1 Теоретический раздел

1. 1 Исторический обзор объекта проектирования

Теа́тр (греч. θέατρον — основное значение — место для зрелищ, затем — зрелище, от θεάομαι — смотрю, вижу) — зрелищный вид искусства, представляющий собой синтез различных искусств — литературы, музыки, хореографии, вокала, изобразительного искусства и других и обладающий собственной спецификой: отражение действительности, конфликтов, характеров, а также их трактовка и оценка, утверждение тех или иных идей здесь происходит посредством драматического действия, главным носителем которого является актёр

Родовое понятие «театр» включает в себя различные его виды: драматический театр, оперный, балетный, кукольный, театр пантомимы и др.

Во все времена театр представлял собой искусство коллективное. В современном театре в создании спектакля, помимо актёров и режиссёра (дирижёра, балетмейстера), участвуют художник-сценограф, композитор, хореограф, а также бутафоры, костюмеры, гримёры, рабочие сцены, осветители.

Развитие театра всегда было неотделимо от развития общества и состояния культуры в целом, — с особенностями общественного развития были связаны его расцвет или упадок, преобладание в театре тех или иных художественных тенденций и его роль в духовной жизни страны.

История театра.

Театр родился из древнейших охотничьих, сельскохозяйственных и других ритуальных празднеств, в аллегорической форме воспроизводивших явления природы или трудовые процессы. Однако обрядовые действа сами по себе ещё не были театром: как считают искусствоведы, театр начинается там, где появляется зритель, — он предполагает не только коллективные усилия в процессе создания произведения, но и коллективное восприятие, и своей эстетической цели театр достигает лишь в том случае, если сценическое действие находит отклик у зрителей

На ранних стадиях развития театра — в народных празднествах пение, танец, музыка и драматическое действие существовали в неразрывном единстве; в процессе дальнейшего развития и профессионализации театр утратил свой первоначальный синтетизм, образовались три основных вида: драматический театр, оперный и балетный.

История Ставропольского театра.

Театр – это жизнь, жизнь красочная и интересная. Театр – это зеркало, в нем отражаемся мы, наши пороки и наши достоинства. Театр – это волшебная страна, попадая в которую начинаешь верить в сказку… в чудо… в настоящую любовь… в искренних и преданных друзей… во все то, чего так не хватает нам в нашем мире. Возникновение театра неразрывно связано с историей города и характеризует достаточно высокий уровень духовности и эстетического воспитания его жителей.(Рисунок А1)

Культурная жизнь Ставрополя от его основания до открытия театра была очень активной. В то время путь на Кавказ, который служил местом ссылки неугодных самодержавию людей, проходил через Ставрополь.

Дважды наш город посещали А.С. Пушкин и М.Ю. Лермонтов. Проездом в Тегеран останавливался А. С. Грибоедов. Дух декабристов витал над Кавказом, в Ставрополе побывали: А. И. Одоевский, Н. А. Назимов, В.Н. Лихарев М.М. Нарышкин, Н.И. Лорер и др. Присутствие в разное время людей прогрессивных взглядов влияло на развитие культуры, поэтому в городе так быстро возник театр, ибо во все времена именно он является мерилом культурного уровня города.

Город Ставрополь возник в 1777 году, а уже в 1843 году губернский секретарь Г. Яценко пытается открыть театр, Но, как человек, не имеющий даже начальных познаний в культуре, Г.Яценко набирает весьма посредственную труппу, да и репертуар, который не мог бы заинтересовать жителей стремительно развивающегося города. Все его попытки были обречены на провал. И очень скоро фамилия Яценко навсегда покидает театральный олимп города Ставрополя. На смену ему пришел Иван Христианович Дрейсиг. В труппе Яценко он занимал должность режиссера и заведующего труппой. Дрейсиг приглашает в сотоварищи актера Н. Петрова и создает новую труппу. В 1845 году купец Гониловский выстраивает каменное здание театра (ныне дом офицеров), и этот год по праву считается годом создания первого русского театра на северном Кавказе. Начинается трудная, полная взлетов и падений, жизнь нового театра, продолжающаяся уже более 165 лет.

