1.Морфология искусства. Виды изобразительного искусства. Искусство- это одна из форм культуры. Изобразительное искусство – это искусство, где мы имеем дело с визуальным образом. Виды:Живопись, графика, скульптура, архитектура и прикладное искусство. Живопись- это искусство, кот.отображает мир на плоскости и где важную роль играет цвет.Классификации. 1.По технике: темпера – на водной основе; масляная живопись;энкаустика – на основе воска. 2.на разных материалах:холс;картон;метал;камень; монументальная живопись – фрески. 3.жанры:портрет; натюрморт; пейзаж; ведута-документальный пейзаж;ботальный жанр; бытовой жанр.

Графика тоже создается на плоскости, а краски сильно отличаются. Здесь не важен цвет,важны линии.Жанровые формы те же, что и в живописи, но различаются по назначению. Графика исп.для гравюр, с помощью кот печаются.Место где хранятся картины – Пинакотека. Скульптура- это объемное изображение, существующее в 3хмерном пространстве.Делится на: круглую-ее можно увидеть со всех сторон и рельефную-выпуклую или вогнутую. Древнейшая форма искусства. В зависимости от материала меняется и техника. Каменная скульпткра высекается,из метала – выливают. Архитектура несет образ. Она тесно связана с живописью, скульптурой. Дикоративно-прикладное искусство имеет утилитарное значение. Это предметы, котор исп. В быту, но эти предметы имеют художественное выражение.

3. Основные этапы изучения истории искусств. Эта наука возникла на много позже, чем др науки и начинает формироваться в 14-15в. В эпоху Возрождения в Италии происходит становление искусствоведения. Причины формирования: 1.развиваются идеи гуманизма, котор обозначили необходимость рассматрения человеческой деят-ти и ее плодов в непосредственной зависимости от самого человека.2.изменение отношения к изобразит искусству. Работа Вилани – «История Флоренции», она способствовала формированию имиджа, впервые упоминает художников Джотто,Чимабуэ. Затем появ серия трактатов Леон батист Гиберти – «О статусе» «О живописи» «О зотчестве»,в каждом из них он определил значение каждого искусства. Предлагает исп. Античные принципы для создания соврем искусства, но в то же время стремление к античному идеалу должно сочетаться с индивидуальным выражением автора. Гиберти создал врата для Бабтистерия- храм для крещения. Ему удалось показать перспективу. Пишет истину «Комментарии»- где объясняет, как нужно работать со скульптурой и оценивает творчество др.художников. Джорджи Возари «Жизнеписание!(1550) – описание жизни художников. Описывая, автор приходит к выводу, что можно выделить общую черту итальянского искусства данного периода, а именно возращение к античным традициям. И Воззари предлагает одну из первых оценок искусства эпохи возраждения. Через 12 лет предлагает 2-е издание книги, куда предлагает введение к 3-м искусствам рисунка.Вводит раздел о медальонном искусстве, о изготавлении камей – это особый вид прикладного искусства, медальон с изображением; о искусстве золочения; инкрустации –вставлени одного материала другим,говорит о витражах.Т.обр. жизнеописание приобретает вид исследования искусства эпохи Возраждения . Он пришел к выводу, что совр. Искусство должно базироваться на античных традициях Римского искусства.

Ваззари предлагает много ценных сведений о художниках того времени, но к сожалению книга не имеет серьезной теоритической базы. И поэтому выглядит как сбор очерков. Кроме того, он не дооценивает значение совр искусства, в частности маньеризма и отрицает готический стиль( Ор Сан Микель- церковь во франции). Жизнеописание собрано по биографическому признаку. Такой же подход демострирует и его последователи: Хогстратон в Голандии; Уолкол в Англии; Почеко и Палюмино- в испании. В к.16в. появл. Первые энциклопедии по искусству. Одна из первых была написана Карлом ванн Мандером – представителем северного Возраждения. Он пишет не только о художниках Фландрии, но и о др. представителях. Все эти работы писались на определ. Языке. Но позже появл работа «Немецкая Академия» Зандрата на латинском языке. Оно стало широко распространяться.

В 17в. Иоган Винкельман осуществил научную систематизацию и создал работу по Истории Искусств(и.и.) на научной основе. Он был приглашен на должность главного антиквария в Ватикан, что открывало перед ним огромные возможности. Он начинает опираться на результаты археолог.раскопок и исследования подкрепляются фактами. Он публикует «И.И. древности», пишет статьи об античной литературе. Впервые высказывает т.зр., что вершиной античного искусства явл.Др.Египет, а не Др. Рим как считалось ранее. Доказывает, что римские работы явл. Копиями, в их искусстве не было ничего нового. Учитывая продолжительный ход истории-делает вывод о циклическом ходе истории. Он выделяет в Истории большие периоды, в нутрии котор осуществляется одна и та же логика художесвенного развития. Так в истории ДрГреции выделяют 4 периода: Древнейший/Архоический(до Фидия); Высокий(во время Фидия); Изящный(после Фидия-Лисип, Прокситий);Подрожательный (Греко-римская история). Те же 4и этапа Вингельман обнаруживает в искусстве эпохи Итальянского Возрождения, здесь он рассматривает Рафаэля Санти(аналогичные этапы, Изящный этап связан с Керреджо,подрожательный – Каррачи) Дени Дидро – внес новый этап, формирование критики. Он считал важным привить культуру восприятия произ-ний искусства у публики.И инфо-е о состоянии искусства. В Лувре начинают проводить раз в два года выставки- Биеннале. Затем он записывает свои выступления и появл. салоны, где он демонстрирует мастерство художественной критики.

В18-19в. Формируется несколько школ.Формироуются дисциплины этнографии и история. Исследуются стили, направления в искусстве, жанры, основные приемы.

5. Особенности изобразительного искусства эпохи палеолита и мезолита. Первобытное искусство(П.и.). Исп. Еще два термина:архаическое искусство, но оно не совсем точно отражает суть первобытного искусства; и примитивное – оносравнивает ту технику, инструменты, котор явно проигрывают по сравнению с нынешними. П.и. – это стадия раннего искусства. Оно очень широко представлено. И поэтому его сложно датировать. Искусство палеолита или каменного века. Так например, в рамках обрядовых действий формировалась речь, искусство танца и др. Предметом художественной деят-ти того времени явл.наскальные рисунки и скульптура. Древний человек достаточно рано освоил круглую скульптуру, котор исп в обрядовом действии зачастую это были животные(анималистика) В этот период человек синкретичен, т.е. слит с природой. Поэтому у него возникает понятие тотемизма, т.е человек явл. Продолжателем животных. Изображение женщины в это время абсолютно не соответствует реальному. Женщина с большим животом, широкими бедрами, большой грудью, но руки очень худые, иногда даже отсутствуют, поэтому их называют палеотическими венерами. Также нет лица и ступней. Иногда черты лица не прорисованы. Женщины, как символ плодородности, детородности. Но не символ материнства,т.к. не вкладывались нравственные аспекты. В живописи эпохи палеолита-анималистический жанр.Изображение животных в пещерах того времени – своеобразный вид;первоначально-выражены черной краской сначала контур,затем заполнялся весь объем.Происходит совершен-ие техники,художники начинают изображать шерсть – штриховкой.объем показывает фигуры, испол-ют светлые и темные тона. Стремиться передать движение. Включение желтой краски. К XII тыс.до н.э. живопись палеолита достигает наивысшего расцвета,именно к этому времени отн-ся масштабные росписи,обнаружены в Испании в пещерах Альтамира, в XX в. в пещерах Ласко (Франция).Изображаются животные в движении, ни одно живот-ое не повторяет другое. Правильная передача пропорций тела, интуитивно применяются законы перспективы, владеют художники приемами изобразительной телесной пластики. Однако художникам эстетические достоинства были мало важны, для первобытного чел-ка важно само изображение.Как символ благополучной охоты в реальности. Из-за изменений климата живопись деградирует,т.к. усилия направлены на обустройство жизни в новых природных условиях. ЭПОХА МЕЗОЛИТА.Изобр-ое ис-во – изображение животных,однако техника письма более совершенна,краски прочнее. В состав включается мед,яйца,кровь. Палитра более разнообразна.активно испл-ся белый цвет.Но живопись мезолита интересна изображением человека.Объект живописи – мужчина,выполняет определенные хозяйственные и военные функции. Усложняется орудейная деятельность чел-ка: лук и стрелы.Характер труда и образ жизни не требовали большой занятости. В изобр-ом искусстве отдельные мужские фигуры: домашние дела, сельское хозяйство, охота. Фигура изображается символически,на телесной пластики акцента нет. Женские фигуры почти исчезают.

6.Своеобразие неолитической художественной культуры. Мегалиты. Расширяется производство жизни людей,освоение новых территорий,вплоть до крайних северных точек(Норвегия).Идея передвижения выражаетсяв изобраз-ом иск-ве.Художник показывает различные транспортные средства:лодки,пространственные формы-ландшафты,горы,реки,небо,солнце. В изобр-ой форме- сложность и упорядоченность мира,такие художественные поиски явл-ся созвучием процессам развития мифологии. В орнаментах и узорах – попытка мифологического осмысления космоса.Спирали-цикличность жизни. Границы высшего и низшего – понимание земного и божественного мира. Симловы: солнце,горы,почва с посевами.Чел-к уделяет огромное внимание декоративно-прикладному искусству.Это свидетельство того,что эстетическое начало теперь более важное,чем ранее.В искусстве неолита явно выд-ся сфера творчества:посуда,костюм,украшение,оружие.Актуализируется роль архитектуры.Необходимость строить жилища раньше – как необх-ть защиты от природных условий как средство реализации первичных еловеч-их потребностей.Жилища-те формы,которые создовала сама природа. Норы,тупла и т.д.В эпоху неолита – архитектура не только выполняет утилитарную функцию.Архитектурные постройки сокрального характера,сегодня их функции не всегда ясны.Простейшее сооружение – менгир(врытый в землю высокий камен 2 м.)Более сложные дольмены – сооружение из 3 камней. Трипит – 2 камня веритикально поверх которых еще одна 3ья плита.Сложные – кромлехи – масштабные сооружения в форме круга, элепса, подковы. диаметром 20 м и больше.Состоит из дольменов и менгиров,установлены в опр-ом порядке(Stonehendg в Англии).Сооружения могли выполнять как научно-исследовательские ф-ции,так и скоральные. Есть доказательства,что это были места захоронения. Искусство первобытной эпохи имело синкретический вид.Различные виды искусства используются для совершения ритуальных дейтсвий.Очевидно,что изоб-ое иск-во уже в структуре первобытной культуры стремилось обходиться в особую эстетическую сферу деятельности.

