша .

С 1840 года художник начинает выставлять свои работы в Салоне.

Был период в парижской жизни художника, когда он приобрёл славу портретами и небольшими картинами на библейские и античные сюжеты.

Однако, главной темой художника стала крестьянская жизнь.

В 1849 году художник приехал в Барбизон и навсегда остался там жить. Он сближается с барбизонцами и, особенно, с Теодором Руссо. С этого времени начинается зрелый период в творчестве Милле.

Хронология работ.

1848 – «Веятель»

1850 –«Сеятель»

1857 – «Сборщицы колосьев»

1859 – «Анжелюс» («Вечерний благовест»)

1863 «Человек с мотыгой»

1866 – «Зимний пейзаж с воронами»

1868-73 – «Весна»

По традиции имена Г. Курбе и Ф. Милле обычно называют рядом, только Милле почему-то ставят на второе место, хотя они выступили в одно время. Они мало похожи. Милле слабее Курбе как живописец, но выше его как художник. Он гораздо глубже чем Курбе. В своих сюжетах, не нарушая реалистической достоверности, он достигает впечатления библейского величия.

Если рассматривать репродукции, появляется ощущение того, что работы больших размеров. На самом деле оригиналы имеют маленький размер. Они представляются большими, потому что композиции эпичны по настроению и ритму.

Не понаслышке зная крестьянскую жизнь, Милле чувствовал себя в Париже чужим.

«Я не проклинал его, но меня охватывал ужас от того, что я ничего не понимал ни в его житейском, ни в духовном бытии.»

Милле было свойственно горделивое смирение землепашца. Стойкость, замкнутость, суровое достоинство.

Широкие равнинные горизонты, неспешное движение стад, полёт грачей, мерный звон сельского колокола

-мерный ритм тяжёлого, изнурительного, но всё же благословенного труда на земле - это всё не только предмет изображения для Милле, но и самая душа его живописи: она соткана из этих ритмов.

Знаменитый «Сеятель» - идущий плавным широким шагом, разбрасывая семена – одна из остающихся на века «поэтических формул», лаконичных и вмещающих огромное содержание.

В отличие от Курбе Милле никогда не писал больших холстов, никогда не стремился быть на виду и не выступал с декларациями. Свои мысли об искусстве он высказывал только в письмах к друзьям или в заметках, не предназначавшихся к опубликованию.

«Природа охотно открывается тому, кто старается познать её, но она хочет, чтобы её любили безраздельно… упадок начался с того момента, когда решили, что искусство, хотя оно произошло от природы, само является высшей целью(…). Искусство живописи состоит в том, чтобы передавать внешний вид предметов. Но это не есть цель искусства, а только средство, язык, которым пользуются, чтобы выразить свою мысль. То, что называют композицией, это и есть искусство передавать другим свои мысли».

Напряжение медленно созревающей думы чувствуется в образах крестьян – героев Милле.

Для почерка Милле характерен –

-предельный лаконизм

-отбор главного, позволяющий передать общечеловеческий смысл в самых простых, обыденных картинах повседневной жизни

-в некоторых работах – «Сеятель» - динамичен

-художник достигает впечатления торжественной простоты спокойного мирного труда и при помощи объёмно-пластической трактовки и ровной цветовой гаммы

-любит изображать спускающийся вечер

-приглушённая цветовая гамма – «Анжелюс»

-большинство произведений Милле пронизано чувством высокой человечности, покоя, умиротворения

-1-я работа – «Человек с мотыгой» - изображает тяжесть труда крестьян.

«Анжелюс» - когда последние лучи заходящего солнца освещают фигуры крестьянина и его жены, бросивших на миг работу при звуках вечернего благовеста –

-приглушённая цветовая гамма составлена из мягко сгармонированных красновато-коричневых, серых, голубых, почти синих и сиреневых тонов

-тёмные силуэты фигур со склонёнными головами, чётко читаемые над линией горизонта, ещё более усиливают лапидарность композиции, имеющей в целом какое-то эпическое звучание

-«Анжелюс» - это не просто вечерняя молитва, это молитва за умерших, за всех тех, кто работал на этой земле.

Большинство произведений Милле пронизано чувством высокой человечности, покоя, умиротворения.

Но среди них есть один образ, в котором художник хотя и выразил предельную усталость, измождение, измученность тяжёлым физическим трудом, но сумел и показать огромные дремлющие силы труженика – исполина. Это картина «Человек с мотыгой».