Интерес ставропольцев к театру непрерывно возрастал, ведь в 1846-1849 годах в городе работала труппа известного провинциального антрепренера К. Зелинского, в составе которой был выдающийся трагик Николай Хрисанфович Рыбаков, который послужил прототипом Геннадия Несчастливцева в комедии А. Островского «Лес». Зрители видели на сцене лучшие произведения отечественной и зарубежной драматургии, отличное исполнение которой полностью отвечало требованиям культурной части общества и прививало малоподготовленному зрителю вкус к серьезному театру. Можно с уверенностью сказать, что сезоны «Рыбакова» приучили ставропольцев к лучшим образцам театрального искусства и создали те благоприятные условия в будущем, благодаря которым Ставропольский театр завоевал репутацию одного из лучших в театральной провинции. (Рисунок А2)

В своей книге воспоминаний «60 лет на сцене», изданной в 1935 году, Н.Н. Синельников, известный провинциальный режиссер и антрепренер, работавший в Ставрополе с 1878-1881 годы, пишет: «… молодой актер южных театров, по обычаю того времени стремился хоть один сезон прослужить в Ставропольском театре. Публика этого города с издавна имела репутацию понимающей, любящей театр и очень требовательной.» В разное время на сцене Ставропольского тетра работали лучшие провинциальные артисты: Н. Писарев, Л. Градов-Соколов, Б. Путяга, Т. Рунич-Михайлова, М. Петипа, Н. Собольщиков-Самарин, Н. Россов, М. Дальский, братья Адельгейм, И. Слонов, П. Орленев.

1 октября1910 года в Ставрополе открылось новое здание театра, построенное купцами братьями Меснянкиными (сейчас в этом здании находится краевая филармония).

Так в Ставрополе возник, вырос, стал неотъемлемой частью города драматический театр. Развитие его было во многом типичным для большинства провинциальных коллективов. Его жизнь отразила все основные тенденции в развитии Русской театральной культуре. Новая жизнь началась в послереволюционную эпоху.

Вскоре известный театральный деятель, режиссер В.И. Тункель создал в Ставрополе первый советский театр. В 1920 году театру было присвоено звание Первого Ставропольского театра им. В. И. Ленина. В этот период особенной популярностью пользовались пьесы классического репертуара, в которых звучали нотки протеста против старого и звучали смелые передовые мысли. Героем пьес становится человек труда, боец, строитель новой жизни. В 1937 году театр становится краевым.

В 1941г мирную жизнь советского народа нарушило нападение фашистов. Театр уже в первые месяцы войны ставит пьесы «Фельдмаршал Кутузов» В. Соловьева, «Крылатое племя» В. Первенцева, стремясь отозваться на страшные события, показать могущество духа и патриотизм русских людей. Осенью 1944 года театр двумя бригадами выехал на фронт. Всего за время войны было сыграно более 500 шефских спектаклей. Год окончания войны был вдвойне знаменательным для театра - ему исполнилось 100 лет. В послевоенные годы театр по-прежнему – ведущая сила в воспитании человека. Главным героем становится творец нового мира - боец, революционер, труженик, также ставится классический репертуар. В разное время на сцене театра шли: «Обрыв», «Обыкновенная история» И. Гончарова; «Последние», «Варвары» М. Горького; «Доходное место», «Лес» А. Н. Островского; «Дурочка», «Звезда Севильи» Лопе де Вега; «Король Лир», «Укрощение строптивой» В. Шекспира и др.(Рисунок А 3)

В1964 году театру присвоено имя М.Ю. Лермонтова, он переезжает в новое здание, в котором располагается в настоящее время. Глубокое чувство времени, безупречное умение переводить на язык современности самые трудные явления – отличительная черта лучших произведений, ставившихся в театре. История театра убеждает, что истинная правда, подлинность происходящего, разговор о крупных проблемах истории всегда были в центре его внимания.

В разное время на сцене театра выступали народный артист СССР М. П. Кузнецов, народные артисты России М. Никольский, Б. Данильченко, В. Фоменко, В. Рабовская, заслуженные артисты России А. Бокова, Г. Веретельникова, В. Гурьев, Б. Дымченко, А. Зубарева, А. Михайличенко, М. Михайлов, М. Яковенко, артисты З.Каткова, Л.Барташова, З.Котельникова и др.

Сегодня театр является духовной крепостью, в которую человек идет, как в храм, - за поддержкой, светом, душевным теплом и озарением. Да, театр – это храм, а в храм человек приходит вновь и вновь, если он действительно верит, если он чувствует свое преображение, если ему там хорошо. Этим принципам следует руководство театра при выборе репертуара. Не отталкиваться от зрителя, а привлекать его к себе – вот одна из главных задач современного театра.