7.Искусство древнего Египта. Начинается в 5 тысячелетии до н.э. Активное развитие начинается в 3 тысячелетии до н.э. Объединение Верхнего и Нижнего Египта. Единое Египетское царство,во главе которого стоит фараон.Белая и красная Корона,одетые одна на другую. Кобра и Коршун – символ соединения верхнего и нижнего царств.Формируется единая мифологическая система;но у некоторых богов остается 2 воплощения( бог Тот:навиам или ибис). Но противоречий на этом фоне не возникало. В основе мифологии-понятие о космосе-Маат (хрупкая женщина или перо).Порядок,который обязаны соблюдать все. Гарантом этого порядка-справедливости-был фараон.Культ фараона был высок в Египте. Он воспринимался как сын Ра. Мифология Египта- солярная(культ Солнца важнее остальных богов). На западном берегу Нила находились в основном гробницы,храмы и т.п. Мостаба-захоронение в земле с плитой. Пирамида(строились недолго 250-300 лет). Гробница-сложная конструкция. Жизнь на земле являлась подготовкой к жизни в мире вечности.Фараон начинал строить гробницу с самого начала правления.Менее знатные люди захоронялись менее почетно,но по аналогии с фараоном.Суд вечности-взвешивание сердца на весах. Если человек много грешил-его «съедало» чудовище и снова выбрасывало на землю. Считалось,что Фараоны уходить в вечность со всеми вещами,которые нужны при жизни- еда,утварь,мебель,оружия и т.п. У человека-одна подлинная душа,и есть души-двойники. Сохранность души зависит от сохранности тела.=>египтяне в совершенстве осваивали бальзамирование и мумифицирование. Внутренний и средний саркофаги готовились из дерева,они расписывались(истории из жизни,какой это был человек,как он прейдет в мир вечности) Внешний саркофаг был массивным(как правило каменным). Канопы –сосуды,хранившиеся рядом с саркофагом- там хранились внутренние органы. Считали,что души-двойники тоже должны иметь пристанище. Поэтому создавалось множество изображений и скульптур человека для того,чтобы там поселились души-двойники.

«Книга мёртвых» в Древнем Египте — сборник египетских гимнов и религиозных текстов, помещаемый в гробницу с целью помочь умершему преодолеть опасности потустороннего мира и обрести благополучие в посмертии. Представляет собой ряд из 160—190 (в разных вариациях) несвязанных между собой глав, различного объёма, начиная от длинных поэтических гимнов и кончая однострочными магическими формулами. Название «Книга мёртвых» дано египтологом Р. Лепсиусом, но правильнее её было бы назвать «Книгой Воскресения», так как её египетское название — «Рау ну пэрэт эм хэру» дословно переводится как «Главы о выходе к свету дня».

Это произведение считалось очень древним ещё во время правления Семти, фараона I династии, и, более того, было тогда настолько объёмным, что требовало сокращения, неоднократно переписывалось и дополнялось из поколения в поколение на протяжении почти 5 тысяч лет, и любой благочестивый египтянин жил, постоянно обращаясь к учению Книги мёртвых; египтян хоронили, руководствуясь её указаниями; их надежда на вечную жизнь и счастье была основана на вере в действенность её гимнов, молитв и заклинаний.

Одни из лучших образцов «Книги мёртвых», написанные на свитках папируса, относятся ко времени расцвета культуры при XVIII династии; с её началом это произведение вступило в новую стадию своего развития, из саркофагов погребальные тексты перенеслись на папирусы. Наибольшее число папирусов с текстами из Книги мёртвых было найдено в захоронениях города Фивы; именно по этой причине версию Книги мёртвых, получившую распространение в этот период, называют Фивской. Большинство их было найдено в фиванских гробницах и принадлежало главным образом жрецам и членам их семей. Эти папирусы богато украшены тончайшими рисунками, изображающими сцены погребения, совершения заупокойного ритуала, посмертного суда и другие сцены, связанные с заупокойным культом и представлениями о загробной жизни.

Также существует Саитская версия Книги мёртвых, появившаяся в результате деятельности фараонов XXVI династии, когда произошло всеобщее возрождение древних религиозных и погребальных традиций, были восстановлены храмы, а старые тексты Книги мёртвых переписаны, переработаны и упорядочены.

В эпоху Древнего царства существовал обычай чтения вслух заклинаний для умершего царя, что должно было обеспечить ему загробную жизнь. Позднее подобные тексты стали записывать и в гробницах египетских вельмож. Ко времени Среднего царства собрания заупокойных заклинаний (частью — старых, частью — сочиненных заново по их образцу) записывались уже на поверхности саркофагов и стали доступны каждому, кто мог приобрести такой саркофаг. В Новом царстве и позднее их записывали на папирусных свитках, а иногда на коже. Эти свитки и получили название «Книги мёртвых», несмотря на то, что они сильно различаются по содержанию и расположению текстов.

8.Каноны Египетского искусства. Египетское искусство формировалось в рамках заупокойного культа.Есть ряд особенностей. Искусство не предполагало эстетического наслаждения и удовольствия;ведь многие произведения искусства были недоступны людям.Художник огрничен множеством правил и законов.Он не мог индивидуально решать художественные задачи.Все искусство строилось на канонах. Важнейшее место занимал портретный канон,поскольку изображение человека было необходимо для сохранения души.Мы видим непосредственное отражение мифологии в искусстве. Именно по изобразительному искусству мы можем судить о том,какими были боги Древнего Египта. Они были зооморфными (полулюди,полуживотные). Анубис-человек с головой шакала, Хаткор-полукорова,Сехмет-женщина с мордой львицы. Египетское искусство имело сокральный характер.К произведениям искусства относились как к святыням-вещам,которые непосредственно связаны с духовными ценностями египетского общества . Портеретные каноны. Изображение человека занимает центральное место, многочисленные фрески,скульптуры,рельефы представляют человека в разные периоды жизни(земной и загробной), в разных ситуациях.1)на всех портретах абсолютно безучастное лицо,не имеющее выразительных эмоций-земные чувства не должны быть отражены в портрете.2)портреты передают индивидуальные особенности человека. Хотя они никогда не писались с натуры-художники работаю по памяти или имея заготовки(маска с лица человека).3)египетские портреты-полихромные.Художники пытались добиться сходства с реальным человеком.Они расписывали ткани одежды,украшения,цвет волос и т.п.4)чертой,отличающей мужчин от женщин является цвет кожи.У женщин-светлая,оливковая,у мужчин-терракотовый цвет.5)живых легко отличить от умерших.У живого человека руки опущены вниз,а у умерших скрещены на груди.6)важнейшую роль играют глаза.В скульптуре глаза инкрустируются.Вместо радужки заливалась особая смола-она блестела как истинный глаз.Процесс инкрустирования имел свою логику.При жизни-один глаз,после смерти-второй.Человек пребывает в двух мирах,поэтому «открыть» второй глаз можно,когда открывалась дорога в вечность.7)человек изображался особо-лицо,руки,ноги распологались в профиль,а плечи в анфас.8)в одном произведении-люди разного размера-кто-то по пояс фараону.Стремление показать социальную значимость человека,она отражалась в росте. В египетском искусстве сокральная архитектура.Египетский храм представляет собой 3 прямоугольных храма друг в друге.(«матрешка») Неотъемлимый элемент-колонны.Они представляли собой имитацию,связку папируса;канители-лотосы.2 вида:в виде бутонов и с раскрытым цветком.Вторые из них находились рядом со святилищем.Важнейшая роль-обелиски.Столбы со шпилем.На шпиль нанизывался золотой диск или шар. Сфинксы-охрана захоронений.Это либо львы,либо бараны с человеческим лицом-лицом реальных фараонов.Важнейший текст- «Книга Мертвых».До 1 тысячелетия в Египте информацию о том,что будет с человеком после смерти фиксировали в пиктограммах на стенках гробниц.В 1 тысячелетии до н.э. египтяне стали отражать это на папирусах. В XIX веке Египет начали изучать.Шампольон-Расшифровал египетскую письменность.Папирусы стали переводить и собирать в свод.Собранные папирусы получили название «Книга Мертвых» Ушебти- маленькие фигурки,полые внутри,с мотыгами в руках.Это были «ответчики» за умершего на суде вечности. В египетском искусстве очень много символов,оно носит символический характер.

9. . Своеобразие изобразительного искусства Древнего Шумера и Акада.

. Шумерооканская цивилизация.Народ-Шумеры.В 4 тысячелетии в Южную мясопотамию приходят Шумеры.Они были настроены на строительство и поэтому их именовали строителями.Народ был миролюбивым.Начинаетс я создание первых шумерских городов.Их устройство(название городов:Ур,Непур) было необычным.Необычность заключалась в том,что в центре был храм,жречейство было центральным сословием.Каждый город формировал свою политику,военное устройство.Но они были внутренне связаны,духовно.Они имели общую мифологическую систему,письменность.Здесь начинает создаваться клинопись(на глиняных табличках). Клинопись используется для деловой переписки.Строительный материал был очень примитивен-это глина и тростник.Был также сырцовой кирпич,из которых шумеры строили дома.Но для храмов и дворцов они заволили камень.Храмы строились на возвышениях,платформах.Большого количества людей храм не собирал,здесь проходили культовые мероприятия,жертвоприношения.Храмы были без окон,был большой вход.Свет проникан через щель вверху.Адорант-небольшая фигурка,сделанная из глины или из камня,изображающая человека во время молитвы.Характерные черты:большие глаза,скрещенные на груди руки. Позднее появится прорезь у адорантов,в которые вставлялись просьбы.Храмы были разнообразно оформлены.Используются рельефы,на которых изображались различные моменты жизни шумеров.Рельефы раскрашивались.Экстерьеры были скромными:лопатки-это прямоугольные выступы на храмах,ниши.Глиптика-резьба по камню(драгоценному) использовалась для создания печатей,которые были цилиндрической формы.Их носили на шее.Шумеры пытались освоить и бронзовое литье.Но это приходит только во 2 тысячелетии.Затем происходит слияние двух народов Акада и Шумеров.Период Аккад особых новшеств не наблюдается,а развиваются шумерские. Зипурат-это многоступенчатая пирамида на вершине которой находится светилищеОни имеют нечетное количество платформ.Платформы раскрашивались тремя цветами;нижний ярус-черный,затем красный,а верхний-белого.В период Шумеро-акада использовалось бронзовое литье для воинов и правителей,для бытовых и музыкальных предметов.В 2003 г. до н.э. шумер-акады прекращают свое существование.Возникает Вавилон-возвышается.Особое развитие он получает в период правления Хамурапи.Издал законы,написанные на стэлле на вершине которой был сам Хамурапи.Законы разъясняли отношения между слоями.В этот период происходит попытка собрать мифы.Предпринимает попытки централизации власти.При нем создается ряд норм и законов в искусстве.Оно начинает делиться на высокое-статичное,крупное,изображения касаются только значимых сюжетов и тем,центральные герои – боги,правители,мифологические герои.Нижний стиль-это сюжеты из повседневной жизни.Здесь можно было увидеть юмор автора.Иногда стили сочетались-дворец в Мареге.