Тяжесть труда крестьян, их нищета и смирение отразились в картине «Сборщицы колосьев». Фигуры женщин на фоне поля согнуты в низком поклоне – только так им удастся собрать оставшиеся после жатвы колосья. Вся картина наполнена солнцем и воздухом. Работа вызвала разные оценки публики и критики, что заставило мастера временно обратиться к более поэтичным сторонам крестьянского быта.

В 1859 году Милле по заказу французского правительства написал полотно «Крестьянка, пасущая корову». Морозное утро, иней серебрится на земле, женщина медленно бредёт за коровой, её фигура почти растворилась в утреннем тумане. Критики назвали эту картину манифестом бедности. В конце жизни художник под влиянием барбизонцев увлёкся пейзажем.

В «Зимнем пейзаже с воронами» нет крестьян, они давно ушли, бросив пашню, по которой бродят вороны. Земля прекрасна, печальна и одинока.

Последняя работа Миле «Весна» полна жизни и любви к природе, сияющей яркими красками после дождя, она закончена незадолго до смерти художника.

Милле никогда не писал картин с натуры. Он любил ходить по лесу и делать маленькие зарисовки, а потом по памяти воспроизводил понравившийся мотив.

Художник подбирал цвета для своих картин, стремясь не только достоверно воспроизвести пейзаж, но и достичь гармонии колорита.

Живописное мастерство, стремление без прикрас показать деревенскую жизнь, поставили Милле в один ряд с барбизонцами и художниками реалистического направления, работавшими во 2 половине 19 века.

Гюстав Курбе

«Раненный» – 1844

«Влюблённые в деревне» – 1845

«Автопртрет с трубкой» – 1846

«Похороны в Орнане» – 1849-50

«Купальщицы» –

«Автопортрет с чёрной собакой» – 1840-44

«Встреча» или «Здравствуйте, господин Курбе» –

«Мастерская художника» или «Ателье»

«Море» – 11867

«Дробильщики камня» – 1850

«Рельеф «Женщина и чайка»

«После обеда в Орнане» – 1849

«Волна»

После революции 1848 года восходит новая звезда, художник, представлявший новое направлении в изобразительном искусстве - реализм.

Это Гюстав Курбе.

Родившись в 1819 году на юго-западе Франции, в зажиточной крестьянской семье местечка Орнан, Курбе в 1840 году перебирается в Париж, чтобы завоевать его.

Он много работает самостоятельно, копирует старых мастеров в Лувре и овладевает ремеслом живописи.

-в 1842 году в Салоне он дебютирует «Автопортретом с чёрной собакой»

-в 1844 году _в Салоне – выставляет «Раненого»

-в 1845 году – в Салоне – «Влюблённые в деревне»

-в 1846 году – «Автопортрет с трубкой»

-в 1849 году – «Похороны в Орнане»

-в 1849-50 годах – «Дробильщики камней»

-1854-55 годы – «Мастерская художника» («Ателье»)

Что же в действительности представлял собой Курбе как художник?

Несомненно, он был яркой, самобытной фигурой, очень одарённым живописцем, мастерски передававшим натуру в её неприкрашенной достоверности. Отрёкшись от «идеальностей», он писал самое, что ни на есть, обычное – преимущественно то, что наблюдал в местечке Орнан, откуда был родом.

Его программа, изложенная в декларации 1861 года, сводилась к тому, что искусство живописи не может быть ничем иным, как изображением предметов, видимых и осязаемых художником; что художнику, поэтому не следует писать того, чего он не видел, то есть не брать исторических и мифологических сюжетов и не давать большой воли воображению. Также Курбе добавлял, что художник-реалист должен передавать нравы, идеи, облик своей эпохи.

Настоящее же новаторство Курбе состоит не в том, что он писал жанровые сцены из повседневной жизни - их писали и до него - а в том, что он эту тривиальную повседневность монументализировал, поднимая до ранга «исторической картины».

Вообще, Курбе считается художником, с чьим именем связывают становление критического реализма.

Курбе понимал реализм как элемент романтизма: правдивое изображение современности, того, что видит художник.

