16, Художественный мир м. Шагала, п. Филонова, в. Татлина.

Марк Шагал.(Мовша Хацкелевич)

  Марк Шагал, выдающийся художник XX века, родился в Витебске, недалеко от границы с Польшей, в границах оседлости, которые были определены ещё Екатериной II для компактного проживания евреев. Он был девятым ребенком в семье. Его отец работал на складе, где коптили селедку, а маnm держала сoбственную лавку, в которой продавалась эта самая селедка.   Сначала Марк учился в школе при синагоге, а позже его устроили в светскую гимназию. Первые художественные навыки Шагал приобрел как раз в гимназии. Затем он стал брать частные уроки у профессиoнального художника-реалиста. В 1907 году Марк Шагал переехал в Санкт-Петербуpг, где познакомился с Леоном Бакстом (который тогда был самым модным театральным оформителем) и стал частым посетителем его художественной студии. В те годы Шагал написал такие картины, как "Мертвец" (1908) и "Невеста в черных перчатках" (1909).     Художнику была дарована судьбой долгая творческая жизнь, он пережил всех своих современников, пионеров отечественного авангарда. По цельности творчества, многоликости и многообразию поисков Шагал сравним с крупнейшими из современников-парижан Матиссом, Пикассо, Леже. Как и они, он был реформатором в искусстве, много сделавшим для совершенствования художественного языка. В формировании художественного сознания Шагала, неповторимого облика и богатства его творчества очень важна была Россия, ее культурная и социальная среда первой четверти XX столетия.   Именно к России в дни радости и печали был обращен благородный и мудрый взор Марка Шагала. Сбившиеся в кучу, запорошенные снегом домишки Витебска с высящимися вдали православными церквами будут до последних дней появляться на его холстах, акварелях, рисунках и гравюрах, символизируя Родину - Россию. В Витебске и Петербурге Шагал начал формироваться таким, каким его впоследствии узнал и полюбил весь мир. В Витебске, Петербурге и Москве создан ряд прославивших его работ. В 1918 году в России была издана первая монография о художнике.   Картина 1908 года "Покойник (Смерть)" уже содержит "программу" будущего творчества Шагала. В структуре ее образа переплелись опыт жизни в еврейской окраине, ортодоксальные религиозные воззрения, традиции фольклора и идеи русского символизма. В этом полотне обнаженность лирического чувства сочетается с алогизмом деталей и ситуаций (скрипач на крыше), приемами деформации, напряженностью колористического решения.   Холст "Свадьба" (1910), работы "Дождь" и "России, ослам и другим" (1911) - образцы формирующейся стилистики Шагала. Изображенное в них в равной мере принадлежит земле и космосу. Люди и животные живут в братском единении, им не ведома гравитация, они естественно ощущают себя на крышах домов и свободно перемещаются в небесном пространстве. Отныне эти мотивы будут постоянными в творчестве мастера.   Годы, проведенные в России, небольшой отрезок в долгой жизни мастера, - один из самых насыщенных и продуктивных в творчестве и становлении личности. Вместе со страной он переживает две войны и две революции, работает, создавая новые шедевры. Именно здесь Шагал впервые обращается к монументальной живописи.   Шагал несколько раз участвовал в Парижских художественных салонах Paris Salon des Independants и Salon d'Automne. И, наконец, в 1914 году в Берлине прошла его первая персональная выставка в галерее Der Sturm. Марк Шагал поразил художественную общественность Германии. После этого успеха он вернулся на родину, в Витебск, где и застал начало I Мировой войны. Там он делал зарисовки в реалистичном стиле, например, "Раввин из Витебска" (1914).   В 1914-1915 годах появляется череда трогательно простых, теплых по трактовке портретов родных: "Отец", "Парикмахерская" (обе 1914), "Марьясенька" (1914-1915). Счастливая женитьба на Белле Розенфельд обогатила мировосприятие художника. Нетронутая природа с тонкими березками на даче в Заольшье, где жили молодожены, вызывает в нем острую и хрупкую нежность. В эту пору созданы светлые, наполненные счастьем и радостью полотна "Окно на даче" (1915), "Ландыши", "Купание ребенка" (обе 1916), "Окно в сад" (1917). Одновременно Шагал создает неожиданную для отечественной живописи серию изображений влюбленных "Голубые любовники" (1914), "Розовые любовники" (1916), "Зеленые любовники", "Серые любовники" (обе 1916-1917).   Чувство к Белле, подлинной музе художника, способствовало появлению серии большеформатных, отмеченных зрелостью, одухотворенных поэзией холстов "Белла с белым воротником" (1917), "Прогулка" (1917), "Над городом" (1914-1918), "Двойной портрет с бокалом вина" (1917-1918), "Свадьба" (1918). Благословляемые ангелом или парящие над провинциальным Витебском, персонажи этих полотен наполнены и всепоглощающим чувством счастья. Октябрьскую революцию 1917 года Шагал воспринял с энтузиазмом. Он даже два с половиной года был комиссаром по культуре в Витебске, пытался организовывать различные выставки, открывать музеи и школы. Но постоянные идейные споры с местным руководством заставили Шагала переехать в Москву. Здесь он попробовал себя в качестве театрального художника. В 1922 году Шагал вернулся в Берлин, где обнаружил пропажу многих своих работ. В 1923 году он с семьей переехал в Париж.   