1. 13Основные достижения и характерные черты древнеиндийского искусства.

. Развитие Индии было прирывистым. Культурные центры менялись. Сильное влияние оказал буддизм. Но в средних веках происходит исламизация исследуемых традиций. Одним из первых очагов индийской культуры находился в долине Инда и глав центром был город Хараппа – это Харапская цивилизация. Можно выделить и др.крупные города того времени Махенджо Даро(Холм мертвых), там была найдена гробница. Харапская цивилизация возникает в третьем тысячелетии до н.э. и она была высокоразвитой. Занимались жители торговлей и выращиванием пряностей, торговали тканями. Высокий уровень имело гончарное производство и ювелирное. Города были хорошо структурированы. Выделялись кварталы ремсленников, кожевников т.д. Присутствовала письменность, но не каких литер-х произведений не создавалось. Хорошо была развита культура(скульптура, ювелирные украшения). Присутствовал мифологический свод. система. Некоторые божества в той культуре будут иметь свое продолжение. Но во 2тысячелет. Эта цивилизация прекращает существовать. На эту территорию приходят индоарийцы. С с.2тысячелет.начинают формироваться новые традиции(появл касты, соц деление, начинает формироваться единый свод знаний:первые лит-ные памятник «Веды» - 4 книги. Создавались они первоночально в устной форме, но позже их начали фиксировать. Благодаря им формируется лит-ра в дальнейшем – две поэмы Махабхарата (великая война) и Рамаяна(колесница бога Рамы). Махабхарата(1тысяч-е до н.э.) – долгая борьба двух знаменитых родов Бахаратов и Куру – воплощение коварства и зла и несправедливости. Поэмв наполнена различными соц. Трактатами, а также мифологией. Содержит богатый фактический материал. Состоит она из 100тыс двустиший – шлоки. Выделяются отдельные части,например, Анугита. Упанишады - -древнеиндийские трактаты религиозно-философского характера. Являются частью Вед и относятся к священным писаниям индуизма категории шрути. Города,которые начинают создаваться начинают отличаться и уже в долине Гонга начинают создаватьсяновые культурные центры. Развивается производство на основе добычи железа. Город Магадха. В 4м веке до н.э. становится во главе династия Маурьев. Чандрагупта объединяет Индию, проводит ряд реформ по улучшению эконом. И полит ситуации в стране. Индии удается отстоять независимость при нападении Максуонского. Ашона – вводит единую письменность санскрипт. Расширяет границы Индии и укрепляет их. Создается новый центр гос-ва- Паталипутра. Город имел очень необычное устройство. На холме находился его центр. Стоял дворец созданный из дерева, но имел гранитные колонны, украшен был садами, террасами с бассейнами и фонтанами.

14. Влияние буддизма на архитектуру и скульптуру Др. Индии. Также он вводит буддизм в качестве основной религии. Начинается развитие культуры, котор подчиняется буддизму. Начинают создаваться первые культовые сооружения. Первое культ сооруж – Ступа – это мемориальное сооружение(8шт). В основу были положены частицы праха Буды. Построены они были на платформе и имела форму полусферы, она утрамбовывалась камнем. Одна из самых древних ступ – Санчи. На ней строилось прямоугольное сооружение- реликварий(где хранились реликвии). Заканчивается она шпилем, на котор были буддистские диски(не более 8ми). В буддизме сложный восход к истине связывается с цифрой 8мь. Верующие обходили ступу вокруг в результате создается ограда – торана. Лишь жрец поднимался наверх по лестнице. Такая форма была выбрана не случайно (круг-образ космоса,порядка;штырь- как образ древа)- причастность человека к силам природы. Но позже ступы начинают исп.для др, они становятся меньше, помещаются внутрь храма, к ней приносят жертвы.

Создаются буддистские столбы – стамбха- они были поставлены по пути поломников. Они могли быть различных размеров. На них изображались растения(лотос), животные(лев), а также различные декоративные элементы. Для культовых обрядов появляются пещерные храмы – чайтья. Внутри красивые интерьеры, украшенные скульптурой, стены расписывались. Аджанта – место, где располагалось сразу 5ть храмов, по разному оформленных. Вихара – келья монахов. Период Пушанов(2век до н.э.) Период Гунтов.

Период Маурийцев. Изображали положение буддизма. Например, колесо – как поворотный момент, лани, котор согласно легенде слушали первые заповеди буды.слоны, котор поклонялись дерев на котор медетировал буда. Но самого Буды не изображали. В период Пушанов религия широко распространяется,осуществляются буддистские культы. Формируются каноны с изображением буды как человека. Пртотипом послужили статуи греческих богов, атлетов. Три позы: стоящий, сидячий и лежащий. Создается строгий канон изображения. Утверждается он в 1в. Н.э. в Ганхаре. Правила- буда имел вытянутые мочки ушей , мендалевидые глаза, родинка по середине лба, волосы изображались в пучке и т.д. Будисты одевали три элемента одежды-набедренная ткань-тхоти; рубаха без рукавов – утараханга; накидка с прорезью у шеи-сандхати. Для сидячегобуды характерны 3позы:1.размышления – одна ладонь находится в др.2.знак призыва земли в сведетели – правая рука у правого колена опущена и касается земли.3. знак поворота судьбы-кисти рук сложены на груди. Для стоячего буды применяли жест увещевания правая рука поднята вверх, а левая опущена и придерживает одежду – предупреждение. Лежачий как бы на смертном одре с правой рукой под головой. Изображался нимб над головой.

В4м веке воцарится новая династия Губтов,в етот период расцветает культура.Создается обилие храмов. Начинается строительство пещерный комплекс Веория. Украшаются предыдущие храмы. Развивается изобразительное искусство, ювелирное искусство. В6м веке в Индию вторгаются враждебные племена. В результате заканчивается их правление. Во2м веке н.э. появл первые драматич произведения. Но театр развивается еще в период правления Гунтов. Театр Индии восходил к 3м традициям: культовый танец-понтамима, представления мимов, театр теней.

15. Многообразие форм декоративно-прикладного искусства и архитектуры Древнего Китая. В5ом тысячелетии до н.э. в долине реки Хуанхе создавалась Китайская цивилизация.Один из таких ранних центров – Яншао(неолит). Особый стиль посуды найден там. Этот стиль назвали в честь места – Яншао. Посуда из необыкновенной глины – не исп. Для приготовления пищи. Сосуды сугубо бытовые, декор очень яркий. Геометрические орнаменты – символизировали связь человека с природой. 3-е тысячелетие до н.э. – культура. Луньшань – посуда покрывалась черным лаком. Она была глянцевая, почти без узоров. Во2-м тысяч. До н.э. осваивается бронза. Посуда больших размеров для приготовления ритуальной пищи. По всей поверхности котлов шел мелкий-мелкий рельефный узор. Напоминает следы в дереве от жука короеда – меандр. Поверх меандра наносился крупный рисунок – культовые животные: тигры, драконы, бараны. Эти животные назывались Таотэ. Гаризонтальное деление сосуда на небо и землю. А если было и вертикальное деление – то это обозначения 4х частей Света. Символы Севера , Юга, Востока и Запада. В 1-м тыся-е в Китае начинает исп. Лак как материал искусства. Имел декоративное назначение – для сувениров, вееров и т.п.

Архитектура Погребальный компдекс. Захоронения под землей. Самыми крупными таким комплексом был правителя Цинь Ши Хуанди. Очень яркий правитель Китая (3в. До н.э.). Осуществил много реформ по централизации и укреплению гос-ва. А так же много культурных преобразований. Регулярное строительство садов при всех дворцах, соборах и т.п. При Цинь Ши Хуанди начинается строительство Великой Китайской стены.. его усыпальница: Дракон-Восток, Тигр-запад, Феникс – юг, Черепаха-север. «Теракотовая армия» - огромное кол-во статуй-воинов, не один не повторяется. Сделано с реальной армии Цинь Ши-Хуанди. Пагода – храмы богини с ярусными крышами(поднятыми вверх краями по форме напоминает гору/лестница в небо). В Китай перешло много буддистских традиций. Тот же будда только узкоглазый. Пещерные храмы вроде Чайти и т.п. Китайский сад пейзажен: человек не корректирован, естественные природные формы. Садовод подчиняется природному ритму, его труд незаметен, важнейший эстетический принцип – ассиметрия. Неотъемлемый элемент сада – сосна(символ долголетия) Обязателен пруд и камни. Желательно пруд с золотыми окунями.

16. Изобразительное искусство и поэзия Древнего Китая. Живопись Китая не имеет точек соприкосновения с Европейской. Огромное кол-во оттенков одного цвета способны создать. Техника по-мо (брызганная тушь). Создаются монохромные пейзажи. Один цвет –множество оттенков «Принцеса внезапного озарения». Жанры живописи:1. Цветы и птицы.2.животные.3. растения и насекомые.4. вода и камни.5.люди. Важная форма живописи – свиток. Он не рассматривается, а читается. Бывают горизонтальные и вертикальные. На ткани или бумаге тушью. Живопись символична. Бамбук– символ несгибаемой воли; аист – символ одиночества и святости; бабочки- символ большой дружной семьи. Китайская живопись взаимосвязана с поэзией. Поэзия считалась неотъемлемой частью буддистского совершенствования – кто преуспел в поэзии, мы рассчитываем занять важный пост. Ли бо(конфуц), Ду Фу()- известные поэмы Китая. Поэзия пейзажна – философские размышления о времени, жизни и т.п.

