КПТ ОТВЕТЫ

1. Понятия: танец, хореография, балетмейстер. Роль и место балетмейстера в процессе создания хореографического произведения.

Способность к ритму – одно из важнейших свойств природы человека.

Простые движения – одно из ярких проявлений чувства: ребенок смеется и танцует от радости; характерная реакция на радость – прыжки и крик человека; человек вышагивает взад и вперед от волнения. Так же непосредственно связаны с душевным состоянием и движения в танце, но в нем они ограничиваются и определяются тактом (ритмизируются).

Первобытный человек был прежде всего охотник и это определяло развитие подражательных плясок, в которых изображались животные. Исследователи обнаружили танцы «бабочки», «лягушки», «динго», «кенгуру» у австралийских племен, у индийцев – рыбьи пляски и пляски летучих мышей. На севере России – «утушки», «лебедушек», «оленя» и т.д.

Более поздние танцы первобытно-общинного строя связаны с земледельческими, с сельскохозяйственными работами. Например, пляски, воспроизводящие процесс возделывания растений или танец, имитирующий процесс посева. В этом танце, как и в самих посевных работах, принимало участие все племя. Двигающиеся первыми в шеренгах мужчины, как бы «вспахивали» поле, следующие за ними женщины «сеяли», опуская в лунки зерна, а идущие за ними дети «закапывали» лунки.

Частые столкновения между племенами из-за охотничьих угодий вызывали необходимость в постоянной готовности к обороне. Воспитание охотника – война – идеал мужчины – становилось общественным делом. На это были направлены религиозные обряды. Ту же цель преследовали пляски. Они достигали высокохудожественного уровня и имели, бесспорно, эстетическую ценность.

В древнем Египте, специальные танцовщики исполняли культовые танцы. Обряды погребения и приношения мертвым также сопровождались священными плясками. Особо знатные дома имели своих танцовщиц для развлечения хозяина. Изображения этих танцовщиц на рельефах показывает значительное развитие техники танца, его симметричных композиций и разнообразных поз.

Древнегреческая культура характеризуется развитием философской мысли, литературой, архитектурой, сложных жанров театрального искусства. И в этом созвездии в Греции танец развивается как искусство гармонии, красоты физической и духовной. Характер танца был символичен, пластика движений ограничивалась обязательными контурами, мимика лица – маской, непременной принадлежностью театра.

С начала шестнадцатого века до нашей эры в накоплении и совершенствовании лексики сценического танца, велика роль мимов. Техника исполнения танцоров-мимов была виртуозна. Специальная подготовка, развитие тела, обучение одного поколения другим было необходимым условием их профессионализма. Именно они развивали и обогащали язык танца.

Народный танец послужил основой для создания классического балета. Проникнув в салоны высшей знати, он стал исполняться благородней, сдержанней, жеманней, даже напыщенней. Развитие танцев в салонах пошло по иному направлению, чем это происходило в народе. Народ танцевал на лужайке или на земляном полу в хижинах, а знатные дамы скользили по гладкому полу, изящно вытягивая носки, плавно и важно приседая по правилам, специально выработанным придворными танцмейстерами. Длинные платья, шлейфы обязывали к неторопливым движениям.

Из выше сказанного можно сделать вывод, что на развитие танца влияет:

1. Географическое положение

2. Социальные процессы

3. Образ жизни народа

4. Характер труда

Танец существует в пространстве и времени, в отличие от других визуальных искусств – живописи, скульптуры и т.п. То, что показывает танцор, представляет собой последовательность движений, исполняемую под музыку. Воспринимающий танец всегда имеет дело с последовательностью движений во времени. Из-за этого танец по своей природе приобретает характер повествования. Не все танцы рассказывают историю – но все танцы представляют собой последовательность, движение от одного состояния к другому.

Отличительной особенностью хореографии является пространственно-временной аспект танца и такие специфические атрибуты танца, которые условно можно обозначить как «поза», «шаг», «пластика».

Танцевальная поза является не просто расположением тела исполнителя, поза – это то, что фиксируемо взглядом, словом, кистью. Позы в танце могут быть изящными, прекрасными, грациозными, причудливыми, царственными, то есть могут передавать больше, чем пространственное положение тела. Не случайно М.М. Габович сравнивал танец со скульптурой, живущей на сцене по законам музыкальной гармонии. Можно сказать, что через позу даются представления о движениях в танце.