Революция 1848 года сближает Курбе с Бодлером, издававшим журнал «Благо народа». Художник обращается к темам труда и нищеты и пишет картину «Дробильщики камней» - картина утеряна после 2 мировой войны. Работа примечательна уже тем, что это одно из первых в живописи изображений тяжкого и безотрадного труда рабочих. Художник сам рассказывал, как он случайно увидел двух человек, старика и юношу, разбивающих камни у дороги.

Картина эта, действительно, затрагивает острую социальную проблему, но она осталась лишь эпизодом в творчестве Курбе: в дальнейшем он эту проблематик не развивал, в его сценах сельской жизни критический нерв отсутствует. Ни в фигуре старика, ни в фигуре юноши не чувствуется никакого протеста; наоборот, смирение перед судьбой.. хотя есть, несомненно, сочувствие к доле изображённых, простая человеческая симпатия.

После разгрома революции Курбе уезжает в родной Орнан, где пишет ряд живописных работ на темы простого орнанского быта.

Вообще, он умел простые жанровые сцены трактовать как возвышенно-исторические, и незатейливая провинциальная жизнь получила под его кистью героическую окраску.

«После обеда в Орнане» написана в 1849 году - возвеличение обыденной темы показалось публике дерзостью.

Самое знаменитое творение Курбе – «Похороны в Орнане» - 1849 год – огромных размеров полотно , 47 фигур в натуральную величину (подобные размеры предназначались для исторических или мифологических сюжетов, Курбе же обыденную ситуацию этим возводит в ранг монументального). Это композиция погребения, на котором присутствует всё орнанское общество во главе с мэром.

Как можно охарактеризовать эту работу в контексте реализма?

-изображена обыденная ситуация – хотя это похороны дедушки художника

-сначала он назвал картину «Историческая картина похорон в Орнане», желая, видимо, подчеркнуть, что такие вот будничные события, происходящие у всех на глазах – это и есть живая, доподлинная история

-это групповой портрет жителей Орнана – мэр, священник, мировой судья, плачущие пожилые женщины, могильщик, церковные служители, певчие, дети. Все они – земляки художника, его знакомые или родные, и всех он писал прямо с натуры, чем они гордились. Курбе показал их без малейших прикрас – неуклюжие фигуры, толстые животы, туповатые лица – но и без всяких покушений на сатиру. Вот такие они на самом деле, нравятся они вам или нет, как бы говорит художник.

Самому художнику эта провинциальная публика по душе. Языком живописи он создал в этой картине внушительный и сочный «физиологический очерк» современной провинции.

Он пишет плотно, пастозно, энергично, лепит объёмы интенсивным, густым цветом; иногда, правда, впадая в «музейную черноту».

Со временем его полотна потемнели ещё больше.

У него был свой приём работы – начинал он работу над картиной с самых тёмных мест и затем постепенно высветлял выступающие освещённые места. Его живопись очень материальна.

Он часто писал морские пейзажи – они ему превосходно удавались. Хороши у него и лесные чащи, населённые оленями и косулями – страстный охотник, Курбе любил такие мотивы.

-для Курбе пластическая форма воплощается в объёме и объём вещей важнее их силуэта – в этом он приближается к Сезанну (сравнить силуэтные и объёмные работы Сезанна)

-он редко строит свои картины в глубину, его фигуры как бы выступают из картины

-форма Курбе не опирается ни на перспективу, ни на геометрию, она определяется, прежде всего, колоритом и светом, которые лепят объём

-главным средством выражения Курбе был цвет; строгая, почти монохромная гамма, построена на богатстве полутонов

После «Похорон в Орнане» на художника посыпались насмешки и обвинения критиков - зачем он обезображивает натуру, зачем на огромном холсте громоздит фигуры одна другой уродливей?

Тогда Курбе решил доказать, что он может не хуже других изображать красивое, прежде всего красивых женщин. Он стал писать пышнотелых красавиц – разряженных и обнажённых.

Справедливости ради надо признать, что у Курбе было много неудач, хотя сам он их не замечал

В своём дневнике Делакруа писал о реалистах – не называя Курбе, но явно его подразумевая:

«Они думают, что будут ближе к правде, борясь за буквальную верность натуре; но получается противоположное: чем точнее это подражание, тем оно более плоско, тем сильнее оно доказывает, что никакое соперничество здесь невозможно. Можно надеяться достигнуть нужного только при помощи эквивалентов. Надо создавать не самою вещь, а лишь видимость вещи, а затем это впечатление должно быть доведено до нашего сознания, а не только до глаза»

В этом тонком замечании предвосхищены все главные упрёки, которые когда-либо делались по адресу натурализма, к которому относят творчество Курбе некоторые исследователи.