17. Садово-паркое искусство Древнего Востока.Китай. История садов Китая насчитывает более трёх тысячелетий. Назначение китайского сада заключалось в том, чтобы вызвать у зрителя философское настроение, сады символизировали рай на Земле.Китайский ландшафт - это сочетание геометрических форм архитектуры зданий в гармонии с мастерски - сделанными искусственными пейзажными композициями (как правило, речь идёт об императорских дворцах). Сады Китая очень разнообразны и не похожи друг на друга. Их сложно объединить в том или иной стиль, кроме того большой сад внутри делился на несколько – это были сады естественных пейзажей, домашние сады, сады учёных, сады литературы. Сады учёных и литературы – в них нет официальной парадности, они предназначались для отдыха, размышления, интеллектуальной работы.В Китае сады делали путём совершенствования, эстетической доработки красивых уголков живой природы. Своеобразное понимание природы в садово-парковом искусстве Китая, одного из самых древних и самобытных искусств в мире, оказало влияние на развитие пейзажного парка в Европе. Обобщение и отражение облика природы служит основным принципом. Китайцы «отдохновение предпочитают прогулке», отсюда и построение сада, основанное на созерцание пейзажей. По правилам китайского ландшафтного проектирования, сад нужно было разбивать, чтобы существовало несколько видовых планов, один плавно переходящий в другой.Большая смена впечатлений создаётся построением сложного рельефа: холмы, скалы, овраги сменяются долинами и лугами, тёмные хвойные леса перемежаются с солнечными лиственными лесами, мшистые скалы с бурными потоками сменяются спокойной гладью озер. Меланхолия, радость и ликование вызываются путём контрастных решений сада. Для усиления впечатлений китайцы пользовались звуковыми эффектами бушующего ветра, эха, пения птиц, шума воды. Парки изобилуют небольшими озёрами, с характерными высокими мостиками, павильонами с черепичными крышами, киосками, арками, пагоды (композиции из естественного камня) и другими сооружениями, которые ставились на местах с лучшими видами для отдыха и любования природой. Слияние с окружающей природой возводится в принцип, уничтожаются даже ограда, которая заменяется рвом или ограждением, спрятанным в замаскированный ров. Естественный ландшафт служит продолжением парка. Парки разделяются обычно на несколько комплексов с центральным ансамблем, доминирующим над всем парком. Характерно, что архитектурные ансамбли имеют регулярную планировку и строятся на южных склонах по строгой оси, направленной с севера на юг таким образом, чтобы фасады зданий были ярко освещены солнцем.Вся территория делится на три части – среднюю, восточную и западную. Центром сада обычно служит водоём или искусственный холм. Вокруг него размещаются павильоны, связанные открытыми галереями, каменные композиции в виде горок, стенок или отдельных своеобразных скульптур, мостики, беседки, водные протоки. При создании ландшафта китайские мастера, прежде всего, старались выявить самобытность каждой вещи. Планировка садов Древнего Египта отличалась строгой регулярностью: центром композиции служило главное здание, а прямая аллея, соединявшая его со входом на участок, являлась основной композиционной осью, делившей территорию сада на две равные части, в каждой из которых размещались прямоугольные водоёмы.

18.Характеристика основных периодов истории искусства Древней Японии. Замкнутое производство,на протяжении многих веков не имела вражеских нашествий. Тенденции сохранялись,единственная явная зависимость - со стороны Китая, объяснялась, что китайская цивилиация более развита,оказывала и экономич-ое и культурное влияние на Японию. Самые ранние периоды 3-4 тыс. до н.э. В этот период Япония не имеет развитого изобразительного искусства, лит-ры, архитектуры,в основном художественное усилие – в декоративно-прикладной сфере.Выделяют самобытный стиль,он сформиров-ся в этот период.Стиль Дземон – специальные веревки,от особой технологии созданной керамической посуды (сосуд обвивали веревками и в огонь,обжигали посуды и орнамент от веревки).Нанесение пенных узоров,поверх сосудов. Заметных изменений не происходило на протяжении 3,2 тыс. до н.э.Экономическое положение тяжелое.В 1 тыс.д.н.э. – новые сел.хоз. технологии,возделывание риса,формируется синтаризм – религия существующая только в Японии.Необходимость обожествлять каждый конкретный массив. Ками – японские божества, Синто – путь к Ками для человека.Некоторые божества очень популярны,Богиня восхвалния Солнца Аматерасу(богиня плодородия). Гармоническое целое – богиня двойник Аматерасу, богиня луны – Цукиёми,Божество воды и бури – Сусаноо.Сначала богов не изображали вообще (это природные объекты) позднее в изобразительных формах – человек (антропоморфное)был – в человеческом обличие. Мифология сформироалась поздно,сказки на основе мифов. В 1тыс. д.н.э. – погребальный культ: Ханивы – особый тип захоронения 9глиняный круг) из кувшинов глиняный круг вокруг кургана, в центре размещали сосуды напоминающие людей,животных, домашн. утварь. Крупное захоронение – Ханивы – императора Никтоку 5 в. н.э. Вплоть до 6 века медленное развитие Японии.В 6 веке формируется представление о едином государстве, создание столицы. Первый этап – период Осуко-Кира (6 в. до сер. 8 в., помимо ентральной власти – проникновение буддизма, постройки Китайского типа,сильное влияние Китая. В конце 8 в. – создается собственная система культуры. Столица Хэйан, период Хэйан – Кё – самый плодотворный период;осознание национ-го иск-ва,нац-ой культуры,приоритетов.Род Фудзиваров правят 2 века, влиятельный род,осуществлялась нац-ая политика в области культуры; школы на японском языке, элементы японской мифологии, истории. Трансформирование буддизма – распадается на течения, где элементы буддизма сочетаются с традиционными учениями Японии. Учение Дзек –буддизм возникает.

19. Художественно-эстетические особ-ти древнеяпонской литературы и изобразительного искусства. Развитие Японской литературы, сборники, антологии, зарождается национальная культура литературы. Политическая форма «такка» 5стишие,белый стих > гармония между природой и человеком. К 10 веку формируется проза, повесть «о принце Бидзи» - Мурасака Сикиба, эталон Др. Японской литературы. Развитие клипской графики. Во 2 пол. 12 в. – смена власти, военный правитель – государственное управление и военноначальник – Сёгунаф, Период Камакура – Муромати, формировал сословие аусИ (от кодекса Бусидо (Самураи)), новый социальный слой военное сословие, государственная служба в государстве. Высокая степень ответственности за поступок (харакири – вспаривание горла). Юкио Мисима в 20в. пытался создать самурайскую армию,осущ-ть восстание, закончилось поражением. Период средней вековой культуры: литература эпопея, бука (новая жанровая форма) – много героических историй о самураях + фольклорные элементы японского творчества. Философия Озен – постижение ничто (пустота) влияние на разные виды искусства. Поэтическая форма – хайка (хокку) – 3стишие, не рефмованные стихи.осмысление философских аспектов аспектов мира. Главная тема японской поэзии – тема перемен,вечного движения. Хокку и танка – рождают ощущение спокойствия и уровновешенности. Живопись 7 в.,когда появилась бумага,тушь,краска.Живопсь проста и безискуссна.первые произведения из храма Хорюззи, на черном фоне – желт. и зелен. краской. По мере развития буддизма увелич-ся живопись – культовые изображения созд-ся сразу несколькими мастерами. С 8 в. – жанровая и пейзажная живопись. «Ширма» - («женщина с птичьими перьями»). В 9 в. – множество буддистких сект. Интерес к изображению Мадонны (алтарь). Изображена на шёлке, золотистыми и серебряными красками. Долгое время под влиянием китайской живописи «кара – э»; дальше собственный японский стиль ямато-э (период Хэйан) сугубо религиозное содержание, контуры > фальгой. 11-12 в. портрет. В период Камакура, живопись произведений в форме свитка (и рисунок и иероглифы) с самурайскими сюжетами, в 15 в. – монохромная техника, с конца 16 в. – фреска и картины на складных ширмах. Оскоративное панно – на золотой фальге – Оами –э; к 16 в. – живописные школы – признак высокого художест-го развития. Особенности японского сада (нецке, икебана, традиция бон-сай).

20.Особенности крито-микенской художественной культуры. Основным центром этой культуры был остров Крит и г. Микены. Критская культура(2тыс. – 400г. До н.э.). Открыта она была в 19-20 веках. До этого считалось, что это миф. Английский археолог Артур Эвенс, котор организовал экспедицию в город Киос, руководствуясь сведениями о лабиринте царя Миноса. Она заканчивается удачей, были обнаружены фрагменты громадного дворца, сохранились некоторые части. Построен он был из камня и исп. Кедр. Конструкция действительно напоминает лабиринт. Были обнаружены колонны – ирроциональные колонны – они имели основание, саму колонну и верхняя декоративная часть – капитель. А вот критские колонны были перевернуты и к низу сужались. Был реконструирован главный коридор, где сохранились фрагменты фресок, котор показывали торжественную процессию(каридор процессий). Дворец был снабжен лоджиями, террасами, залы для приемы и пиршеств. Ко дворцу примыкала лестница, котор напоминала амфетеатр. В одном из помещений был обнаружен каменный трон, фаянсовые коровы, воплощение критской богини со змеями. На территории дворца были найдены несколько внутренних двориков, где высаживались ритуальные растения. Вообще растения играли важную роль. Были найдены изображения лилий, нарциссов. Исп. Морские образы – раковины, звезды, рыбы. Символ крита- лабрис – это двойная ритуальная секира(топор с лезвиями с двух сторон) Букрания – это изображение бычьей головы или рога. Таврокотапсия – это ритуальный бой с быком.Это тема победы жизни над смертью.Эпифания – это сюжет внезапного появлении критской богини. Богиня сидит под деревом, сбоку дерева 6ть львиных голов, выше дерева изображена еще одна фигура критской богини меньшей по размеру. Этот сюжет обозначал смену времен года. Хорошо развивается живопись, архитектура, прикладное искусство. Керамика: 1. Большие напольные сосуды, где хранилась вода с добавлением вина – кратер(1м50см) 2.пифас – он не имел устойчивого основания, где хранили оливки, зерно. 3. Амфора – узкогорный сосуд с двумя ручками.4. ойнохой – обычный кувшин.5.лекиф – сосуд для масла.6.килик – сосуд как бокал из мартини на ножке с двумя плоскими ручками по бокам. Эгейская культура – это островная культура. Остров Фера, на котор обнаружили здания с хорошо сохранившимися фресками. Этот остров ушел под воду. Еще один город это Микены – один из самых богатых городов. Писменность исп. Очень развита была архитектура. Было принято создавать Акрополи – возвышенная часть города, где располагается самое важное место города. Мегарон – это дворец прямоугольной формы, где все помещения следовали одно за др. Потолки украшались яркими орнаментами, изображающими звездное небо. Пол – отшлефованные плиты в шахматном порядке. Стены – фресками. Циклопическая кладка – исп грубых камней большого размера, котор плотно прикладывались друг к другу без раствора. Исп для ворот при входе. В нескольких захоронениях – торосы – погребальные холмы. Здесь обнаружено очень много золота. На лицо война накладывалась золотая маска.

21.Характеристика основных периодов истории искусства Древней Греции. В культуре Др. Греции выделяют:1.архаический период.2.классический период.3.элинический. Архаический период(8-6века до н.э.). Этот период был очень важен для становления Греческой культуры. Связана она с развитием демократических традиций с высокой значимостью образования в культуре и ценностью личности.