Семантика позы позволяет реконструировать предыдущее и последующее движение. За танцевальными позами стоят символические значения. Поза не существует сама для себя, в позе обнаруживается целесообразность и соответственно ум, воля, чувства. Жест или поза могут быть вполне конкретными или абстрактными, получается, что поза, как и мышление, обладает способностью к обобщению.

Поза не является остановкой или прерыванием танца и не сводится только к исходной или финальной позиции.

Танцевальное пространство построено на позах, которые изменяются и сменяют друг друга, и эти изменения непрерывны. Танец длится, то есть представляет собой последовательность постоянно изменяющихся поз. Следует отметить, что танцевальные позы и их смена особым образом занимают пространство, придавая ему пластическую форму.

Танцевальный шаг объединяет позы. Шаги, можно сказать, организованы или структурированы в соответствии с определенным порядком и исполняются в строгой последовательности. В танцевальном шаге не может появиться случайного, ничем не обусловленного элемента. Следует отметить, что через шаг воспринимается пространственность танца.

Само собой разумеется, что под словом “танец” следует подразумевать нечто более содержательное и идейно осмысленное, чем простую сумму технических приемов.

Танец – это искусство, а любое искусство должно отражать жизнь в образно-художественной форме. Специфика хореографии состоит в том, что мысли, чувства, переживания человека она передает без помощи речи, средствами движения и мимики.

ТАНЕЦ - искусство выражения эмоций и чувств в пластике, в ритме движений.

• Танец организован в пространстве и времени

• Главный элемент основы танца – телоположение. Переход из одного телоположения в другое, образуя движения.

• Простейшая форма движения – темп. Темп складывается в па, которые образуют разные танцевальные сочетания.

• Организация танца во времени подчинена законам музыкальной системы. Танец измеряется теми же длительностями, что и музыка: две четверти, три четверти, четыре четверти, три восьмых.

ХОРЕОГРАФИЯ (греч. choreia - пляска и grapho - пишу), 1) запись танца (первоначальное значение). 2) Танц. иск-во в целом, во всех его разновидностях (значение термина "X." формировалось с кон. 19 в.).

Иск-во X. основано на музыкально организованных, условных, образно-выразительных движениях человеческого тела. Оно изначально синтетическое, ибо вне музыки, усиливающей выразительность танц. пластики, дающей ей эмоциональную и ритмич. основу, оно не может существовать. Вместе с тем X. - зрелищное иск-во, где существенное значение приобретает не только временная, но и пространственная композиции танца, зримый облик танцующих (отсюда - роль костюма, декоративного оформления и Др.). Высшая форма X. - балет, к-рый одновременно является и разновидностью муз. т-ра. На протяжении всей своей истории проф. иск-во X. опиралось на нар. танец, заимствовало и претворяло многие его элементы.

В совр. X. различается танец бытовой (народный и бальный) и сценический (эстрадный и балет). В балете X. является центром синтеза искусств, органически объединяя в себе музыку и театр.

(Из энциклопедии "Русский балет")

Фольклорный танец - исполняется в быту, в некой жизненной ситуации. Поводом мог быть любой обряд – трудовой, семейный, календарный или народные посиделки, вечерки, гулянья. «Фольклорный танец» означает народное творчество и танец. То есть танец с народной первоосновой.

Народный танец - обработка фольклорного первоисточника, что несколько расширяет понятие и позволяет родиться новому, «народно-сценическому» танцу.

Сценический танец – исполняется на сценических подмостках. Народный танец в этом случае как бы остается тем же, но и становится другим, что и закрепило понятие сценический. Это определяет многое: и отсутствие четвертой стены (открытость для зрителя), и законы перспективы, и требование законченности, определенности формы, и временные рамки, и многое другое.

Эстрадный танец – танец, исполняемый на эстраде – это и классический, и народный, и характерный, и акробатический, и бальный, и спортивный, и шуточный, и сатирический, танец-плакат, лирический, массовый и сольный, сюжетный и игровой. И все эти разновидности в данном случае подчинены законам эстрады, особому контакту со зрителем, непосредственному, сиюминутному, при полном свете, включению его в события, происходящие на сцене.