В 1920-1930-х годах окончательно формируется художественно-философская система Шагала с особой ассоциативностью и метафоричностью образного строя. Простодушный, мудрый и одновременно изощренный мастер создал свою индивидуальную мифологию, внутри которой в равновесии существовали земля и космос, Париж и российская провинция, высшие силы, люди и животные, с которыми постоянно приключались различные метаморфозы. Остросовременный, даже в своей архаичности, он был "ничей", не принадлежа ни одной школе, ни одному течению.   Серия гуашей-иллюстраций к Библии (1931) сыграла большую роль в формировании Шагала-человека и художника. Заказ был получен потому, что в представлении известного парижского маршана и издателя А.Воллара творческий почерк мастера соответствовал величавой простоте и сути Священной книги. Работа над композициями потребовала особого лаконизма, лапидарности и простоты изобразительного языка. Работе предшествовало путешествие Шагала в Палестину, Египет и Сирию, с которым связано полотно "Стена плача" (1931).   Приход фашистов к власти в Германии, уничтожение картин мастера в Мангейме, Мюнхене и Вене, нарастание предвоенной напряженности в мире непосредственно влияли на его, казалось бы, внешне отвлеченное искусство. В 1937-1938 годах Шагалом создана серия картин, объединившая холсты "Революция" (1937) и триптих "Сопротивление", "Возрождение", "Освобождение" (все 1937-1938), звучавшие как предостережение. В них отразились переживание и жизненный опыт художника, свидетеля революций и войн в России. В мрачном, усложненном образном строе первых трех композиций кроме традиционных для мастера мотивов невесты, музыкантов, животных со страдающими человеческими глазами появились изображения распятия, раввина с Торой, бегущего животного с горящей свечой, митингов с красными флагами. С началом войны Шагал переехал в Луару, а с приближением немцев к Франции перемещался все дальше на юг страны. Наконец в июле 1941 года, когда угроза концлагеря стала очевидной, Шагал с семьей эмигрировал в США. Несколько последующих лет он жил в Нью-Йорке или его окрестностях, продолжая работать над картинами, задуманными ещё в Европе. Типичной работой этого периода стала картина "Перья и цветы" (1943). В 1944 году умерла жена Шагала. С тех пор её образ стал часто появляться в творчестве Шагала: "Вокруг неё" (1945), "Свадебные свечи" (1945), "Ноктюрн" (1947).   В 1945 году в Нью-Йорке проходила подготовка к балету Игоря Стравинского "Жар-птица", над костюмами и декорациями к которому работал Марк Шагал. А в 1946 году в Музее Современного Искусства прошла масштабная выставка Шагала. Эти два события коренным образом изменили мнение американской критики о художнике - снисхождение сменилось трепетным восторгом.     В 1948 году Шагал возвратился во Францию (сначала в Париж, а затем обосновался на Ривьере). В 1952 году 65-летний Шагал женился на Ваве Бродской. В его жизни началась вторая молодость.   После войны искусство Шагала вызывает устойчиво нарастающий интерес. В конце 1940-1950-х по Европе и США прокатываются волны персональных выставок художника. 1960-1970-е годы - время повсеместного признания Шагала и закрепления его высокого авторитета в истории мирового художественного процесса.   С 1953 по 1956 год Шагал много рисовал виды Парижа, не забывая при этом родной Витебск. В 1958 году Шагал был приглашен художником для оформления постановки балета Равеля "Дафнис и Хлоя". В том же году он создал несколько мозаик и витражей для католического храма в Меце, а затем и для синагоги при медицинском центре в Иерусалиме. В 1964 году Шагал разработал стеклянный фасад здания ООН в Нью-Йорке и проект нового внутреннего оформления Paris Opera, а через два года завершил работу над фресками в New York Metropolitan Opera. В 1967 году он участвовал как художник в постановке "Волшебной флейты" Моцарта в Мetropolitan Opera. В 1973 году в Ницце открылся Музей Марка Шагала, а в 1977 году в Лувре появилась персональная экспозиция работ художника.   В это время творчество Шагала становится особенно многоликим, обогащенным новыми темами и идеями, видами искусства и техники. В 1940-е он впервые обращается к цветной литографии, а в 1950-х - к керамике и скульптуре. Наряду с живописью маслом много работает в станковой гуаши, открывает для себя сферу монументальной живописи. В 1957 появляются его керамические панно и витражи, мозаики. К лучшим работам тех лет принадлежат витражи собора в Меце (1958) и синагоги медицинского центра "Хадасса" в Иерусалимском университете (1960).   Под впечатлением пережитой трагедии войны и реалий послевоенной Европы Шагал вновь и вновь обращается к Библии. Темы и образы Священной книги находили оригинальное претворение в монументальном искусстве и станковой живописи Шагала - "Царь Давид" (1951), "Переход через Красное море" (1955), "Пророк Иеремия", "Пророк Исайя", "Пасха" (всех 1968), где художник соединяет высокий вымысел и реальные, остро поданные детали, ближнее и дальнее, разновременное и разнопространственное, возвышенное и приземленное, создавая лиричный и исповедальный "мир Шагала".   За год до смерти Шагал продолжает интенсивно работать, не выпуская кисти из рук, как и прежде покрывая большие пространства холста своими то нежными и прозрачными, то густыми и насыщенными красками, неизменно возвращаясь в свое прошлое, где соседствуют Россия и Франция, Витебск и Париж.