Греческая культура в архаический период переживала бурные изменения. В к. этого периода формируется тот тип устройства гос-ва, котор определил специфику Греческой культуры – Полис. Начинают устраиваться Олимпийские игры. Они показали приверженность Др.Греков к состязанию, игре. Подчеркивался коллективный дух,огромное внимание уделялось телесной красоте, стремление к гармонии внешней и внутренней. Рождается Греческая мифология и оформляется в мифологическую систему. Особенности Греческой мифологии: 1.антропоморфизм – боги похожи на людей. Одна из ф-ций котор выполняют боги – это защита городов. Гера - покровительница города Самоса и Аргоса. Зевс – Олимпии. Афина – Афин. Храм Аполона в Дельфе – это целый комплекс построек(храм, сокровищница от разных городов, театр,место для публ собраний и выступлений). Греческий храм не предназначался для проведения обряда, там хранилаись статуи божеств.Внутренняя часть не предназначалась для людей.Это место для жрицов. Исп кариотиды – большие женские скульптуры, вместо колон.Они держали карнизы на головах. Атланты – это мужские статуи, имели фигуры атлетов и держали на руках.

Архитектура Древней Греции. Классический период. Великолепные архитектурные сооружения появляются в эпоху классики, в период расцвета экономической и культурной жизни в Греции. Было воздвигнуто много храмов с богатыми скульптурными украшениями. Как правило, храмы посвящались божествам, но в то же время воплощали гражданские и патриотические идеи, выражающие мощь греческого полиса. Интерьер культовых зданий отличался строгостью: ордер, гладкие поверхности мраморных стен, немногочисленная круглая пластика и рельефы Гордостью греческой архитектуры является Афинский Акрополь (ил.34), сооруженный под руководством скульптора Фидия - друга Перикла (ок. 490-429 гг. до н.э., афинский правитель, вождь демократической группировки). В течение третей четверти 5 в. до н.э. были возведены беломраморные здания: Парфенон, Пропилеи, Храм Ники Аптерос, во время Пелопонесской войны здание Эрехтейона. Оценить мастерскую планировку древних зодчих можно, представляя движение торжественной процессии во время общественных праздников.

Поднимавшиеся на Акрополь проходили Пропилеи - входные ворота (437-432 гг. до н.э., архитектор Мнесикл; в двух пристройках - крыльях находились библиотека и пинакотека - картинная галерея), перед ними открывалась широкая панорама центральной части комплекса, в отдалении, направо, на самом высоком месте Акрополя возвышался величественный храм Парфенон, посвященный Афине Парфенос (Афине-деве). Левее, на первом плане, можно было видеть гигантскую статую Афины Промахос (Афины-воительницы), созданную Фидием. За ней виднелся храм Эрехтейон, а к правому, меньшему, крылу Пропилей примыкал храм Ники Аптерос (Бескрылой Победы). Храм Ники Аптерос был построен архитектором Калликратом (449-420 гг. до н.э.). Размеры его малы, но храм монументален, а ионические колонны придают ему черты изящества. Он первым встречал праздничную процессию.

Парфенон - храм Афины, богини Мудрости и покровительницы Афин (447-438 гг. до н.э., ил.35), построен в честь победы в греко-персидских войнах архитекторами Иктином и Калликратом, скульптуру выполняли Фидий и его помощники. Парфенон - совершеннейшее создание греческой классической архитектуры и одно из высочайших достижений в истории зодчества вообще, так как он гармоничен и пропорционален, прекрасно соотнесен с размерами акропольского холма и с размерами человека. Парфенон представляет собой дорический периптер с 8-ю колоннами на коротких и 17-ю на длинных сторонах. Но он органически включает и элементы ионического ордера. Раскраска подчеркивала конструктивные детали здания и образовывала фон для скульптур. Величавой ясности и строгой гармонии Парфенона словно противостоит изящество и свобода конструкции Эрехтейона (421-406 гг. до н.э., ил.36), построенного архитекторами Архилохом и Филоклом в честь Афины, Посейдона и легендарного царя Эрехтея (отсюда его название - Эрехтейон). Это несимметричный храм, состоящий из четырех частей: две целлы Афины и Посейдона и два разных портика (малый - портик кариатид; портик - галерея на колоннах или столбах перед входом в здание), выполнен в ионическом стиле. Такая планировка учитывает неровность почвы. Живописный по формам Эрехтейон прокладывает пути к архитектуре позднего времени.

В 4 в. до н.э. в архитектуре появляются особенности - более чем обычно приобретают декоративные начала. Сравнительно часто теперь встречается самый сложный и изысканный из греческих архитектурных стилей - коринфский, близкий к ионическому и отличающийся от него еще большей стройностью, вытянутостью и легкостью колонн, увенчанных пышной корзинообразной капителью из растительного орнамента - листьев аканфа (аканта). Появляются новые композиционные приемы и ряд круглых сооружений. Впервые уделяется большое внимание строительству зрелищных сооружений - театров, которые строились теперь из камня. До нашего времени хорошо сохранился театр на 25 тыс. зрителей, построенный архитектором Поликлетом Младшим. Театр включает 3 составные части: "скену" - место для игры актеров, "орхестру" - место для хора, "театрон" - место для зрителей. Появляются мемориальные сооружения в честь битв и побед.Архитектура Древней Греции. Эллинистический период.

В эпоху эллинизма архитектура и монументальная пластика (скульптура) тяготели к колоссальным масштабам, многофигурным группам, огромным рельефным композициям. В это время много строилось общественных сооружений: эклезиастерии - здания народных собраний, булевтерии - здания городских советов, пританеи - городские канцелярии, базилики - торговые и судебные здания, гимнасии - школьные здания, палестры - спортивные школы, стадионы, театры, библиотеки, бани, а также дворцовые постройки в столицах. В архитектуре распространились здания с перистильными дворами (внутри здания, окруженные колоннами). Храмовая архитектура была похожа на архитектуру предыдущего периода (классическую).

Среди архитектурных комплексов одного из центров эллинистической культуры города Пергама наиболее знаменит прославленный алтарь Зевса (около 180 г. до н.э., ил.37). На первом ярусе (подиум 9-ти метровой высоты) развернут грандиозный скульптурный горельефный фриз (гигантомахия - борьба гигантов и богов). На западной стороне лестница ведет на второй ярус к жертвеннику. Верхняя площадка ограничивается со всех сторон ионической колоннадой. Этот памятник - образец органического синтеза архитектуры, пластики и цвета. Скульптурный фриз на цоколе - это заимствование из искусства Двуречья (ассирийские дворцы). В эллинистическое время много строили по архитектурным трактатам, где были канонизированы некоторые пропорции зданий. Массовое строительство сказывалось на снижении технического уровня, поэтому эллинистические постройки плохо сохранились.

Эллинистическая архитектура имела исключительное значение для архитектуры Древнего Рима и многочисленных восточных государств, существовавших в более позднее время.

22. Ордерная система Древней Греции. Особенности архитектуры. Формируется Дорический ордер(ордер-система норм и правил,требующих от строителей соблюдения опрел-ых условий. В классич-ой дорическая система дополнена ионическим орером. Эмминизм – Корифский ордер. При строительстве не смешивали ордеры друг с другом.При строительстве колизен композиционный ордер и еще 3 ордера) отражение норм, растространяется не только на архитектуру,но и на всю культуру в целом.Дорический ордер-идеи монументальности,геометрически упрощенные формы, не совершенноство художников компенсировалось в Дорической системе принципами гармонии,симметричности,практической целесообразности,надежности архитектурной конструкции. Колонны более широки,основание шире верхней части,простая база.Огромное внимание капители. Конелюр – желобки по колонне, обычно 20;эффект уточнения колонны и движения ввысь. Гармонизация в Ионическом ордере – декоративной и конструктивной стороной, выстраивались в соответствии с хорошо проработанными эстетическими принципами.Нет ассиметричных зданий – пропорция в конструкциях.Ионическая колонна: валюта на капители + конелюры. Индивидуальное восприятие, больше декоративное начало колонны. Колонна с резко увеличенным капителием. Украшение листьями, элементы валюты, как маленький элемент общего декора. Дорический, Ионический системы ордеров проявляются в строительстве, формирование основного типа храма. В др. греческой архитектуре центральное место периптер – прямоугольный храм, украшенный рядом колонн по периметру. Ели колонны спарены – диптер. Греческий храм ассоциируется с кораблем, их строили на платформе в наивысшей части, (акрополь). Афинскийакрополь – храм парфенон с типом периметра. Создавался образ храма – корабля, порящего в воздухе. Элементы паруса в храме – фронтон. В храме – статуя божества, жили жрецы, прорицатели. Массовое общение – вне стен храма. Внешнее убранство – главное устройство греческого храма. Элементы: несущие части храма (опора); несомые части(образ сооружения храма). несущие – фундамент; видимое основание – стереобат (промежуточная конструкция) сверху стилобат – на него устанавливались колонны. Несомые: Антоблимент имел 3 части, 1 – архитрав – гладкая балка за колонной, декоративная балка 2 – фриз м.б. выступающей, украшалась рельефами. Элементы: триглифы, метопы – прямоугольные плиточки выступающие над поверхностью. Над фризом – карниз. Используется мраморная плитка, черепица.Двускатная крыша образует 2 треугольника – фронтон, изображение образа чему соответствует храм, изображение рельефа. Акротерий – фигуры по углам фронтона.

23. Древнегреческая скульптура. Скульптурные сооружения создвались для оценки другими людьми. Кора – это скульптурная форма, изображающая женщину в легких одеждах, мягко струящихся. Не имеет портретного проявления. Первые Коры изображаются достаточно примитивно, изготовляются из дерева и явл полихромными. Курос – это мужская статуя. Обнаженные атлетические фигуры мужчин, в них еще больше подчеркивается телесная красота. В период классики появл скульптуры со своими особенностями. Вся греческая культура была авторской. Мирон, Поликлет, Фидий. В скульптурах этих мастеров показывается гармония. Внутреннего и внешного. У Мирона статуя «Дискобол» - подчеркивается отлитическая красота, мужская стойкость. «Афина и Масей» - здесь автор пытается рассказать историю. Мирон пытается показать столкновение строгости и красоты со спонтанностью. Эти статуи полны чувства. Поликлет часто обращается к изображению мужской доблести(воины, атлеты): «Дорифор»-могучий воин с копьем; «Деадумен»-это стройный юноша, котор выиграл в соревнованиях и он увенчивает себя повязкой победителя. Фидий работает с крупными формами. Это храмовые статуи. Сначала статуя изготавливалась из дерева, затем покрывались слоновой костью, а потом еще и золотыми пластинами. В 4веке до н.э. многие элементы утрачиваются и скульптура начинает трансформироваться. Но привносится больше чувственности. Развиваются гедонестические теории(Прокситий, Лесип). Прокситий – статуя Афродиты.