Репертуар театра составляют лучшие пьесы классической и современной литературы: «Ромео и Джульетта» В. Шекспира, «Герой нашего времени» М.Ю. Лермонтова, «Необыкновенные приключения в отеле Мирандолины» («Хозяйка гостиницы») К. Гольдонии др. В нашей афише есть пьесы и современных авторов, таких как Р. Куни («Клинический случай»), Ю. Поляков («Одноклассники»), Г. Нагорный («Лайф-Лайф»)и др. Есть в театре и свой автор – заслуженный артист РФ М. А. Новаков, который с особой трепетностью и любовью пишет свои пьесы, так как придумывает персонажей и сюжеты для актеров, с которыми не один год служит на сцене Ставропольского театра. Театр гордится своим сотрудничеством с народным артистом РФ Ю.И. Ереминым, выдающимся режиссером современности, который в 2009 году поставил на нашей сцене спектакль «Герой нашего времени» М.Ю. Лермонтова, а в 2012 году стал художественным руководителем спектакля «Casting/Кастинг», пьесы, автором которой он является.

Самая большая гордость театра – актеры, которые своей любовью и трепетным отношением к искусству, к сцене, к своим зрителям, делают его местом, куда хочется возвращаться снова и снова. Народная артистка РФ Н. П. Зубкова, заслуженные артисты В.М. Аллахвердов, М.А. Мальченко, М.А. Ростов, М.А. Новаков, Б.Ф. Щербаков, С.Г. Колганова, А. Н. Жуков, ведущие артисты И.А. Баранникова, И.В. Барташ, И. В. Калинин - вот неполный список тех, кто своим трудом уже не один год доказывают, что театр заслуженно носит звание академического. Талантливая молодежь, которая была воспитана в стенах этого театра, глядя на своих старших товарищей, трепетно и горячо играет на сцене, стараясь донести до зрителя чувства и переживания своих героев. Режиссеры театра - заслуженный деятель искусств РФ В.В. Бирюков и народная артистка России Н.П. Зубкова - четко и ясно понимают проблемы современности, способны в «зашифрованных» текстах уловить мысль автора, и донести ее до зрителей.

Бессменным руководителем театра уже многие годы является заслуженный работник культуры РФ Евгений Иванович Луганский. Мудрый и справедливый человек, страстно любящий театр и искусство в целом. Он не боится экспериментов и смелых проектов. Поддерживает молодежь, говоря, что именно молодые артисты – это будущее нашего театра.

Даря людям свое живое искусство, Ставропольский ордена «Знак почета» академический театр драмы имени М.Ю. Лермонтова заботится не только о своем будущем, но и о будущем города, края, России. Во все времена театр обращался к душам и сердцам и находил отклик. А значит, как в старых добрых сказках, которые так любят наши маленькие зрители, добро всегда победит зло, а вера, надежда, и любовь помогут преодолеть все остальное.

Античный театр

Античный театр – театральное искусство Древней Греции, Древнего Рима, а также ряда стран Ближнего Востока, культура которых развивалась под сильным греческим влиянием в эпоху эллинизма – период, начавшийся в IV веке до н. э. и завершившийся в 30 годы до н. э. завоеванием этих стран Римом. История античного театра охватывает почти целое тысячелетие. В эту пору возникло европейское театральное искусство в том его качестве, в каком оно живёт сейчас: появилась драматургия, сформировались основные принципы актёрского искусства, сценическая техника и основы оформления театра и спектакля, возникли стационарные театральные сооружения.

История античного театра ставит своей задачей рассмотреть, как зародился и развивался театр в двух великих городах древности – греков и римлян. Греческий театр достиг своего расцвета раньше римского. А падение западной римской империи в конце пятого века повлекло за собой упадок всей античной культуры. История греко-римской театральной культуры, основанная на документах и письменных источниках, охватывает не менее чем целое тысячелетие.

Первые театральные представления зародились ещё в глубокой древности, когда наши далёкие предки – охотники и земледельцы собирались на игрища, на празднества, когда устраивали обрядовые действа. Театр занимал особое место в жизни древних греков, он был трибуной для широкого распространения новых мыслей, освещения наиболее волновавших умы современников проблем. Велика была его общественная и воспитательная роль. Хотя, как правило, сюжеты греческих трагедий происходили из всех знакомых с детства мифов, это не означало, что спектакли были незлободневными и не затрагивали животрепещущих вопросов. Ведь в уста мифологических героев драматурги всегда вкладывали слова, касающиеся самых острых проблем современности. Поэтому драматическая поэзия (все без исключения трагедии и комедии в Греции писались стихами), смогла отодвинуть на второй план другие литературные жанры и на целый век стать жанром господствующим. Понятие античного театра включает в себя историю театра античной Греции, театра эпохи эллинизма и театра древнего Рима.(Рисунок А 4)

Театр Марцелла, Древний Рим, 1век до н.э.

Театр греков и римлян — древнейший на территории Европы. Греческий театр достиг своего расцвета в V в. до н. э. Римский — начал свою жизнь позже греческого.

Наследие, оставленное нам античностью в области литературы и искусства, огромно. Основные роды поэзии — эпос, лирика и драма — возникли в Греции. Античная архитектура, скульптура, литература и театр были предметом изучения и подражания и в последующие века. Значение античного театра выходит далеко за хронологические рамки породившего его общества. Когда, например, в эпоху Возрождения стали создаваться первые литературные трагедии и комедии, образцами для них послужили пьесы античных авторов. Позже выдающиеся западноевропейские драматурги неоднократно обращались к богатому театральному наследию, оставленному античностью (Шекспир в Англии, Корнель и Расин во Франции, Шиллер и Гёте в Германии).

На протяжении XIX и XX вв. на европейских сцепах шли античные драмы. Во Франции в 80-х годах прошлого века ставили «Эдипа-царя» Софокла под открытым небом в Оранже, в театре, сохранившемся еще со времен Римской империи. Художественный театр ставил в 1899 г. «Антигону» Софокла. На сцене советских театров неоднократно шел «Эдип-царь».

Что же именно привлекает к античной драматургии передовых деятелей театра и литературы, почему мы до сих пор обращаемся к произведениям, написанным почти 2500 лет назад…

Ответ на этот вопрос надо искать в особенностях, предопределенных экономической и социально – политической жизнью Греции того времени.

Древнегреческий театр.

Древнегреческий театр располагался, как правило, на территории Акрополя – крепости, верхней укрепленной части города. До нас дошли древнейшие памятники античного театра в Афинах, в Помпеях, в Аммане (Иордания). Самый крупный театр 350–330 вв. до н.э. сохранился в Эпидавре на Пелопонессе.

Устройство античного театра было следующим. Театр состоял из трех частей: орхестры с алтарем Диониса посередине, театрона, который располагался в виде спускавшегося к орхестре амфитеатра, и скены. Орхестра – место действия хора, актеров, статистов. Зрительские места назывались театрон (от theasthai – смотреть). Первые ряды у орхестры предназначались для жрецов, должностных лиц государства и почетных граждан.

Скена (в переводе с древнегреческого «палатка») – пристройка, место для бутафории, реквизита и переодевания актеров, примыкала к орхестре с противоположной от театрона стороны. Одна из сторон этой пристройки, обращенная к зрителям, служила декорацией, изображая здание с центральным и двумя боковыми выходами к орхестре (параскениями). Между скеной и местами для зрителей, занимавшими несколько более половины круга, находились проходы — пароды, через которые до начала спектакля в театр входили зрители, а затем вступали на орхестру хор и актеры, прибывшие - по ходу действия — «из города», «из гавани», «из чужой страны».

То, что происходило за сценой, показывалось с помощью особой машины, которая выдвигалась из здания скены – эккилемы. Изобретение декораций традиция приписывает Софоклу: это были разрисованные доски, выдвигавшиеся из параскениев. Позднее появились проскении, пристройки к сцене на столбах, соединявшиеся с орхестрой деревянным мостиком (в переводе «место, с которого говорят»). Все эти термины в латинизированной форме вошли в большинство европейских языков: театр, сцена, оркестр. Крыши античный театр не имел, все действие происходило под открытым небом, и это сильно затрудняло слышимость голосов. Актерам необходимо было обладать сильным голосом, хотя в некоторых театрах применялись резонирующие урны. В греческом театре была и несложная техника: особые подъемные механизмы обеспечивали появление богов – вершителей судеб – и появление актеров из-под земли по так называемой Хароновой лестнице (Харон – перевозчик в страну мертвых), т.е. из подвала через люк в полу.

Первоначально место для представлений устраивалось в Древней Греции крайне просто: хор со своими песнопениями и плясками выступал на круглой утрамбованной площадке — орхестре (от глагола орхеомай - «танцую»), вокруг которой и собирались зрители. Но по мере того как возрастало значение театрального искусства в общественной и культурной жизни Греции и по море усложнения драмы возникла необходимость в усовершенствованиях Холмистый ландшафт Греции подсказал наиболее рациональное устройство сценической площадки и зрительских мест: орхестра стала располагаться у подножия холма, а зрители размещались по его склону. Театральные сооружения не были самостоятельными постройками, типа городского здания или храма. Они, как правило, входили в какой-нибудь, архитектурный ансамбль.

Первоначально главным действующим лицом был хор из 12 человек, при Софокле – из 15. В комедии хор состоял из 24 человек и делился на две части – полухории, он выражал точку зрения идеального зрителя. В партиях хора – парабазах – раскрывался смысл спектакля. Постоянное присутствие хора требовало, чтобы действие не выходило за пределы одного дня. Отсюда французские классицисты 17 в. вывели правило единства времени и места. Постепенно функция хора сокращалась за счет увеличения нагрузки актеров. Первоначально актерами были авторы-драматурги, потом стали появляться профессиональные актеры с выработанной техникой, индивидуальной манерой игры. Их называли Мастерами Диониса, и, поскольку организация спектаклей была частью государственного культа, эта профессия была почетной, ей могли заниматься свободные полноправные граждане. Актер на первые роли назывался протагонистом, двое других – девтерагонистом и тритагонистом. Протагонист являлся своего рода антрепренером, именно он приглашал двух других актеров. У Эсхила хор во главе с корифеем играл ведущую роль. Софокл сократил хоровые части и увеличил число актеров с одного до двух, большое значение приобрел диалог. Еврипид ввел третьего актера. Четвертый актер появлялся в исключительных случаях. Все актеры были мужчинами (женщины не имели полноты политических прав), которые меняли несколько раз костюмы и маски. К ним, впоследствии, прибавились статисты – лица без речей. Поскольку героями спектаклей являлись мифологические персонажи, им старались придать огромный рост, что достигалось с помощью котурнов – сапог на высоких подметках, высокой шевелюры, толстых подкладок под одежду. На лица актеры надевали маски, которые могли передать только типическое выражение и производили впечатление полной неподвижности. В разные моменты маски менялись. Например, после ослепления Эдип выходил в новой маске. Все маски были с раскрытыми ртами, чтобы свободно мог звучать голос исполнителя. В комедиях и сатировских драмах костюмы и маски должны были вызвать смех у зрителя, поэтому они отличались нарочитой уродливостью, подчеркнутостью отрицательных черт персонажа. Маски мужских персонажей всегда были темных цветов, женских – белых и светлых. Раздражительность обозначалась багровым цветом маски, хитрость – рыжим, болезненность – желтым и т.д. Функцией масок было донести смысл происходящего до зрителей дальних рядов. В представлении комедии было полно буффонады, гротеска, карикатуры, оно уносило зрителя в мир фантазии, сказки.

Первым важным правилом стало разделение на зрителей и актёров. Люди поняли, что театральное действо может играть важную общественную роль, собирать людей, соединять их в едином чувстве. Оно может сообщать сразу многим людям что-то очень важное, общезначимое. Прошло много времени, прежде чем театр начал жить сам по себе, отделяясь от обряда, от религиозного культа. Театральные представления стали организовывать специально, появились театральные здания. Древние театры сооружались под открытым небом и достигали огромных размеров. Так, театр Диониса в Афинах вмещал 17 тысяч человек. И сейчас ещё сохранились античные театры, где устраиваются представления (например, в греческом городе Эпидавре).

Начиналось представление чествованием почетных граждан, затем приносили жертву Дионису, только потом начиналось собственно театральное действие, о чем возвещали звуки флейт: выходил хор с корифеем-запевалой во главе. По мере развития древнегреческого театра удельный вес актера в спектаклях возрастал, хора – сокращался. Текст пьесы всегда был стихотворным, поэтому античных драматургов называли драматическим поэтами.

Структура античной драмы была такова: начальная часть до вступления хора – пролог, первая песня хора, с которой он входил на орхестру, – парод (проход), дальнейшие диалоги – эписодии (привходящие), заключительная часть драмы – эксод (исход), когда хор удалялся из орхестры. У Эсхила хор играл важную роль и был главным действующим лицом. У Софокла он уже второстепенен, у Еврипида песни хора – вставки между актами. Греческая драма (трагедия) совмещала в себе декламацию, пение, пляску и музыку, напоминая оперные представления. Герои были игрушками в руках Судьбы-Рока, которая в образе богов (принцип античной драмы – deus ex maxina, бог из машины) вмешивалась в действие спектакля.