Модерн-танец – т.е. современный (школы А.Дункан, М.Вигман, М.Грэхм и их последователей). Новое течение, отрицавшее каноны классического танца в пользу свободной пластики, движений естественных, близких природе человека.

Бальный танец – танец, исполняемый на балах, танец, исполняемый в бытовых ситуациях. Получило сольное исполнительство для тех, чьи способности и интерес позволяют долго и тщательно изучать бальные танцы, усложнять технические возможности и мастерство и выступать на конкурсах-соревнованиях.

Возможности хореографии удивительно богаты. В новых ее видах отражается постоянно изменяющаяся в своем развитии жизнь народа. Вот почему и живут иной жизнью уже ставшие традиционными виды хореографии. На их основе рождаются новые, обогащая и множа богатства выразительных средств этого искусства, его танцевальный язык.

СЦЕНИЧЕСКИЙ ТАНЕЦ - один из основных видов хореографического искусства, предназначенный для зрителей и предполагающий создание хореографического образа на сцене.

На стиль, характер исполнения, образы, представленные в танце, существенно влияет личность хореографа, ему в данном случае дается полный простор для творческого мышления, для фантазии. Ведь ни один танец не может строиться по какому-то шаблону, стандарту, каждая тема подсказывает сочинителю свою особую форму воплощения. От таланта, изобретательности, опыта и мастерства личности, выступающей в качестве хореографа, зависит создание яркой, неповторимой формы танцевального сочинения.

ХОРЕОГРАФ (балетмейстер-постановщик) – творческий работник, осуществляющий создание (сочинение) собственных хореографических произведений.

БАЛЕТМЕЙСТЕР (нем. Balletmeister - мастер балета), автор и режиссёр-постановщик балетов, конц. номеров, а также танц. сцен и отд. танцев. Опираясь на коллизии лит. сценария (либретто), на тематич. развитие и структурные формы музыки, Б. создаёт систему хореогр. образов и режиссёрскую композицию сценич. действия балета и его хореогр. текст, пользуясь выразит, средствами танца и пантомимы. Практич. воплощение замысла Б. непосредственно связано с танцовщиком-актёром, творч. индивидуальность к-рого часто отражается на образном решении партии в балетном спектакле и конц. номера. Наряду с сочинением оригинальной хореографии (поэтому его называют также хореографом) Б. возобновляет или реставрирует ранее созданные постановки. Существует также профессия балетм.-репетитора, разучивающего и репетирующего с артистами балета хореографию, сочинённую балетм.-постановщиком.

(Из энциклопедии "Русский балет")

Балетмейстер должен быть мыслителем, философом, психологом, педагогом. Способность мыслить хореографическими образами отличает балетмейстера от режиссера драмы или оперы.

Балетмейстер должен:

1) Иметь хореографическое образование.

2) Иметь музыкальное образование.

3) Обладать талантом, который включает в себя фантазию, способность мыслить хореографическими образами, сочинять множество танцев.

4) Иметь музыкальный слух.

5) Иметь зрительную память.

6) Знать изобразительное искусство.

7) Обладать знаниями и способностями режиссера-постановщика.

Балетмейстеров можно условно поделить на 4 вида:

1) Балетмейстер-сочинитель – это тот, кто сочиняет балет или танец.

2) Балетмейстер-постановщик – показывает это сочинение артистам.

3) Балетмейстер-репетитор – репетирует сочиненный балет (танец). В его обязанности входит: показ, отработка танцев и мизансцен, как сонных, так и массовых.

4) Танцмейстер – «мастер танца». То есть отдельного номера в жанре малых форм.

1)Балетмейстер и сфера его творческой деятельности

Слово «балетмейстер» означает «мастер балетного спектакля». Балетмейстеры работают в оперно-балетных театрах, а также в музыкальной комедии, на эстраде, в ансамблях классического и народного танца, сочиняют бальные танцы. Одни создают большие балеты, другие их репетируют, ведут педагогическую работу.