24.Древнегреческий театр. Древнегреческий театр рождается в процессе народных праздников – Дионисий, в честь бога Диониса-бога вина, в честь завершения с/х работ. Длились иногда несколько недель. И обязательным элементом были театролизованные сценки. Были сценки, котор создавались импровизированно и участвовать мог любой человек – комедия(«комес» - подвыпившая толпа). Драмы имели сюжет и подготавливались людьми, котор изх показывали. Изображались боги, сцены из из жизни. Чтобы эти люди отличались от толпы на них одевали шкуры. Этих людей называли – сатиры. Отсюда трагедия(песня козлов). Т.е изначально театр был сезонным. Представления устраивали у подножья горы, чтобы люди могли наблюдать. Сцены не было. Это слово происходит от «схена» - будка, в котор происходит переодевание. Актеры носили специальную обувь в виде платформы к сандалиям(15-20см) – катурны. Но они не были видны, т.к актер одевал длинные одежды. Исп маски,т.к показать мимику было не возможн, на них были изображены: ярость,грусть, радость. И отличались они также по цвету. Играли в театре мужчины. И женщин изображали также мужчины. При Эсхиле появл дополнительный актер , их становится двое. И приобретает диалоговую форму. А при Сафокле – уже трое. Но что оставалось неизменным,так это – хор. Еврепид – писал трагедии на мифологические сюжеты, заканчивались гибелью героев, котор вытупали против устоев. Комедии в основном писались на повседневные мотивы. Аристофан пишет политические комедии, конфликты межличностные и гендерные.

25. Прикладное искусство Древней Греции. Прикладное творчество, особенно было активно для искусства вазописи. Греческие вазы считались ценностью. На них ставились два имени:кто создал вазу и кто ее расписал. Стили вазописи характеризуют этапы искусства: 1. Ковровый – узор характерен для вочтоных ковров. Арнамент дублируется. Исп несколько видов красок. Но он мало ценился, т.к не давал представления о человеке.2.черно-фигурный.3.красно-фигурный. Основным элементом изображения явл человек в повседневной деятельности, каких-то исторических событий, или сюжеты мифов, котор мало отличались от жизни повседневной. Отличие: черно-фигурный после покрытия остается красный фон. Красно-фигурный – сначало пишется контур и черным покрывается фон, а фиуры оставались красными. Вручались на соревнованиях. Кратер – это очень дорогие вазы, расписанные рукой мастера, явл декоративным элементом.

27. Сходства и различия в древнегреческом и древнеримском искусствах. Искусство др. Рима, как и др. Греции, развивалось в рамках рабовладельческого общества.Искусство Рима считают завершением художественного творчества античного общества. Правомерно утверждать, что, хотя древнеримские мастера продолжали традиции эллинских, все же искусство древнего Рима - явление самостоятельное.В произведениях др. римлян, в отличие от греков, преобладали символика и аллегория. Соответ-но пластические образы эллионов уступили у римлян место живописным. Римский мастер в отличие от греческого, видевшего реальность в ее пластическом единстве, больше склонялся к анализированию, расчленению целого на части, детальному изображению явления. В древнем Риме скульптура ограничивалась преимущественно историческим рельефом и портретом, зато получили развитие изобразительные искусства с иллюзорной трактовкой объемов и форм-фреска, мозаика, станковая живопись, слабо распространенные у греков. Архитектура достигла небывалых успехов. Новым было у римлян и их понимание взаимосвязи художественной формы и пространства. В римской архитектуре, поражающей обычно своими ансамблевыми размахами, предпочтение отдавалось замкнутым формам. Зодчие любили псевдоперипетры с колоннадой, наполовину утопленной в стену. Если древнегреческие площади всегда были открыты пространству, подобно Агоре в Афинах или других эллинистических городах, то римские либо обносились, как форумы Августа или Нервы, высокими стенами, либо устраивались в низинах.Тот же принцип проявлялся и в скульптуре. Пластичные формы греческих атлетов всегда представлены открыто. Образы, подобные молящемуся римлянину, набросившему на голову край одеяния, большей частью заключены в себе, сосредоточены. Римские мастера в скульптурных портретах концентрировали внимание на личных, индивидуальных особенностях человека.Система римских архитектурно-пластических образов глубоко противоречива. Компактность форм в них только кажущаяся, искусственная, вызванная, видимо, подражанием классическим образцам эллинов. Отношение римлян к форме, объему, пространству совершенно иное, нежели у греков, основанное на принципе прорыва границ и рамок, на эксцентрической, а не концентрической динамике художественного мышления. В этом смысле римское искусство- качественно новый этап эстетического освоения человеком реальности. Тяготение римских художников к классическим эллинским формам, вызывающее ощущение двойственности римских памятников, воспринимается сейчас как проявление своего рода реакции на заявлявшие о себе новшества. Осознанная римлянами утрата цельности художественных форм нередко заставляла их создавать постройки громадные по размерам, порой грандиозные, чтобы хоть этим восполнить противоречивость или ограниченность образов. Возможно, именно в связи с этим римские храмы, форумы, а нередко и скульптурные произведения значительно превосходили размерами древнегреческие.Важный фактор, воздействовавший на характер древнеримского искусства,-- огромное пространство его поля действия. Динамичность и постоянное расширение территориальных рамок древнеримского искусства со включением в его сферу уже в V веке до н.э. этрусских, италийских, галльских, египетских и других форм, с особенным значением греческих,-не может быть объяснено только свойствами римского художественного потенциала. Это процесс, связанный с развитием общеевропейского искусства, в котором римское начало играть роль особенную--интерпретатора и хранителя художественного наследия античной эпохи при одновременном выявлении собственно своих римских принципов. V век до н. э.—время расцвета драматического искусства в Греции. Важнейшими драматическими жанрами были трагедия, сюжетами которой служили мифы о богах и героях, и комедия, чаще всего политическая. В отличие от современного театра в Греции не было постоянных трупп, да и профессиональные актеры появились не сразу. Первоначально играли, пели и танцевали сами граждане. Для каждой постановки готовились костюмы, маски и очень простые декорации. Финансирование и организация театрального представления были одной из обязанностей (литургий) наиболее богатых граждан (так называемая хорегия): театр был государственным институтом. Древнегреческий театр, особенно афинский, был тесно связан с жизнью полиса, будучи по существу вторым народным собранием, где обсуждались самые животрепещущие вопросы.Конец римского искусства формально и условно может быть определен падением Империи. Вопрос же о времени возникновения римского искусства-весьма спорный. Распространение на территории Апеннинского полуострова в I тысячелетии до н.э. высокохудожественных произведений этрусков и греков способствовало тому, что только начинавшее формироваться римское искусство оказывалось незаметным. Ведь долгое время, c VIII до VI в.в. до н.э., Рим был небольшим поселением среди множества других италийских, этрусских и греческих городов и поселений. Однако даже из этого отдаленного прошлого, куда уходят истоки римского искусства, сохраняются фибулы с латинскими именами, цисты и такие монументальные бронзовые изваяния, как Капитолийская волчица. Периодизация римского искусства--одна из самых сложных проблем его истории. В отличие от принятой и широко распространенной периодизации древнегреческого искусства, обозначающей годы становления архаикой, время расцвета- классикой и кризисные века--эллинизмом, историки древнеримского искусства, как правило, связывали его развитие лишь со сменами императорских династий.Если наметить основные этапы истории древнеримского искусства, то в общих чертах их можно представить так. Древнейшая (VII - V вв. до н.э.) и республиканская эпохи (Vв.дон.э.-Iв.дон.э.)-- период становления римского искусства В VIII-Vвв.дон.э. римское искусство еще не могло соперничать не только с развитым художественным творчеством этруссков и греков, но, очевидно, и с достаточно отчетливо заявлявшей о себе художественной деятельностью италиков. Расцвет римского искусства приходится на I -II вв. н.э. В рамках этого этапа стилистические особенности памятников позволяют различить: ранний период- время Августа, первый период- годы правления Юлиев-Клавдиев и Флавиев, второй- время Траяна, поздний период- время позднего Адриана и последних Антонионов.Можно сделать вывод, что древнеримская и древнегреческая цивилизации очень сходны друг с другом. В некоторых случаях их культуры даже можно рассматривать как одну общую греко-римскую культуру. Развиваясь под влиянием ранней цивилизации культура античности внесла огромный вклад в развитие мировой культуры. Дошедшие до нас памятники архитектуры и скульптуры, шедевры живописи и поэзии, являются свидетельством высокого уровня развития культуры. Они имеют значение не только как произведения искусства, но и социально-нравственное значение.Скорее всего, греческая культура оказала большее влияние на развитие римской за счет того, что она развивалась в более ранний период времени, а римская культура как бы наследовала её черты, она являлась их логическим развитием и конечно добавляла к ней множество новых признаков и особенностей. Поэтому рассматривая римскую культуру можно часто говорить, что описанные её особенности присущи и греческой культуре. В целом же культура античности явилась основой для дальнейшего развития мировой культуры.