Дионис (Вакх - второе название бога) в греческой мифологии земледельческий бог виноградарства и виноделия, сын Зевса и фиванской царевны Симелы, ставший одним из важнейших в пантеоне античных богов, символ умирающей и возрождающейся природы. Диониса отождествляли с египетскими богами Осирисом, Сераписом и Амоном, древнеиранским Митрой, Адонисом, римским Либером, имевших в мифологии аналогичное значение. Дионис принадлежал к типу страдающих богов, поэтому связанные с ним сказания и мифы давали богатый материал для воспроизведения их в живом действии. С 534 до н.э. - года включения культа Диониса в государственную религию, празднества (мистерии) Дионисии стали ежегодными. В том же году выступил первый из известных нам драматургов Феспид.В марте с приходом весны в течение трех дней разыгрывались Великие Дионисии, где показывались трагедии и сатировские драмы. В январе - Ленеи, когда ставились комедии и в декабре - сельские (малые) Дионисии, праздник пробы молодого вина, когда повторялись представления, показанные в марте. На главном празднике - Великих Дионисиях в марте, когда природа пробуждалась после зимы, разыгрывалось возвращение Диониса из восточной страны, куда он был послан на воспитание. Отсюда берет начало название западноевропейского карнавала (от лат. carrus navalis т.е. корабельная телега). Спутниками Диониса были сатиры и силены, которых изображали в козлиных шкурах с конскими хвостами. Козел - непременный персонаж в мифологии Диониса.

Театр в Древней Греции был государственным учреждением, и организацию театральных представлений брало на себя государство, назначая для этой цели специальных лиц. Драмы ставились на трех праздниках в честь Диониса: на Малых, или Сельских, Дионисиях (в декабре—январе по нашему календарю); Ленеях (в январе—феврале); на Великих, или Городских, Дионисиях (в марте—апреле).

Драматические представления проходили, как состязания драматургов, хорегов, актеров. В них участвовали три трагических и три комических поэта. Каждый из трагиков должен был представить четыре пьесы: три трагедии и одну сатировскую драму. Трагедии были связаны единым сюжетом. После них ставилась сатировская драма на тот же сюжет, что и трагедии. Трагическая трилогия и сатировская драма составляли тетралогию. Комические поэты представляли по одной комедии. Состязания продолжались три дня. Каждый день с утра играли тетралогию одного драматурга; под вечер исполняли одну комедию. К участию в состязаниях допускались только новые произведения; если ставились старые, уже игравшиеся, то они шли вне конкурса.

Разрешение на постановку пьесы драматурги получали от архонта (высшее должностное лицо в Афинах). Он же давал драматургам разрешение набрать хор. Все издержки, связанные с обучением хора, изготовлением костюмов, репетициями и т. д., брали на себя богатые граждане Афин. Гражданин, подготовивший хор для драматических состязаний, назывался хорегом. Для драматических состязаний требовалось шесть хорегов, так как у каждого драматурга был свой хор. Хотя расходы по организации и подготовке хора составляли весьма значительную сумму, недостатка в хорегах в период расцвета афинской демократии не наблюдалось. Исполнение обязанностей хорега было делом весьма почетным. Считалось, что хореги, актеры и члены хора находятся под особым покровительством божества. Все они на время подготовки к драматическим состязаниям освобождались даже от военной службы. Судили на состязаниях особые выборные лица. Для победивших драматургов были установлены три награды. (Занять на состязаниях третье место значило, однако, по существу потерпеть поражение.) Победившие драматурги получали от государства гонорар и награждались венком из плюща. На долю хорегов, которые подготовили хор для победивших драматургов, выпадала еще большая честь: хорег имел право воздвигнуть памятник в ознаменование своей победы. На пьедестале памятника указывалось время представления, имя победившего драматурга, название его пьесы и имя хорега. Результаты состязаний вносились, кроме того, в особый протокол, который хранился в государственном архиве Афин. Такие протоколы назывались дидаскалиями.