Музыка Холст, масло. 1920г. Государственная Третьяковская Галлерея.

Часы (время)" Холст, масло. 1911г. Государственная Третьяковская Галлерея.

Над городом" 1914-1918

Свадьба. 1914

Па́вел Никола́евич Фило́нов (8 января 1883, Москва — 3 декабря 1941, Ленинград) — русский, советский художник (художник−исследователь, как он официально именовал себя сам), поэт, один из лидеров русского авангарда; основатель и теоретик аналитического искусства — уникального реформирующего направления живописи и графики первой половины XX века, оказавшего и оказывающего заметное влияние на творческие умонастроения многих художников и литераторов новейшего времени.

Филонов считается одним из самых знаменитых русских художников 20 века. Он был основателем  аналитического искусства, и оставил после себя огромное число картин. Творчество Филонова, его картины, весьма своебразны, и понятны далеко не всем. Однако, находится много людей, которы восхищаются талантом художника. В творчестве Филонова, специалистов и ценителей больше всего привлекает оригинальный художественный метод и филосовский подход с своему творчеству. Давайте же взглянем на картины Филонова. "Формула империализма"

Дореволюционный период творчества Филонова был очень плодотворным: молодой художник уже с конца 1910 года оказался одной из ведущих фигур объединения "Союз молодежи», в который вошли представители художественного авангарда Петербурга и Москвы. В 1913 году к Союзу примкнула группа литераторов "Гилея» - поэты-футуристы В. Хлебников, В. Маяковский, А. Крученых, В. Каменский, Д. и Н. Бурлюки и другие. Филонов участвует в работе над декорациями к трагедии «Владимир Маяковский» (1913), создает рисунки к стихам В. Хлебникова (1914) и пишет поэму «Проповень о проросли мировой» (1915) с собственными иллюстрациями.

В эти же годы Филоновым были созданы такие программные картины, как «Пир королей», «Мужчина и женщина», «Запад и Восток» (все 1912-1913), «Крестьянская семья» (1914), «Германская война» (1915). Им предествовала теоретическая статья «Канон и закон» (1912), в которой Филоновым излагались принципы его аналитического искусства. В споре с П. Пикассо и кубофутуристами Филонов выдвинул идею «атомистической структуры Вселенной», ощущаемой во всех ее аспектах, частностях, внешних и внутренних процессах. «Я знаю, анализирую, вижу, интуирую, что в любом объекте не два предиката, форма да цвет, а целый мир видимых или невидимых явлений, их эманаций, реакций, включений, генезиса, бытия», - писал он. За этим основным выводом следовали остальные художник должен подражать не формам природы, а методам; с помощью которых последняя «действует», передавать ее внутреннюю жизнь «формою изобретаемою», то есть беспредметно, противопоставлять глазу про¬сто видящему «глаз знающий», истинный. В этих тезисах Филонов противостоял не только Пикассо, но и соотечественникам - В. Татлину, К. Малевичу, З. Лисицкому.

К 1910 г. относится участие Филонова в выставке «Союза молодёжи», созданного по инициативе Е. Г. Гуро и М. В. Матюшина; к зиме 1910 г. — «первая картина» (по утверждению самого художника) — «Головы» (картон, масло, 28,5 Х 47,5 см.).

