2. Стили интерьера: прованс, средиземноморский, немецкий
Этностили - это стили в интерьере, несущие в себе национальные особенности дизайна жилых помещений той или иной страны. Они обусловлены культурными традициями, укладом жизни людей, которые определяются в свою очередь географическим положением страны и климатическими условиями.
Стиль «Прованс» получил свое название от одноименной провинции на юге Франции. Идиллические пейзажи этой местности были одним из главных источников вдохновения для художников-импрессионистов и их последователей. Знаменитые «Подсолнухи» Ван Гога, картины Сезанна, полотна Матисса и Пикассо передают очарование южной провинции с ее яркими красками неба и моря, оливковыми рощами, кипарисами и соснами, вереском и лавандой. В России стиль «Прованс» популярен, поскольку дает возможность воссоздать частичку Франции с ее атмосферой тепла и беззаботности. У него есть несколько отличительных особенностей. Во-первых, в декоре отдается предпочтение натуральным материалам с богатыми фактурами и текстурами. В качестве напольных покрытий чаще всего используется керамика – плиты большого размера с эффектом искусственного старения. Керамические покрытия не только на кухнях и в ванных, но и в парадных помещениях – гостиных, столовых, каминных залах, - придают стилю особый колорит. Для отделки стен чаще всего выбирают фактурную штукатурку. Вторая особенность стиля – теплая, сочная цветовая гамма. Насыщенные оттенки терракотового, оранжевого, зеленого, сиреневого, розового напоминают о ярких красках природы, цветущих садах, залитых солнцем лугах. Пастельные оттенки этих цветов используются для отделки и помещений, и мебели. Третье отличие таких интерьеров – тема антиквариата в выборе мебели и аксессуаров. Шкафы, комоды и буферы с наивными цветочными рисунками на фасадах, посветлевшими от времени; трещины и царапины, плетеные кресла и стулья на веранде. Мебель в стиле кантри обязательно деревянная, плетеная или кованая. ДСП, МДФ, ПВХ и прочие современные материалы в помещениях в стиле прованс будут явно не на своем месте. Стеклянной, хромированной и никелированной мебели в провансе нет и быть не должно.Мебель прованс основательная, грубоватая и простоватая, что в целом типично для кантри.амая распространенная мебель в стиле прованс – это буфеты, комоды, книжные шкафы, шкафы с антресолями и выдвижными ящиками, скамьи, лавки, столики и тумбы с выдвижными ящиками, массивные обеденные столы. Шкафы отличаются небольшой высотой.
-при отделке не используется ярких цветов – они пастельные, словно выгоревшие на солнце;
-деревянная мебель в стиле прованс часто выбеленная, декорированная росписью цветочным узором;
-в интерьерах в стиле прованс очень много яркого текстиля в цветочек – ни в одной другой этнической разновидности стиля кантри нет столько «цветущих» тканей;
-кованые изделия а-ля «провинциальная Франция» более изящные, ажурные, что, строго говоря, не присуще ни американскому кантри, ни скандинавской деревне;
-жилые комнаты в прованском стиле отличает некий минимализм и даже «холодность», ведь в регионе Прованс очень жарко и солнечно, поэтому в домах искусственно создается атмосфера прохлады. Стены обычно белые с умеренным количеством декора.
- в прованских домах зачастую большие окна, что тоже встретишь далеко не во всех разновидностях кантри из-за климатических различий.
Средиземноморский стиль - солнечный, теплый и расслабленный. Территориально и исторически средиземноморский стиль сложился из культур стран: Греция, Турция, Тунис, Алжир, север Египта и Марокко, итальянская и французская Ривьера, Испания и другие. Основная идея средиземноморского стиля в интерьере - доступность и утилитарность, поэтому не должно быть роскоши и шика.
В греческом интерьере предпочтение отдается холодным цветам. Это белый, лимонно-желтый, солнечно-желтый, все оттенки синего (от голубого до насыщенных синих), сине-зеленый, голубовато-зеленый, изумрудный цвета и, как акцент, насыщенный красно-розовый.Бело-голубые полоски - беспроигрышный оформительский ход для греческого интерьера.
Итальянская гамма изобилует теплыми оттенками. Это кремовый, охристо-желтый, глубокий солнечно-желтый, охра, терракотовый, кирпичный, оливковый и бутылочно-зеленый цвета.
В помещении, оформленном в средиземноморском стиле, весьма органично будут смотреться стулья с плетеными тростниковыми сиденьями. Особый колоритный шарм придаст интерьеру журнальный или консольный столик со столешницей из изразцов. Идеальная мебель в средиземноморском стиле - прочная, долговечная, изготовленная вручную из натуральных материалов. Наиболее популярной является мебель из мореного дуба, однако широко распространены вещи из более дешевых хвойных пород - ели и сосны. Наравне с деревянной мебелью без обивки в итальянских домах так же часто встречаются гарнитуры с коваными или лакированными металлическими каркасами, ножками или опорами. Типичной особенностью средиземноморских интерьеров являются открытые полки, похожие на стеллажи в пекарнях. На таких полках демонстративно расставляется расписанная вручную керамика. Ткани натурального происхождения лен, хлопок используются на подушках, покрывалах, матрацах. Кружево кустарное, вязанное крючком или вышито тамбурным швом. Чисто белое - для греческого интерьера, кремовое или слоновой кости - для итальянского. Декорирование морскими раковинами, ракушками, гальками создаст ощущение близости моря. Уместны изящные медные светильники, всевозможные кружевные салфетки, фигурные статуэтки и вазочки,штурвалы, снасти, латунные склянки и часы.
В середине XIX века в Германии и Австрии зародился стиль «бидермайер» - попытка приспособить «умирающий» стиль ампир к небольшим метражам частного жилища. Паркетные полы, лепнина, тяжелая мебель, фарфор и бронза - вот обязательные элементы убранства домов того времени. Однако скромные размеры жилья заставляли в одной и той же комнате принимать гостей, обедать, и читать книги. Эта многофункциональность одного и того же пространства привела к тому, что дома оказались переполненными различными вещами. Они скорее напоминали декораторские, а не жилые помещения. Спустя чуть больше полувека художник и архитектор Вальтер Гропиус создает школу искусств «Баухауз» в Веймаре. Принято считать, что именно тогда и были положены основы современного немецкого интерьера - все та же массивная мебель на большом свободном пространстве.
Немецкий стиль . Мебель и другие предметы интерьера не отличаются декоративными особенностями, все выглядит практично и надежно. На подоконниках в домах стоят цветы. В помещениях нет ни округлых эркеров или ниш, дополнительных перегородок и конструкций. Как правило, в немецком доме много света. Большие окна в крыше загородного дома, придумали как раз они. Окна на крыше - теперь это немецкая классика.
В немецком интерьере преобладают спокойные, теплые оттенки, приглушенные, неяркие цвета. Традиционным считается сочетание светлых стен и темного деревянного пола.
Мебель в интерьерах немецкого стиля выдержана в строгих пропорциях и формах - «чистые» линии, эстетическая выразительность в сочетании с высоким качеством исполнения. Для немецкого стиля характерны комоды, стеллажи, удобные, но не вычурные кресла и диваны.Функциональность немецкой мебели доведена до совершенства. В спинки кресел и диванные подушки встроены специальные механизмы, которые позволяют им трансформироваться в различные положения.Немецкая мебель изготавливалась из дерева, но в ней есть интересная особенность, которая касается полного отсутствия декоративных дополнений. Практичность определила мощность и качественность мебели, но при этом она потеряла часть красоты. Мебель в немецком интерьере больше предназначена не для создания эстетического образа, а для комфорта хозяев, поэтому часто в немецком интерьере используют мебель из массива дерева темных оттенков; необходимо наличие многофункциональной мебели: стеллажей и различных шкафов
В немецком интерьере сведены к минимуму, так называемые, «ненужные» вещи и различные украшательства - статуэтки, подсвечники, посуда, сувениры и т.д. Цветы становятся отличным декоративным элементом для всех немецких интерьеров.
Билет №11.