Значит, мы должны разделить балетмейстеров на четыре типа: сочинитель, постановщик, репетитор и танцмейстер. Первого из них, балетмейстера-сочинителя новых хореографических произведений – балетов, можно сравнить с композитором, создающим музыкальные произведения большой формы. Но композитор будит воображение слушателей, создавая музыкальные образы, а балетмейстер для достижения той же цели создает образы пластические, зримые.

Способность мыслить хореографическими образами отличает балетмейстера от режиссера драмы или оперы. Он также имеет дело с драматургией, которую ему предстоит воплотить в своей хореографии, в развитии пластической линии всего балета, поэтому он, как и режиссер, должен быть мыслителем, философом, психологом, педагогом.

Балетмейстер-сочинитель сам является автором балета, сочинителем всего хореографического текста, а затем уже и постановщиком его на сцене. Недаром в афишах прошлого столетия мы читаем: «Балет сочинения Ш. Дидло поставлен А. Глушковским» или «Балет сочинен и поставлен М.И.Петипа».

У нас принято говорить – балетмейстер-постановщик, подразумевая под этим балетмейстера-сочинителя. Правильно ли это? Балетмейстер-постановщик – это тот, кто ставит артистам уже сочиненное произведение. Значит, балетмейстер-сочинитель – это тот, кто сочиняет балет или танец, а постановщик – это тот, кто показывает это сочинение артистам. Разумеется, чаще всего эти два типа балетмейстера объединяются в одном лице.

Но кто-то должен еще и репетировать сочиненный и поставленный балет или отдельный танец. Это может делать и сам балетмейстер-сочинитель, но он иногда поручает такую работу другому специалисту – балетмейстеру-репетитору. Такая должность есть почти в каждом театре. Репетитор чаще занимается возобновлением старых спектаклей, вводом в них новых исполнителей, но также параллельно с постановщиком работает со вторым и третьим составом нового балета.

Это третий тип балетмейстера. На его обязанности лежит вся работа по показу и отделке танцев и мизансцен, как сольных, так и массовых.

Четвертый тип балетмейстера можно назвать танцмейстером. И вот почему. Если слово «балетмейстер» принято употреблять в значении «создатель балетного спектакля», то есть большой формы театрального представления, то слово «танцмейстер» буквально означает «мастер танца», то есть отдельного номера. Но в жанре малых форм работали многие хореографы прошлого, им уделяют немало внимания и современные балетмейстеры.

2)Роль и место балетмейстера в процессе создания хореографического произведения

Роль и место балетмейстера в процессе создания нового балета станут совершенно ясными, когда мы проследим этот процесс. Состоит он из пяти звеньев единой, неразрывной цепи. И хотя каждое из этих пяти звеньев – самостоятельный и сложный творческий процесс, в то же время все они находятся в органической связи друг с другом.

Первое звено – это возникновение у драматурга (или у самого балетмейстера) идеи – темы будущего спектакля и воплощение ее в программе. Программа должна быть составлена по законам драматургии и содержать изложение сюжета – событий, происшедших в определенное время, в определенных условиях, - с обозначением и описанием места, времени и характера действия, перечисление и развернутые характеристики всех основных действующих лиц.

Вторым звеном является композиционный план или музыкально-хореографический сценарий, который создается балетмейстером для композитора. Прежде чем приступить к составлению композиционного плана, балетмейстер проделывает большую подготовительную работу по изучению всех необходимых для этого материалов, вплоть до полевых экспедиций, когда это надо.

Получив композиционный план, композитор приступает к сочинению музыки, консультируясь в процессе этой работы с балетмейстером. Процесс создания композитором оригинального произведения – музыки балета – есть третье звено этой цепи.

Настает момент, когда музыка написана, клавир (а иногда и партитура) – в руках балетмейстера и он может приступить к сочинению существа балета – его хореографии.

Четвертое звено включает в себя весь период сочинения балета, всех его танцев и сцен, вернее, спектакля в целом с галереей художественных образов, которые существуют и действуют в атмосфере конкретной исторической эпохи. И это все – и танцы и световая партитура – входит в понятие синтетический спектакль.