Филонов участвует в выставках и мероприятиях «Союза…» до его распада в 1914 г. К этому периоду относятся «Пир королей», 1913 г. (холст, масло, 175 Х 215 см.), «Крестьянская семья», 1914 г. (х., м., 159 Х 128 см.), «Мужчина и женщина», 1912 — 13 г.г. (бумага, смеш. техника, 31 Х 23,3 см.), а так же — многочисленные работы на бумаге и картоне, которые он (уже) называет «формулами»: формула цветка, городового, пролетариата и т. п.

«Пир королей», 1913 г. (холст, масло, 175 Х 215 см.),

Картина "Пир королей" создана за год до начала первой мировой войны, и современники восприняли её как некое пророчество, видение Апокалипсиса. Трупы властителей современного мира, сидящие за столом,— метафора конца, распада, умирания старого мира. Поэт Велимир Хлебников сразу же уловил тревожное звучание картины и выразил его в строках: „пир трупов, пир мести. Мертвецы величаво и важно ели овощи, озаренные подобно лучу месяца бешенством скорби“ Исследователи творчества Филонова нередко приводили сравнение с "Пиром Ирода", а один из учеников художника назвал "Пир королей" демонической переработкой "Тайной вечери". Образы, созданные кистью Филонова подчёркнуто гротескны. Пронизанное красно-синим витражным свечением красок, со скрюченной фигурой сидящего раба, напоминающего химеру готического собора, это произведение наиболее явно отражает увлечение Филонова французским средневековьем. Это последняя из его работ, написанных в духе темного, мистического символизма, первой из которых была картина «Головы».

«Крестьянская семья», 1914 г. (х., м., 159 Х 128 см.),

«Мужчина и женщина», 1912 — 13 г.г. (бумага, смеш. техника, 31 Х 23,3 см.),

Влади́мир Евгра́фович Та́тлин (28 декабря 1885, Харьков — 31 мая 1953, Москва) — российский и советский живописец, график, дизайнер и художник театра. Один из крупнейших представителей русского авангарда, родоначальник художественного конструктивизма^[1]. Проект Памятника III Интернационала (1919—1920) Татлина с вынесенной наружу несущей конструкцией стал одним из важнейших символов мирового модернизма и своеобразной визитной карточкой конструктивизма.

Владимир Татлин стал знаменит не столько живописью и контррельефами (которые некоторые искусствоведы считают продолжением разработок Пабло Пикассо), но, в большей степени, проектами, которые предназначались для реализации в жизнь, но не дошли до производства, так и оставшись идеями, которые продолжают фигурировать в виде реконструкций и эскизов до сих пор («Памятник III-му Интернационалу», «Летатлин», «Нормаль-одежда»).

Известно противостояние Владимира Татлина концепциям Казимира Малевича, настаивавшего на форме и цвете, в то время как Татлин предлагал «ставить глаз под контроль осязания», связывал искусство с жизнью. Существует даже исторический анекдот о случае, когда Татлин выбил стул из-под Малевича, предложив ему посидеть на геометрии и цвете.

Работы В. Татлина вдохновили немецких художников-дадаистов, которые поняли их как революцию в искусстве. Известна фотография Георга Гроса и Джона Хертфилда, держащих плакат с надписью «Искусство умерло — Да здравствует машинное искусство Татлина!»^[6].

Утопический потенциал конструктивизма, художника-участника промышленной революции в полной мере был реализован В.Татлиным при создании проекта летательного аппарата, получившего название «Летатлин». Формы этого проекта, отдаленно напоминающего рисунки Леонардо Да Винчи, воспроизведённые в XX веке, предъявляют конструктивизм как недостижимую мечту об органичном единении человеческого и машинного (см. Конструктивизм (искусство)). «Летатлин» выставлялся в Пушкинском музее искусств. Также было несколько попыток произвести реальные испытания «Летатлина» как летательного аппарата будущего. Испытания так и не состоялись по разным причинам.

Единственная прижизненная персональная выставка Владимира Татлина состоялась в 1932 году. В дальнейшем, когда, все «формальные» направления были искоренены победившей идеологией социалистического реализма, Татлин сотрудничал с театром и вернулся к живописи.

Татлин умер в 1953 году, но его наследие оказалось востребованным сначала в 1960-е, а затем — в 1990-е годы в Европе и России. Проводились ретроспективные выставки, его проекты реконструировались и цитировались различными художниками, наследие В. Татлина стало одним из символов русского авангарда

Татлин В.Е. «Матрос. Автопортрет» 1911 г. Темпера, холст. 71,5 x 71,5 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия