Примитивизм в искусстве
Примитивизм служит для того, что с помощью определенных приемов (методов упрощения) сделать понятным и ясным впечатление от произведения. Наивное искусство может помочь зрителю прояснить изначальный замысел. Этот жанр позволил соединиться свежим художественным течениям и этническим традициям, а, также чистым детским рисункам. Примитивизм, особенно тот, что имеет сближение с детским рисунком, является ни чем иным, а стилистически законспирированным экспрессионизмом, недаром этот стиль является вариантом экспрессивного жанра живописи. Многие картины примитивизма, очень близки и в большей степени к символизму, так как большинство этнических рисунков, которые дали жизнь примитивизму, являются именно символическими картинками. Одним словом, примитивизм – это упрощенные, примитивные образы, лишенные подробностей и лишних деталей, созданные для более доступного понимания замысла художника.
Пуантилизм в живописи
Пуантилизм (от фр. pointiller - писать точками) - картина либо рисунок, выполненные отдельными мазками, точками, небольшими прямоугольниками и др. Частые мазки или точки наносятся на поверхность с учетом на их оптического смешения в глазу зрителя. В результате человек видит на картине не отдельные точки, а реальное изображение чего либо. Пуантилизм изобрел французский художник Ж.Сера, основываясь на научной доктрине о специфике работы глаза и цветовосприятии. Смешение трех независимых друг от друга цветов – красный, голубой, желтый или других, получают большую яркость и выразительность, чем смешение этих же красок на палитре перед рисованием. Дивизионизм - есть не что иное, а второе название пуантилизма.
Пуризм в искусстве
Пуризм (франц. purisme, от лат. purus - чистый). Течение во французском искусстве 1910–20-х годов. Пуристы стремились передать максимально упорядоченные, устойчивые и лаконичные формы, очищенные от лишних деталей, а также первичные элементы. Для этого жанра характерны плоскостность, плавные движения и легкие силуэты, различные контуры простых предметов – кувшины, тарелки и т.д. в наше время художественные принципы пуризма нашли отражение в архитектуре, в частности постройках Ле Корбюзье
В 1918 году появился манифест «пуризма» — книга художника Амеде Озанфгша (р. 1886) и швейцарца-архитектора Шарля Эдуарда Жаннере (Ле Корбюзье, р. 1887). Основное положение пуристов заключалось в требовании выражать «общее, статическое, неизменное», основываясь на геометрическом принципе кубизма. Пуризм использовал систему геометризации пластической формы для создания живописных произведений, тесно связанных с конструктивизмом в архитектуре, одним из главных представителей которого был тот же Корбюзье. Их приемы были предназначены, по существу, лишь для монументального искусства — панно, декоративных фризов — и нашли широкое применение именно в этой области. Лучшие результаты их поисков сказались, например, в гобеленах, вытканных по картонам Корбюзье и Жана Люрса (р. 1892). Фернан Леже. Известным мастером, близким к пуризму, был Фернан Леже (1881—1955). В начале 20-х годов Леже отошел от кубизма и выработал собственную систему, сложившуюся после его поездки в Италию и изучения классической живописи Ренессанса. В его творчестве 1920-х и 1930-х годов выражены поиски устойчивых закономерностей в противовес кубофутуристическому разложению формы. Однако эти поиски основываются на идеалистическом представлении о господстве машинной эстетики над органическими формами в современной жизни, и образ человека приобретает в работах Леже механизированный, лишенный жизненной органичности характер. Леже подчеркивает объемность предметов, по применяет для этого условный прием, придающий изображению механический характер, как если бы человеческая фигура состояла из металлических труб и шаров. Он строго следит за сохранением ощущения плоскости стены или холста, не позволяя объемной форме нарушать или прорывать эту плоскость. Характерными работами Леже являются его «Женщина с вазой» (1927) или «Натюрморт с зонтом» (1932). Леже использует ясные, чистые пятна спектральных тонов, сочетая их со вспомогательными черными, серыми и белыми, столь же четкими пятнами. Особенно ясно его система сказывается в витражах и других монументально-декоративных работах. Леже, принадлежавший к революционно настроенным кругам интеллигенции, активно выступал в защиту мира. Одна из его работ последнего периода — «Строители» (1950, Биот, Музей Леже) — показывает стремление художника вернуться к большой теме со сложным социальным содержанием. В 1945 году Леже вступил в Коммунистическую партию Франции.
АР-ДЕКО
р-деко́[1], также арт-деко[2][3] (фр. art déco, досл. «декоративное искусство», от названия парижской выставки 1925 года фр. Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, рус. Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств) — влиятельное течение в изобразительном и декоративном искусстве первой половины XX века, которое впервые появилось во Франции в 1920-х годах, а затем стало популярно в 1930—1940-е годы в международном масштабе, проявившееся в основном в архитектуре, моде, живописи, и переставшее быть актуальным в период после Второй мировой войны. Это эклектичный стиль, представляющий собой синтез модерна и неоклассицизма. Стиль ар-деко также имеет значительное влияние таких художественных направлений, как кубизм, конструктивизм и футуризм.
Отличительные черты — строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.
Небоскрёб компании «Крайслер» в Нью-Йорке
Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «ар-деко» . На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.
Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 — это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х гг. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne[en] — американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.
Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Айлин Грей[en], изделия из кованного металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.
«Морской дом[en]» на набережной Ванкувера
Символом ар-деко в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х — 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями ар-деко в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).
Хотя термин ар-деко возник в 1925 г., он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников.
«Венский сецессион» раннего периода (Венские мастерские); функциональный индустриальный дизайн.
Примитивное искусство Африки, Египта и индейцев Центральной Америки.
Древнегреческое искусство (период архаика) — наименее натуралистичное из всех.
«Русские сезоны» Сергея Дягилева в Париже — эскизы костюмов и декораций работы Льва Бакста.
Гранёные, кристаллические, фацеточные формы кубизма и футуризма.
Колористическая палитра фовизма.
Строгие формы неоклассицизма: Буле и Карла Шинкеля.
Эпоха джаза[en].
Растительные и животные мотивы и формы; тропическая растительность; зиккураты; кристаллы; колористическая чёрно-белая гамма клавиш рояля, мотив Солнца.
Гибкие и атлетичные формы женщин-спортсменок, которых стало очень много; острые углы коротких стрижек у представительниц клубной жизни — флэпперов.
Технологические достижения «века машин» — такие как радио и небоскрёбы.
Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Активно применяли зигзагообразные и ступенчатые формы, широкие и энергичные кривые линии (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио-сити и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» и «Нормандия». Ар-деко был роскошен, и считается[источник не указан 530 дней], что это роскошество — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.
Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, было «Streamline Moderne» (название от англ. streamline — «линия обтекания» — термина из области аэродинамики). В «стримлайн модерн» ощущается влияние промышленных штамповочных и аэродинамических технологий. В итоге в произведениях этого стиля появились очертания самолётов или револьверных пуль. Когда дизайн первого массового автомобиля фирмы Крайслер, «Chrysler Airflow[en]», оказался популярным, обтекаемые формы стали использоваться даже для точилкок, зданий и холодильников.
Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма[источник не указан 530 дней].
Ар-деко незаметно исчез после подъёма массового производства, когда к нему стали относиться как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения Второй мировой войны. В колониальных странах, таких как Индия, ар-деко стал воротами к модернизму и не исчезал до 1960-х гг. Возрождение интереса к ар-деко в 1980-х гг. было связано с графическим дизайном, а ассоциации ар-деко с лентами в стиле «фильм нуар» (film noir) и очарованием 30-х гг. привели к тому, что его стали вновь использовать в ювелирном искусстве и моде.
Ар-деко и архитектура СССР
Ар-деко оказал заметное влияние на архитектуру 30-х годов, явившись, наряду с постконструктивизмом и неоклассицизмом, одним из источников сталинской архитектуры[источник не указан 530 дней]. С сильным влиянием этого стиля был построен ряд станций Московского метрополитена: первая очередь (Сокольническая линия), несколько станций второй очереди (Замоскворецкая линия, например, станция «Аэропорт»).
Стоквартирный дом (Новосибирск, 1934–1937), архитектор А. Д. Крячков, В. С. Масленников
Станция метро «Аэропорт» (Москва, 1936–1938), архитекторы Б. С. Виленский, В. А. Ершов