28.Художественная культура этрусков и их влияние на культуру Др. Рима. Культура этрусков свидетельствует об их значительной художественной одаренности. Искусство их самобытно, хотя в нем можно выделить следы малоазийских, позднее греческих влияний. Ему свойственно стремление к реализму, столь заметное в росписях гробниц этрусской знати. Этрусские художники не заботятся о передаче деталей, но уделяют все внимание наиболее существенным чертам изображаемого. Если римский портрет достиг небывалого прежде художественного совершенства, то этим он был обязан усвоению римскими мастерами этрусского наследия. Так называемый ложный купол (постепенно сходящиеся внутри ряды каменных балок или кирпичей) применялся в архитектуре уже в минойский и микенский периоды, но только этруски начали возводить своды из клиновидных балок, создав таким образом купол в собственном смысле слова. Наибольшее количество сохранившихся памятников этрусского искусства относится к 6 - началу 5 в. до н. э. В это время Этрурия испытывала сильное воздействие греческой культуры, и в этот же период этрусское искусство переживало свой расцвет. Росписи этрусских гробниц 6-5 вв. при обычной для них плоскостности изображения, силуэтном характере фигур и других чертах условности все же обладают своеобразной жизненной убедительностью, пониманием выразительного движения, чувством композиционной связи. Обнаженные или одетые в красочные костюмы человеческие фигуры даны в теплых звучных тонах - желтых, коричневых, красных, обогащенных пятнами зеленого и голубого; будучи контрастно сопоставлены друг с другом и объединены в общую композицию, они производят сильный декоративный эффект. Роспись применялась также и в наружном убранстве зданий. Важное место в этрусском искусстве занимала скульптура, расцвет которой относится к 6 в. до н. э. Наиболее известным этрусским скульптором был работавший в Веях мастер Вулка; ему принадлежит монументальная терракотовая статуя Аполлона из Вей. Статуя, по-видимому, была частью помещенной над фронтоном храма скульптурной группы, изображавшей спор Аполлона с Гераклом из-за лани. При несомненной близости к греческим статуям эпохи архаики (условностью постановки фигуры и пластической моделировки, архаической улыбкой) Аполлону из Вей присущи и черты своеобразия - меньшая скованность, более энергичное, хотя и условное движение, более яркая эмоциональная окраска образа; сильнее, нежели в греческой скульптуре, в этрусской статуе выражена тяга к отвлеченной орнаментальности. Важное место в этрусской скульптуре принадлежит портрету. Зарождение Этрусского портрета уходит далеко вглубь веков и связано с погребальным культом. На крышке погребальной урны обычно помещалось портретное изображение умершего. В 6 в. до н. э. обработка бронзы в Этрурии достигла уже большого совершенства: употреблялось литье, последующая чеканка, гравировка, выполнялись статуи крупных размеров. Одним из таких произведений 6 в. до н. э. является знаменитая статуя Капитолийской волчицы. Волчица изображена кормящей Ромула и Рема. В этой скульптуре зрителя поражает не только наблюдательность в воспроизведении натуры (с большой точностью переданы постановка фигуры, - напряженно вытянутая вперед морда, оскаленная пасть, проступающие сквозь кожу ребра), но и умение художника усилить все эти детали и объединить их в единое целое - образ хищного зверя. Недаром статуя Капитолийской волчицы в последующие эпохи воспринималась как яркий символ сурового и жестокого Рима. Некоторые черты, свойственные скульптуре архаического периода, например несколько упрощенные контуры статуи, орнаментализированная трактовка шерсти не нарушают в данном случае общего реалистического характера скульптуры. Ремесленники Этрурии славились своими работами из золота, бронзы и глины. Этрусские гончары применяли особую технику так называемого буккеронеро (черной земли): глина прокапчивалась, приобретая при этом черный цвет. После формовки и обжига изделие подвергалось лощению (полировке трением). Эта техника была вызвана стремлением придать глиняным сосудам сходство с более дорогими металлическими сосудами. Стенки их обычно украшались рельефными изображениями, а на крышках иногда помещали петуха или другие фигуры. Период 5-4 вв. до н. э. в Этрурии был временем экономического застоя. Искусство этого периода также переживало застой - оно как бы остановилось на ступени архаики. Но именно в это время народы Италии-этруски, самниты, римляне, оски и другие - приходят в особенно тесное соприкосновение с греками, в первую очередь с теми, которые населяли Великую Грецию. Новый подъем этрусское искусство переживает в 3-2 вв. до н. э., однако под воздействием греческого этрусское искусство в этот период теряет в значительной степени своеобразие. Произведения этрусской живописи 3-2 вв. примыкают к эллинистическим образцам. В скульптуре образы нередко получают особенно обостренную экспрессию. Портретная фигура знатного этруска на крышке урны удивительна резким контрастом торжественной репрезентативности позы, возлежащего на ложе с чашей для возлияния в руке, и его почти гротескно комической внешности. Ряд других изображений на погребальных урнах отличается грубой утрировкой. Бронзовые изделия этрусских ремесленников этого времени - зеркала, украшенные гравировкой, чаши, кубки, цисты для хранения свитков - по-прежнему отличаются высоким уровнем художественного ремесла. К концу эпохи эллинизма, когда самостоятельности Этрурии был положен конец, этрусское искусство следует уже рассматривать вместе с римским искусством. Согласно преданию, этрусская династия Тарквиниев правила в 616-509 гг. в Риме. Этруски особенно сильное влияние оказали на римлян, для которых они были образцом в прикладных искусствах и строительном деле. От них римляне переняли ряд особенностей политической организации, структуру и вооружение армии, инсигнации (знаки власти) государственных лиц. Этрусская религия и мифология оказали влияние на римскую религию и мифологию. Историк Тит Ливии прямо сообщает, что римляне заимствовали это у этрусков. Заметим, кстати, что там же, в Этрурии, впервые начали пользоваться такими эмблемами патрицианского достоинства, как золотой шарик, который носили на шее, и тога с пурпурной каймой. От этрусков взяли римляне и обычай пышно справлять воинские триумфы, ведь этруски видели в победоносном полководце воплощение своего высшего божества: подобно этому божеству - богу неба Тину, победитель в золотой диадеме, с жезлом из эбенового дерева, в пурпурной тунике, расшитой изображениями пальм, въезжал на золотой колеснице в святилище. Близок к этрусскому культу границ города римский культ бога Термина. У римлян существовал бог Термин, который был покровителем пограничной межи, пограничных камней между земельными участками, а также границ города и государства. Этрускам законы межевания, по преданию, были дарованы нимфой Вегойей и эти законы считались священной основой Этрурии. Поэтому есть все основания полагать, что священные обряды римлян, связанные с богом Термином, были ими заимствованы у этрусков, тем более, что культ бога Термина и священные церемонии с ним связанные, были введены в Риме царем Нумой Помпилием, который был одним из первых царей Рима и хотя был сабином, но скорее всего, был знаком с этрусскими религиозными обычаями и обрядами.

30. Скульптура, архитектура и живопись римской античности. В недрах античной культуры параллельно с эллинизмом развивается культура Рима. Сначала Рим являлся небольшой олигархической республикой на берегах Тибра, а затем завоевал Италию и огромную территорию, простирающуюся по всему Средиземноморью. Падение Карфагена, по свидетельству историков, явилось переломным событием в истории античного мира - с этого момента Греция пала перед Римом. Однако, как писал Гораций, плененная Греция сумела победить своего «некультурного победителя». Если в области материальной культуры Рим шагнул намного дальше Греции, то в духовной сфере он не смог превзойти ее великую духовную культуру и «смиренно преклонил» перед ней свои колени.

Античные греческие каноны искусства были не просто механически усвоены Римом, но творчески им переработаны. Трудно представить себе римскую культуру без греческой - она впиталась в его плоть и кровь. Собственные художественные традиции Рима заметно уступали греческим. Римская мифология ассимилировала греческую и дала божествам другие имена: греческий Зевс становится у римлян Юпитером, Афродита - Венерой, Арес - Марсом и т. д.

Пластические искусства римлян во многом также копируют греческие образцы, но на свой лад - в скульптурах больше внешней эффектности, чем подлинного величия, что в конечном итоге явилось отражением общественно-политической жизни властного Рима с его культом силы. Римские императоры нередко изображались в образе богов, что свидетельствовало о заимствовании также и египетских традиций. Однако со временем кризис Римской империи и власти привел к кризису в искусстве.

В то же время римское искусство подарило миру и свои шедевры. Безусловным явлением в художественной жизни эпохи Рима явились знаменитые фаюмские портреты (I – IV вв. н.э.), найденные в некрополях Фаюма, входившего в состав огромной Римской империи. Фаюмские портреты являются самыми ранними образцами станкового портрета в мировой живописи. Они были открыты сравнительно недавно – в 80-е годы XIX в. Написанные на небольших деревянных дощечках, портреты прекрасно сохранились, о чем свидетельствует их коллекция в ГМИИ им. А. С. Пушкина. Подобно предшествовавшим им древнеегипетским погребальным маскам, фаюмские портреты носили преимущественно ритуальный характер. Однако если маски передавали условный образ портретируемого лица, то фаюмским портретам были свойственны черты индивидуальности, в них присутствовали также характерные этнические особенности. Пожалуй, ни одна из предшествовавших великих культур не смогла в столь реалистичной форме передать человеческий облик.

Фаюмские портреты, по-видимому, оказали влияние на развитие знаменитого римского портрета. В римских портретах не только натуралистически точно передаются черты внешнего облика известных римских императоров, но и психологические особенности их личности. Нередко за мужественными чертами лица римлян (волевым подбородком, жесткими складками у рта, массивным носом, внушительными надбровными дугами) угадывается усталость и внутренний надлом (например, бюст «Филипп Аравитянин» сер. III в. н.э.). Образ в римском скульптурном портрете заметно отличается от греческого своей индивидуальностью и интересом к внутренней жизни человека (напомним, что у греков он носил обобщенный характер и им был важен не столько портрет, сколько композиционное пластическое решение фигуры в целом, ее позы, жестов). Да и возраст портретируемого в Риме заметно возмужал по сравнению с юными греческими героями. Перед нами взрослые мужи - императоры, завоеватели народов с сильным и волевым характером, вкусившие радость побед и горечь разочарований и уже пресыщенные властью. Наступившая агония рабовладельческого строя предвещала начало конца великой Римской империи. Поэтому в пластическом искусстве этого периода отразилась нарочито подчеркнутая важность позы и театральность жестов императоров, стремящихся любыми способами удержать власть (например, статуя Августа конца I в. до н.э., театрально простирающего руку к войскам).

Необходимость поддержания престижа власти отразилась не только в пластическом искусстве, но также и в архитектуре. Помимо портретного искусства, Рим был знаменит своим зодчеством. Конечно, римская архитектура не может сравниться с греческой ни своим обаянием, ни совершенством и гармонией форм, но она значительно превзошла ее своей инженерно-строительной техникой. При строительстве храмов греки пользовались сравнительно простой балочной конструкцией, в то время как в Риме появляется конструкция сводов, заметно повлиявшая на развитие всей мировой архитектуры в более позднее время. Прежде всего это знаменитый тип базилики со сводчатым перекрытием, который в средние века становится столь распространенным и используется при строительстве христианских крестово-купольных церквей. Но первоначально тип базилики использовался в Риме в качестве светского сооружения преимущественно при строительстве многоярусных каменных мостов, триумфальных арок, которые стали воздвигать в честь военных побед. К I—II вв. н.э. относят строительство знаменитого Колизея, построенного в виде амфитеатра и вмещающего десятки тысяч зрителей, а также Пантеона - «храма всех богов», представляющего внушительных размеров купольную ротонду. В Пантеоне впервые зодчие сосредоточили внимание не столько на внешнем виде храма, сколько на его внутреннем убранстве.

Римскую архитектуру заметно отличало от греческой разнообразие форм и инженерных конструкций, применяемых при строительстве как культовых сооружений, так и светских. По свидетельству историков, в III-IV вв. н.э. Рим имел достаточно внушительный и роскошный вид благодаря разнообразным сооружениям - памятникам, дворцам, аркам, мостам.