1. XIX век в русской культуре.
Развитие русской культуры в первой половине 19 в. опиралось на преобразования предшествующего времени. Существенное влияние на литературу, театр, музыку и изобразительное искусство оказала Отечественная война 1812 года. Архитектура и скульптура. Конец 18 и начало 19 вв. – это эпоха классицизма в русском зодчестве, наложившая яркий отпечаток на архитектурный облик обеих столиц и других городов. Классицизм – европейское культурно-эстетическое течение, которое ориентировалось на античное (древнегреческое и древнеримское) искусство, на античную литературу и мифологию. В русской литературе век классицизма был сравнительно короток и неярок, в русской музыке почти не было классицизма, зато в живописи и особенно в архитектуре он оставил подлинные шедевры. Еще в середине 18 в. Петербург был городом одиночных архитектурных ансамблей, утопал в зелени усадеб и был во многом похож на старую Москву. Затем началась регулярная застройка города вдоль прорезавших его проспектов, лучами расходившихся от Адмиралтейства. Петербургский классицизм – это архитектура не отдельных зданий, а целых проспектов и ансамблей, поражающих своей уравновешенностью, единством, гармоничностью. Работа по упорядочению центра Петербурга началась с возникновения здания Адмиралтейства по проекту Андрея Дмитриевича Захарова (1761-1811). В громадном здании архитектор выделил центральную башню. Принципиальное значение имело возведение в начале 19 в. здания Биржи на стрелке Васильевского острова. Именно это здание должно было объединить ансамбли, сложившиеся вокруг самого широкого участка русла Невы. Проектирование Биржи и оформление стрелки было поручено французскому архитектору Тома де Томону. В доработке проекта участвовал А.Д.Захаров. Невский проспект, приобрел вид цельного архитектурного ансамбля с постройкой в 1801 – 1811 гг. Казанского собора. Автор проекта Андрей Никифорович Воронихин (1759-1814), взял за образец собор св. Петра в Риме, творение великого Микеланджело. Перед собором были поставлены памятники Кутузову и Барклаю-де-Толли, выполненные Б.И.Орловским. В 40 – 50-е годы 19в. Невский проспект украсили бронзовые скульптуры Петра Карловича Клодта (1805-1867) «Укротители коней», установленные на устоях Аничкова моста через Фонтанку. Еще одна работа Клодта – памятник Николаю 1 на Исаакиевской площади в Петербурге. Император изображен верхом на лошади. Сорок лет, с 1818 по 1858 г., строился Исаакиевский собор в Петербурге – самое большое здание, возведенное в России в первой половине 19в. Внутри собора одновременно могут находиться 13 тысяч человек. Проект был разработан французским архитектором Огюстом Монферраном (17886-1858). Фигура ангела, держащего крест, была выполнена Б.И.Орловским. Карл Иванович Росси (1775-1849), сын итальянской балерины, родился и жил в России. По проекту Росси были построены здания Сената и Синода, Александровского театра, Михайловского дворца (ныне – Русский музей). Не ограничиваясь возведением отдельных зданий, знаменитый маэстро перестраивал и переоформлял прилегающие к ним улицы и площади. Московский классицизм был характерен отдельными зданиями, а не ансамблями. Трудно было создать архитектурные ансамбли на изогнутых улицах с наслоением разных эпох. После пожара в Москве были возведены такие выдающиеся по красоте здания, как Большой театр, Александровский сад и Манеж (архитектор О.И.Бове, инженер А.А.Бетанкур), Опекунский дворец на Солянке (архитектор Д.И.Жидярди). На Красной площади был воздвигнут памятник Минину и Пожарскому – произведение Ивана Петровича Мартоса (1754-1835). Следуя традициям классицизма, скульптур облачил своих героев в античные одежды. В целом, однако, московский классицизм не отличался такой величественной монументальностью, как петербургский. Для Москвы были характерны небольшие особняки усадебного типа. В 1839-1852 гг. по проекту немецкого архитектора Лео Кленце в Петербурге было построено здание Нового Эрмитажа. Спокойное равновесие его частей, декоративное оформление в новогреческом стиле, мощные гранитные атланты у входа – все это создавало впечатляющий образ музея – хранилища шедевров мирового искусства. Работа Тона понравились Николаю 1. Архитектор получил два крупных заказа для Москвы. В 1838-1849 гг. под его руководством был построен Большой Кремлевский дворец и здание Оружейной палаты. В 1839 г. на берегу Москвы-реки был заложен храм Христа Спасителя. Торжественное освящение храма Христа Спасителя состоялось в 1883 г.