Первым этапом сочинения балета является работа с концертмейстером-пианистом, который знакомит балетмейстера с новым музыкальным произведением. Уяснив себе его драматургию в целом, балетмейстер составляет для себя план как «домашней» работы по сочинению танцев и сцен, так и работы по постановке их в залах.

Прежде балетмейстеру приходилось приглашать к себе пианиста, и тот исполнял ему по кускам каждый номер несчетное число раз. В последнее же время техника значительно облегчила этот процесс – появился магнитофон. Вы уже сами имеете возможность оценить преимущества занятий балетмейстера с магнитофонной записью, которая может воспроизвести музыку не только в исполнении музыканта, но и оркестра. А это дает возможность балетмейстеру ознакомиться с оркестровым звучанием задолго до перехода репетиций на сцену. Кроме того, он не связан по времени с пианистом – этот момент всегда ограничивал его. Сочинять теперь он может в любое время, хоть ночью. Но время от времени консультироваться с опытным музыкантом-концертмейстером необходимо.

Постепенно, номер за номером сочиняет балетмейстер все сольные и массовые танцы и сцены, записывая их себе для памяти. Одновременно с этой работой он пишет экспозицию спектакля, то есть описание своего замысла.

Пятое звено – постановка всего сочинения в репетиционных залах, показ и разучивание с солистами их партий, а с артистами кордебалета – массовых танцев и сцен. Завершающий этап этой работы – репетиции на сцене с оркестром, в декорациях, костюмах, гриме и с освещением.

И как результат всего творческого процесса – встреча со зрителями на премьере.

Как мы уже говорили, чтобы стать балетмейстером, нужно иметь не только специальное хореографическое образование, но и способности к этому виду творческой деятельности. Талант балетмейстера состоит из многих слагаемых: это, прежде всего, отлично развитая фантазия, способность мыслить хореографическими образами и сочинять несчетное число разнообразнейших танцевальных композиций. Балетмейстер должен уметь понимать, чувствовать и воспроизводить всевозможные движения, жесты, позы, присущие людям самых различных характеров, как бы эти движения ни были сложны. Он должен иметь выразительное тело и лицо.

Кроме того, ему необходимо обладать прекрасной зрительной памятью и острым взором, способным замечать исполнительную погрешность в массе танцовщиков. Глаз балетмейстера, подобно объективу киноаппарата, должен точно фиксировать сцену или танец, так же как ухо композитора или дирижера контролирует игру оркестра.

Музыкальный слух, безупречное чувство ритма дадут ему возможность, работая над музыкальным произведением, запомнить его так, чтобы при сочинении хореографии он мог его мысленно пропеть.

Рисунок в танцевальной композиции и красочная гамма костюмов, как и декоративный фон, в балетном театре играют очень значительную роль. Поэтому знание законов изобразительного искусства для балетмейстера очень важно.

Балетмейстер – создатель крупных хореографических произведений – должен обладать знаниями и способностями режиссера-постановщика драматургически цельного спектакля. Все эти качества, заложенные в природе человека, развиваются не сразу, а путем учебы и тренировки.

2. Понятие композиции. Тема, идея, жанр, форма. Программа.

КОМПОЗИЦИЯ (лат. Сompositio – сочинение, составление) – построение, внутренняя структура произведения, подбор, группировка, последовательность приемов.

Любое художественное произведение имеет определенную форму, раскрывающую его содержание. При этом одно и то же содержание может быть отражено в разных формах.

Композицией называется состав произведения и расположение его частей, отражающие идею произведения.

Гармоничный танец заключает в себе форму, состояние и содержание. Задача сценического танца как одной из танцевальных форм - ввести зрителя в определенное состояние, заставить сопереживать герою, размышлять, чувствовать. Решению этой задачи помогают форма и содержание танца.

Содержание танца - это его драматургия.

Второй компонент композиции танца - это музыка - состояние. Она тоже должна строиться по законам драматургии, более того, пластическая и музыкальная мысль должны быть едины, совпадать, т.к. музыка может вызвать в фантазии хореографа череду пластических образов.