Сам Курбе, менее всего отличавшийся скромностью, был неизменно в восторге от всего, что он делал: «Я люблю вещи такими, каковы они есть, и заставляю их служить мне. К чему искать в мире то, чего в нём нет, и силой воображения менять то, что в нём есть?»

Своеобразный нарциссизм Курбе проявился в веренице его автопортретов, начиная с раннего «Автопортрета с чёрной собакой» - где он так откровенно любуется своей красивой внешностью, своими длинными кудрями и «романтической» широкополой шляпой.

И в других автопортретах есть это выражение заносчивой самовлюблённости, которое могло бы быть отталкивающим, не будь оно таким простодушным.

В «Автопортрете с трубкой» он изображает себя на бледно-красном фоне, в белой с серо-зелёными тенями рубашке и серой куртке. Красноватое лицо с какими-то оливковыми тенями обрамляют чёрные волосы и борода. Лицо полно неги и лукавства, но и поэзии и изящества. Живопись широкая, свободная, насыщенная светотеневыми контрастами.

1855 год – Курбе не был принят на международную выставку, открыл свою экспозицию в деревянном бараке, который назвал «Павильоном реализма» и предпослал ей каталог, в котором изложил свои принципы реализма: «Быть в состоянии передать нравы, идеи, облик моей эпохи, согласно моей собственной оценке; быть не только живописцем, но также и человеком; одним словом, создавать живое искусство – такова моя цель» - провозглашал художник.

Декларация Курбе к выставке 1855 года вошла в искусство как программа реализма. Несколько лет спустя Курбе отвергает орден Почётного Легиона, которым Наполеон 3 желает привлечь художника.

В эти годы Курбе создано несколько, открыто программных произведений, посвящённых проблеме места художника в обществе.

Работу «Ателье» сам художник назвал «реальной аллегорией, определяющей семилетний период моей художественной жизни».

Это гигантское полотно он показал на той самой выставке 1855 года вместе с другими своими работами в отдельном павильоне под вывеской «Реализм Курбе».

Художник представил себя в мастерской за написанием пейзажа; рядом, в центре поставил обнажённую модель – как символ жизнеутверждающей творческой энергии; наполнил интерьер любопытствующей публикой и изобразил своих друзей среди почитателей и праздных зрителей.

Хотя картина полна наивной самовлюблённости, она одна из удачнейших в живописном отношении.

Единство цвета строится на коричневом тоне, в который вводятся нежно-розовые и голубые тона задней стены; розовые оттенки платья натурщицы; множество других оттенков, близких к основному коричневому тону.

Композиция картины смела и оригинальна, что подтверждает, воображением художник не был обделён.

Стены и потолок мастерской словно бы раздвигаются, уводя в бесконечность, как бывает иногда во сне: это интерьер мастерской, и, одновременно, пространство мира – мира, в котором находится место всем и всему, что художник изображал или хотел изобразить.

Фигуры вполне реальны, многие портретны – Шанфлери, Прудон, Бодлер, Брюйа – но предстают они как наплыв образов, живущих в сознании художника.

Столь же программна и другая картин «Встреча» - 1854 года, которая более известна под названием, данным ей в насмешку – «Здравствуйте, господин Курбе!». На ней изображён сам художник с этюдником за плечами и посохом в руке, повстречавший на просёлочной дороге коллекционера Брюйа и его слугу, но знаменательно, что не Курбе, принимавший когда-то помощь богатого мецената, а меценат снимает шляпу перед художником, идущим свободно и уверенно, с высоко поднятой головой. Идея картины – художник идёт своей дорогой, он сам выбирает свой путь – была понята всеми, но встречена по-разному и вызвала неоднозначную реакцию.

В дни Парижской коммуны Курбе становится её членом. Последние годы он живёт в изгнании, в Швейцарии, где и умирает в 1877 году.

В этот период он пишет ряд прекрасных по своей пластической выразительности вещей: охоты, пейзажи и натюрморты, в которых ищет монументально-синтетическую форму.

Он уделяет огромное внимание передаче реального ощущения пространства, проблеме освещения. В зависимости от освещения меняется и гамма. Реалистическая живопись Курбе во многом определила дальнейшие этапы развития европейского искусства.