Постепенно римское искусство, так же как и культура в целом, приходит в упадок. Античное пластическое искусство вырождается и на смену ему приходит средневековое, но именно портретное искусство долго не сдает своих позиций. Состояние кризиса в античном обществе заметно отразилось не только в искусстве, но и в философии того времени. Стоики проповедовали невозмутимость и спокойствие, покорность судьбе, отстаивали возможность самоубийства ввиду невозможности человека жить разумно и морально. Участие в общественной жизни государства допускалось, по их мнению, лишь в случае, если оно не вынуждало к безнравственным поступкам.

31. Общая характеристика катакомбной культуры. Катакомбная культура - индоевропейская археологическая культура эпохи раннего бронзового века, представляющая собой развитие ямной культуры. Была распространена в 2000-1250 гг. до н. э. в Северном Причерноморье и Нижнем Поволжье. Выделена в начале XX века В.А. Городцовым. Носителями катакомбной культуры была группа родственных племен, генетически связанных с жившими в 3000-2000 гг. до н. э. на этой же территории племенами ямной культуры. Для катакомбной культуры характерны родовые поселения и курганные могильники (погребение в подкурганных катакомбах, в скорченном положении на боку, покрытие красной краской, которая символизирует огонь). Инвентарь: глиняная посуда с орнаментом, нанесённом веревочными штампами (характер узоров позволяет включить катакомбную культуру в более широкое понятие культуры шнуровой керамики), каменное и бронзовое оружие, костяные и бронзовые украшения. Племена катакомбной культуры занимались скотоводством и земледелием, знали металлургию меди и бронзы, вели обмен с соседними племенами, особенно с племенами Кавказа, а через них были связаны с Передней Азией, Ираном, Египтом. У племен катакомбной культуры был отцовский род, возникли предпосылки для имущественной дифференциации (погребение вождей и родових старейшин отличаются более богатым инвентарем). К концу 3-й четверти 2-го тыс. до н. э. племена катакомбной культуры были вытеснены со Середней Волги племенами, которые пришли из района срубной культуры. Ряд исследователей связывают катакомбную культуру с киммерийцами.

32. Художественно-эстетические особенности византийской храмовой архитектуры.Расцвет византийского искусства раннего периода связан с укреплением могущества империи при Юстиниане. В Константинополе в это время воздвигаются великолепные дворцы и храмы. Стиль византийской архитектуры складывался постепенно, в нем органично совмещались элементы античного и восточного зодчества. Главным архитектурным сооружением был храм, так называемая базилика (греч. "царский дом"), назначение которой существенным образом отличалось от других построек. Если египетский храм предназначался для проведения жрецами торжественных церемоний и не допускал человека в святилище, а греческий и римский храмы служили местопребыванием божества, то византийские стали тем местом, где верующие собирались на богослужение, т.е. храмы были рассчитаны на пребывание в них человека.

Отныне здесь стали проводить императорские церемонии и торжественные богослужения. Впервые в нем была воплощена идея грандиозного центрического храма, увенчанного гигантским куполом, на вершине которого был изображен огромный крест, обрамленный звездным небом. Храм, расположенный в центре города, на самом высоком холме, далеко виден с Босфора. Другой шедевр византийской архитектуры - церковь св. Виталия в Равенне - поражает изысканностью и элегантностью архитектурных форм. Особую славу этому храму принесли его знаменитые мозаики не только церковного, но и светского характера, в частности изображения императора Юстиниана и императрицы Феодоры и их свиты. Лица Юстиниана и Феодоры наделены портретными чертами, цветовая гамма мозаик отличается полнокровной яркостью, теплотой и свежестью.

Мировую славу приобрели мозаики Византии. Технология мозаичного искусства известна еще с античности, но только в Византии стали впервые применять не естественные, а окрашенные минеральными красками стеклянные сплавы, так называемые смальты с тончайшей золотой поверхностью. Мастера широко использовали золотой цвет, который, с одной стороны, символизировал роскошь и богатство, а с другой, был самым ярким и сияющим из всех цветов. Большинство мозаик располагалось под разным углом наклона на вогнутой или сферической поверхности стен, а от этого только увеличивался золотой блеск неровных кубиков смальты. Он превращал плоскость стен в сплошное мерцающее пространство, еще более сверкающему благодаря свету горящих в храме свечей. Мозаичисты Византии пользовались широким красочным спектром: от нежно-голубого, зеленого и ярко синего до бледно-лилового, розового и красного различных оттенков и степени интенсивности. Изображения на стенах главным образом рассказывали об основных событиях христианской истории, земной жизни Иисуса Христа, прославляли власть императора. Особую известность приобрели мозаики церкви Сан-Витале в городе Равенне (6 в.). На боковых нефах апсиды, по обеим сторонам от окон, расположены мозаики с изображением императорской четы - Юстиниана и его жены Феодоры со свитами.

Художник помещает персонажи на нейтральном золотом фоне. Все в этой сцене исполнено торжественного величия. Обе мозаичные картины, расположенные под фигурой восседающего Христа, внушают зрителю мысль о незыблемости византийского императора. В живописи VI-VII вв. кристаллизуется специфически византийский образ, очищенный от инородных влияний. В основе его лежит опыт мастеров Востока и Запада, пришедших независимо друг от друга к созданию нового искусства, соответствующего спиритуалистическим идеалам средневекового общества. В этом искусстве появляются уже различные направления и школы. Столичная школа, например, отличалась великолепным качеством исполнения, утонченным артистизмом, живописностью и красочным разнообразием, трепетностью и переливчатостью цветов. Одним из самых совершенных произведений этой школы были мозаики в куполе церкви Успения в Никее. Церковное богослужение превратилось в Византии в своего рода пышную мистерию. В полумраке сводов византийских храмов сумеречно сияло множество свечей и лампад, озарявших таинственными отблесками золото мозаик, темные лики икон, многоцветные мраморные колоннады, великолепную драгоценную утварь. Все это должно было, по замыслу церкви, затмить в душе человека эмоциональную приподнятость античной трагедии, здоровое веселье мимов, суетные волнения цирковых ристаний и даровать ему отраду в повседневности реальной жизни.

Наиболее распространенной формой церковных построек в это время была базилика — здание удлиненной формы с полукруглым или граненым выступом в восточной части — алтарем (абсидой).

Перекрытие базилик в западных областях империи было деревянным. Восточные, в частности сирийские базилики, строились почти исключительно из камня, каменными бывали и перекрытия (для Константинополя и центров Малой Азии характерно применение кирпича или смешанной кладки.) Нефы в восточных базиликах разделялись столбами, между которыми перекидывались более широкие арки.

Постепенно все большее значение стали приобретать здания с центрическим планом. Первоначально это были усыпальницы и крещальни. Все внимание ранневизантийских зодчих сосредоточивается на оформлении внутреннего пространства; особо подчеркивается при этом наиболее священная часть храма — алтарь. Период царствования Юстиниана связан с большими строительными работами в Константинополе, Равенне и других городах империи. Венцом зодчества этого времени является константинопольская София.

Храм св. Софии в Константинополе. Внешний вид храма св. Софии с его гладкими стенами и огромными контрфорсами отличается простотой и массивностью форм. Но когда зритель входит внутрь храма, впечатление сразу же резко меняется. Перед ним развертывается грандиозное подкупольное пространство с кольцом купола, поднятым на высоту 55 метров, и диаметром, превышающим 31 метр. Благодаря гениальному расположению примыкающих к куполу полукуполов взор зрителя охватывает все это пространство целиком, и оно кажется ему, при всей своей грандиозности, необычайно легким, простым и свободным в конструкции. Ни в одном здании мира до тех пор человеческий гений не добивался столь совершенной победы над материалом.

В основу здания зодчими был положен план трехнефной базилики. Центральный неф был перекрыт куполом. Купол лежит на парусах, покоящихся на четырех громадных арках, которые опираются на столбы по углам центрального квадрата.

33.Специфика иконописи, мозаики и фресочной живописи Византии. Храмовое искусство: ранний период – золотой век императора Юстилиана 4-7 вв.; Эконоборчекий – 8-первая полов. 9 в.; Палеологовский – ренессанс – с 1261-1453 гг. Крестово – купальный храм (храм Святой Софии). Усовершенствование мозаики (цветная). Шитье,искусство стекла,ювелирное искусство (украшения или вышивка для церковного обихода),церковная утварь.не было понятие – колокольный звон. (били по деревянным дощечкам). Иконопись: Иоанн Домаскин отстаивал иконопочитание.Гл. функция образа – гносеологическая (ср-во познания человеком мира); дектотическая (научение), номеморативное ( уподобление изображаемому), декоративная (украшение), поклонная (поклонение иконе). Икона – это образ,возводящий к первообразу. Аналогическая (переход к внутр-му миру,духовное созерцание), харисматическая (освещение через иконы). Феодор Студит – разрабатывает каноны иконописи. 787Г. – 7ОЙ ВСЕЛЕНСКИЙ СОБОР СОЗВАН. Символика креста, актуализ-ся как символ спасения.Крест входит в искусство и живопись.Символика цветов в иконописи:пурпур(величие),красный(тепло,жизнь,кровь христа),белый(свет,просветление),золотой(нимбы,святость).Золото исп-ли в иконописи. Особенности: несет свет и символизирует свет. Соотношение с сверх красотой бога, символ божьей славы.Символы ангелов.Лучи солнца,серебро-луне,золото-солнце.Атрибут царского достоинства – символ чистоты, духовный свет. Сохранившиеся памятники лишь в слабой степени дают представление о живописи этого периода. Вместе с торжеством христианства как государственной религии наблюдается известное оживление античной традиции, особенно в придворном искусстве. Мозаики церкви Успения в Никее. Такая же живая античная струя пробивается и в византийском монументальном искусстве. Мозаики эти исполнены в традициях античной живописи. Влияние античности можно проследить в характере композиций и в самой живописной технике изображений. Фигуры ангелов и их лица передаются с помощью разнообразной по окраске смальты. Яркие живописные «мазки» сливаются в глазах зрителя в выразительные пластические изображения. Полное отсутствие линейных контуров, столь характерных для многих мозаик позднейшего периода, отчетливо выявленная чувственная трактовка и большая тонкость в передаче образов красивых молодых лиц характеризуют никейские мозаики.

Фрески церкви в Кастельсеприо. Античные традиции, характерные для константинопольской школы, можно проследить также и в росписях церкви Сайта Мария Антиква в Риме (7 — нач. 8 в.) и, особенно, в недавно расчищенных фресках церкви в Кастельсеприо (6—7 в., некоторыми учеными они также датируются 9 веком) вблизи Милана. Здесь сохранился ряд сцен из детства Христа, включающих «Рождество», «Поклонение волхвов», «Сретение» и другие. Свободное движение фигур, широкая живописная манера письма, прозрачный колорит, множество отдельных мотивов, восходящих к античным прообразам, придают росписям Кастельсеприо особую жизненность, связанную с еще не угасшими традициями античности.