Эклектика как направление, господствовала в России, как и в Европе, в период с 1830 по 1890 годы. В архитектуре эклектика разделена на два периода (1830-1860 г.г. и 1870-1890г.г.). Произведения первого периода сочетали в себе преимущественно такие исторические стили как неоренессанс, необарокко, неорококо, неоготика, неомавританский, неовизантийский, псевдорусский стили, классицизм и др. В зависимости от того, с какой целью строилось здание, могли использоваться те или иные стили. Например, эклектический стиль архитектора К. Тона применялся при строительстве храмов, но для возведения гражданских строений его не использовали. Постепенно в московской эклектике выделились три основных направления. Русско-византийскую ветвь эклектики можно проследить в фасадах Большого Кремлевского Дворца, где архитектор К. Тон объединил элементы древнерусской и византийской архитектуры. На примере фасада Московского политехнического музея (архитекторы И. Монигетти и Н. Шохин) прослеживается влияние второго направления, в котором использовались характерные приемы русского деревенского декора, орнаменты вышивок и прикладного искусства. И третий стиль перекликался с московской архитектурной традицией середины 17 века, но в противовес ее «нарядности» этот стиль был вычурно-сухим (Исторический музей, архитекторы В. Шервуд и А. Семенов).
Русская живопись. Для русского изобразительного искусства также были характерны романтизм и реализм. Однако официально признанным методом был классицизм. Академия художеств стала консервативным и косным учреждением, препятствовавшим любым попыткам свободы творчества. Она требовала строго следовать канонам классицизма, поощряла написание картин на библейские и мифологические сюжеты. Молодых талантливых русских художников не удовлетворяли рамки академизма. Поэтому они чаще, чем прежде, обращались к портретному жанру. Два замечательных портретиста своего времени – Орест Адамович Кипренский (1782-1836) и Василий Андреевич Тропинин (1776-1857) – Оставили нам прижизненные портреты Пушкина. У В 1803 г. на раскопках античного города Помпеи побывал русский художник Карл Петрович Брюллов. Он гулял по древним мостовым, любовался фресками, и в его воображении вставала та трагическая ночь августа 79 г. н. э., когда город был засыпан раскаленным пеплом и пемзой проснувшегося Везувия. Через три года картина «Последний день Помпеи» совершила триумфальное шествие из Италии в Россию. В это время начинается эпоха академической живописи. Шедеврами русской живописи навсегда останутся его полотна «Всадница», «Вирсавия», «Итальянское детство», многочисленные парадные и интимные портреты. Однако художник всегда тяготел к большим историческим темам, к изображению значительных событий человеческой истории. Своей вершины академическая живопись достигла в творчестве Александра Андреевича Иванова (11806-1858). Более 20 лет работал он над картиной «Явление Христа народу», в которую вложил всю мощь и яркость своего таланта. В первой половине 19 в. в русскую живописи входит бытовой сюжет. Одним из первых к нему обратился А.Г.Венецианов. Он посвятил свои картины «На пашне», «Захарка», «Утро помещицы» изображению крестьян. Его традиции продолжил Павел Андреевич Федотов (1815-1852). Свой путь художника-сатирика он начинал, будучи офицером-гвардейцем. Тогда он делал веселые, озорные зарисовки армейского быта. В 1842 г. на академической выставке была представлена его картина «Свежий кавалер». Лучшие творения художников попали в коллекции вельмож, оседали в запасниках Академии художеств. Их мало кто видел. Создание общедоступных художественных музеев в России началось в 1852 г., когда открыл свои двери Эрмитаж. Дворцовое собрание художественных сокровищ было превращено в национальный музей, доступный для публики.
Живопись 2ая половина 19в. Крупнейшее объединение — Союз передвижных выставок («передвижники» выступали за отражение в живописи жизненных реалий): И. Н. Крамской (портретист), В. Г. Перов (жанровая живопись: "Охотник на привале", "Тройка"), И. И. Шишкин (пейзажист: «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии»), В. И. Суриков (историческая живопись, "Боярыня Морозова", 1887), И. Е. Репин("Запорожцы пишут письмо турецкому султану", "Бурлаки на Волге"). Виднейший баталист—В. В. Верещагин («У крепостной стены. Пусть войдут» (1871), «Нападают врасплох» (1871), «Апофеоз войны» (1872)). Русскую тему воплощал в живописи В. М. Васнецов. Скульптура А.М. Опекушина (в 1872-80 гг. памятник А. С. Пушкину для Москвы), М.М. Антокольского(колоссальная статуя "Петра I" (1872), исторические фигуры "Ярослава Мудрого", "Дмитрия Донского")