Третий компонент - форма - это собственно танцевальная лексика (движения, позы, жесты, мимика, рисунок танца, ракурсы). Она должна быть ясной и логично построенной вслед за содержанием. Высшими достижениями театра танца были спектакли, где танцевальная речь была понятна без предварительного прочтения либретто. Все движения в танце должны быть подчинены общему замыслу, вытекать одно из другого, составляя пластическую ткань. Рисунок и текст танца - это пространство и время, они неотделимы друг от друга, от ракурса зависит богатство текста, содержательность.

Хореографическая композиция – это сочинение хореографа, составление им единого целого из различных танцевально-пластических элементов, соединения связь, то есть соотношения отдельных частей (компонентов), образующих единое целое – танец.

В понятие хореографической композиции входит сочетание различных танцевальных па – элементов лексики (хореографического текста) и расположения в пространстве сцены элементов рисунка. Это два основных хореографических компонента, которые вступают в сложные отношения со сценарием, музыкой, светоцветовым решением, творчеством исполнителя и т.д.

Композиция танца состоит из ряда компонентов. В нее входят: драматургия (содержание), музыка, текст (движения, позы, жестикуляция, мимика), рисунок (перемещение танцующих по сценической площадке), всевозможные ракурсы. Все это подчинено одной задаче - выразить мысль и эмоциональное состояние героев в их сценическом поведении. Это в полной мере относится как для танцев сюжетных, так и для любого бессюжетного танца, где есть тема и задача выразить то или иное состояние человека (радость, горе, любовь, ревность, отчаяние и т.п.) или его свойства (доверчивость, хитрость, подозрительность, самовлюбленность, беспечность, неустрашимость, трусость).

Композиция составляется из ряда частей – танцевальных комбинаций.

Понятие композиции можно условно представить в виде следующей схемы:

ТЕМА, ИДЕЯ, ЖАНР, ФОРМА \

МУЗЫКА  КОМПОЗИЦИЯ

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНЫЕ СРЕДСТВА /

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНЫЕ СРЕДСТВА в танце это:

1. РИСУНОК ТАНЦА

2. ТАНЦЕВАЛЬНАЯ ЛЕКСИКА

3. ДРАММАТУРГИЯ ТАНЦА

4. ПРОЧИЕ ВЫРАЗИТЕЛЬНЫЕ СРЕДСТВА (КОСТЮМ, СВЕТ, ДЕКОРАЦИЯ, ГРИМ и т.п.)

Тема - это то, что автор изображает, идея - это то, что он хочет сказать об изображаемом, оценка его.

ТЕМА - это жизненное явление, ставшее предметом художественного рассмотрения в произведении. Круг таких жизненных явлений составляет ТЕМАТИКУ художественного произведения. Все явления мира и человеческой жизни составляют сферу интересов художника: любовь, дружба, ненависть, предательство, красота, безобразие, справедливость, беззаконие, дом, семья, счастье, обездоленность, отчаяние, одиночество, борьба с миром и самим собой, уединение, талант и бездарность, радости жизни, деньги, отношения в обществе, смерть и рождение, тайны и загадки мира и т.д. и т.п. - вот те слова, которые называют жизненные явления, становящиеся темами в искусстве.

Задача художника - творчески изучить жизненное явление с интересных автору сторон, то есть художественно раскрыть тему. Естественно, что сделать это возможно, лишь поставив вопрос (или несколько вопросов) к рассматриваемому явлению. Вот этот-то вопрос, который задает художник, используя доступные ему образные средства, и есть проблема литературного произведения.

ПРОБЛЕМОЙ называется вопрос, не имеющий однозначного решения или предполагающий множество равнозначных решений. Многозначностью возможных решений проблема отличается от задачи. Совокупность таких вопросов называется ПРОБЛЕМАТИКОЙ.

Чем сложнее интересующее автора явление (то есть чем сложнее выбранная им тема), тем больше вопросов (проблем) оно будет вызывать, и тем сложнее для решения будут эти вопросы, то есть тем глубже и серьезнее будет проблематика литературного произведения.

Проблема - это вопрос, и формулироваться она должна преимущественно в вопросительной форме. Иногда в искусстве настоящим прорывом становится именно поставленный автором вопрос - новый, неизвестный обществу ранее, но ныне животрепещущий, жизненно важный. Многие произведения для того и создаются, чтобы поставить проблему.

Видение автором решения поставленных проблем и является идеей произведения.

ИДЕЯ (греч. Idea - понятие, представление) - основная мысль художественного произведения, предложенный автором способ решения поставленных им проблем. Совокупность идей, систему авторских мыслей о мире и человеке, воплощенную в художественных образах называют ИДЕЙНЫМ СОДЕРЖАНИЕМ художественного произведения.

Идея произведения заключается в образах, характерах, взаимоотношениях персонажей, художественно-выразительных средствах, с помощью которых постановщик и воплощает замысел. Каждый образ, эпизод должны участвовать в ее раскрытии.

Идея художественного произведения может быть сформулирована в абстрактных понятиях, но в реальном произведении она не абстрактна, а чувственно конкретна, образна.

Когда выбрана тема постановки, надо определить, в каком жанре лучше её воплотить, чтобы ярче раскрыть замысел, и уже в соответствии с жанром подбирать выразительные средства: музыка, танцевальные движения, пантомима, оформление.

ЖАНР (от фр. genre — род) — совокупность формальных и содержательных особенностей произведения. Жанры сформированы наборами условий; многие произведения используют несколько жанров посредством заимствования и объединения этих условий.

ЖАНР – общность художественных произведений, складывающаяся в процессе исторического развития искусства на основе их самоопределения по предметному смыслу – в результате взаимодействия гносеологической (познавательной) и аксиологической (оценочной) функций художественной деятельности.

Жанры с трудом поддаются классификации и систематизации. Это связано, прежде всего, с тем, что их много, все они обладают своей спецификой и могут проявлять себя через разные факторы.

Системный анализ искусства приводит к заключению, что существует несколько плоскостей

жанровой дифференциации. Признаки жанра отличаются устойчивостью и характеризуют произведения разных веков. Это объясняется прежде всего, тем что они являются продуктом длительного исторического развития искусства.

Итак, ЖАНР - исторически сложившаяся, удостоверенная традицией и тем самым наследуемая совокупность определенных тем и мотивов, закрепленных за определенной художественной формой, связывающая их между собой узнаваемыми чувствами и мыслями.

Жанр в полной мере мы можем назвать определёнными нормами создания содержания и формы произведений искусства, которые будут неоднократно повторёнными, закрепились в сознании художников и публики.

Содержание и форма – философские категории, отражающие взаимосвязь двух сторон природной и социальной реальности: определённым образом упорядоченной совокупности элементов и процессов, образующих предметы или явление, т.е. содержание, и способа существования и выражение этого содержания его различных модификаций, т.е. формы. Понятие формы употребляется также в значении внутренней организации содержания, и в этом значении проблематика формы получает дальнейшее развитие в категории структуры.

Художественная форма – это внутренняя структура содержания, способ его проявления и существования в художественных образах, воплощенных определенными материальными средствами по законам данного вида и жанра искусства.

В соответствии с философской традицией различают внутреннюю и внешнюю форму. Внутренней формой является структура – характеры, персонажи, сюжеты, с определенной стороны – композиция. Находящаяся еще в сознании художника внутренняя форма – образ, руководит его исканиями подходящей внешней формы

Внешняя форма – материально изобразительные средства, определённым образом организованные для воплощения содержания, внутренней формы.

Сюжет, замысел, композиция, нуждаются в определенном материале, определенных способах воплощения, в результате получается внешняя форма, объективное бытие художественного образа.

Важной чертой внешней формы является её относительная самостоятельность по отношению к содержанию и внутренней формы. Внешняя форма не создаётся целиком заново в творческом процессе. Многие из её элементов («Язык», законы материала) существуют как самостоятельные явления, имеющие свою историю и традицию.

ФОРМА – вид или внешнее очертание танцевального номера или произведения.

В искусстве нет «чистой» формы, безотносительной содержанию. Там, где форма не подчинена содержанию, не выражает его, она разрушается как таковая. Только благодаря органическому единству содержания и формы произведения искусства способны оказывать воздействия на сознание масс, пробуждать в них высокие нравственные и эстетические чувства.

Виды жанра:

• лирический

• исторический;

• героический;

• сатирический, комедийный;

• лирико-драматический;

• трагический;

• игровой.

Жанры современного хореографического искусства:

• классический;

• эстрадный;

• джаз;

• модерн;

• современный бальный;

• историко-бытовой;

• народно-сценический;

• народный и т.п.

Танец, как структурно-композиционный аналог музыки может быть представлен в следующих формах:

• Сюитный принцип: простая двухчастная форма, простая трехчастная форма.

• Сложная трехчастная форма.

• Форма «рондо».

• Вариационная форма. Методы варьирования. Вариационная форма нового типа. Форма двойных вариаций.

• Ритмические формы (простая периодичность; простое суммирование, простое дробление; дробление с замыканием, прогрессивное дробление; период неквадратного строения; недельный период; периоды из неравных предложений).

• Хореографическая интерпретация музыки при воплощении в хореографии музыкальных произведений, не предназначенных для танца, «компилятивные» балеты, балеты-перелицовки, непрограммные музыкальные произведения, бессюжетный танец.

• Понятие «симфонический танец».

Форма делится на виды:

• массовый танец (более 10 человек);

• групповой танец (3-8 человек);

• дуэтный танец;

• сольный танец.

Основные принципы в композиции танца:

1. Принцип композиционной целостности. Гармоничное сочетание всех частей драматургии (экспозиции, завязки, развития действия, кульминации, развязки), их согласованных пропорциях.

2. Принцип единства выражается в согласованности частей композиции, в которых элементы формы определяются общим для всех частей материалом. Нарушение закона единства приводит к эклектике - разностильности.

Стилизация - подделка, но существует и как творческий метод, который заключается в том, что берется стиль эпохи, либо художника и трактуется по своему. Если сохраняется и форма и содержание, то это подделка. А если содержание свое, а сохраняются элементы формы то это стилизация.

Эклектика - это смешение форм, но может существовать и как творческий метод (через несоответствие выразить определенную мысль для раскрытия содержания). Нужно уметь распознать цель эклектики, от чего она идет - от незнания или от глубокого понимания.

3. Принцип соотношения формы и содержания. Содержание и форма - философские категории. Содержание - определяющая сторона целого, совокупность его частей.

Форма – способ существования и выражения содержания.

Отношение содержания и формы характеризуется относительным единством. Содержание и форма - эстетические категории, выражающие соотношение в искусстве внутреннего, духовного идейно-образного начала и его внешнего, непосредственно воспринимаемого, слышимого и зримого воплощения.

Содержание отражает реальную действительность. Оно может включать чувства переживания, состояния людей, их характеры и поступки, события истории и современной жизни, особенности труда и быта, национального характера и психического склада народа.

Форма представляет систему специфических ритмически организованных выразительных движений человека, претворяющих и обобщающих пластику реальной жизни.

ПРОГРАММА - содержание, сюжет будущего балета, изложенный в литературной форме (пишется для балетмейстера).

Программа должна быть составлена по законам драматургии и содержать изложение сюжета - событий, происшедших в определенное время, в определенных условиях, - с обозначением и описанием места, времени и характера действия, перечисление и развернутые характеристики всех основных действующих лиц.

Автор программы может взять за основу сюжета любое жизненное явление, исторический факт, литературное произведение. К примеру: на основе произведений А.С. Пушкина созданы балеты - «Бахчисарайский фонтан» (Волков, Захаров, Асафьев ); «Барышня - крестьянка» (Захаров, Асафьев); «Кавказский пленник» (Волков, Захаров Асафьев). На основе произведений В. Шекспира - «Ромео и Джульетта» (Пиотровский, Прокофьев, Лавровский) и другие.

В основу сюжета хореографического номера можно использовать известные произведения живописи.

Автор программы обязан не только изложить сюжет и раскрыть идею произведения, но как бы заглянуть вперед, наметить будущее сценическое решение этого сюжета в хореографическом жанре, причем построить его по законам драматургии. Развитие образа и характера, конфликт - все это должно «работать» на идею, на основную мысль, заложенную в программе.

Если в основу программы автор берет жизненное явление, или сочиняет свой оригинальный сюжет, он сам определяет, в каком жанре хореографии его сочинение будет раскрыто наиболее полно.

3. Основные формы хореографического произведения.