Золотой век античного театра длился недолго. Это был именно век. На протяжении 5 в. до н.э. театр сложился, вырос и в эллинистическое время (4 в. до н.э.) стал клониться к упадку. Трагический жанр быстро деградировал. У комедии была другая судьба. В эпоху эллинизма древнеаттическая комедия уступила место средней и новой аттической комедии. Крупнейшим представителем комедии в эпоху эллинизма стал Менандр. Характерной чертой новой комедии стало полное равнодушие к общественной жизни, уход в жизнь частную. Наряду с театром официальным распространились театры бродячих комедиантов – флиаков и мимов. Они разыгрывали примитивные пьески часто непристойного содержания.

Римский театр.

Латиняне были одним из многочисленных племен, населявших Италию. Они жили по нижнему течению Тибра, в области, которая называлась Лациум. Столицей их был город Рим, основанный по преданию, в 753 году до н.э. Подчинив себе в четвертом веке до нашей эры среднюю Италию, римляне все дальше и дальше продвигались на юг. По своему культурному развитию римляне были гораздо ниже этрусков и греков. Через этрусков они познакомились с греческой мифологией и драматургией. Развитие римского театра началось в середине 3 века до н.э. Это было время, когда классический период у греков был уже позади и достиг расцвета культуры эллинистского периода. Развиваясь позже, чем Греция, Рим честно находил там ответы на многие идеологические вопросы. Истоки римского театра и драма восходит, как в Греции, к обрядовым играм, с богатым карнавальным элементом. Таков, например, праздник Сатурналий – в честь италийского божества Сатурна. Особенностью этого праздника была ''переворачивание'' привычных общественных отношений. Господа на время праздника становились ''рабами'', а рабы ''господами''.

Одним из истоков римского театра и драмы были сельские праздники сбора урожая. Еще в те времена, когда Рим представлял собой небольшую общину Лациума, по деревням справлялись праздники в связи с окончанием жатвы. На этих праздниках распевались фесцинины. Как и в Греции, обычно выступали при этом два полухория, которые обменивались шутками, подчас язвительного содержания. В них, по свидетельству Горация, находила отражение и социальная борьба между патрициями и плебеями. Гораций говорит, что фесцининннские насмешки не щадили знати, которая и постаралась их обуздать: было установлено строгое наказание всякому, кто будет порицать другого в злобных стихах. Существовала и другая форма примитивных зрелищ – сатура. Основой для сатур послужили мимические жанры этрусских плясунов. В 364 г до н.э. Рим постигло моровое поветрие. Чтобы умилостивить богов, римляне устраивали сценические игры, прибегнув, таким образом, к делу новому для воинственного народа, так как до этого зрелища ограничивались только конскими бегами. Появились актеры-плясуны, которые исполняли свои танцы под аккомпанемент флейты. Этрусским актерам стала подражать римская молодежь, которая прибавила к пляске шуточный диалог, написанный нескладными стихами, и жестикуляцию. Так постепенно возникли сатуры (в дословном переводе – смесь). О влиянии этрусцев свидетельствует и перенесенное ими в Рим слово сиетрион, которым в Риме стали называть народных развлекателей. Еще одним видом ранних драматических представлений, также комического характера, были ателланы. Римляне заимствовали их от племен осков в Кампании, когда Рим вел многочисленные войны в Южной Италии. В Кампании был город Ателла. Участие в таких представлениях не несло в себе в те времена никакого бесчестья для граждан, тогда как позже, когда у римлян появилась литературная драма, актерская профессия стала считаться постыдной. Наиболее распространенными героями ателлан были: Макк—дурак и обжора, Буккок – болтливый, но смышленый парень, Панн – богатый, скупой и глупый, Доссен – хитрый горбун, невежда.

Мим в Риме тоже был очень распространен, как и в Греции. Римский мим представлял собой сценки из народного быта. Литературная драма появилась в римском театре в эпоху Республики. Самыми популярными авторами были Ливий Андроник, Гней Невий и др. Римляне взяли литературную драму у греков в готовом виде и перевели ее на латинский язык. Объясняется это исторической обстановкой того времени. Завоевание южноиталийских городов, обладавших всеми сокровищами греческой культуры, не могли не пройти бесследно для римлян. Греки впервые оказались в Риме в качестве пленных, заложников дипломатических представителей педагогов.

В обстановке общественного подъема, вызванного победоносным окончанием Пунической первой войны на праздничных играх решили устроить драматическое представление. Постановку поручили греку Ливию Андронику, попавшему в рабство к римлянам. Эта постановка удалась, она была толчком к развитию римского театра. Ливий Андроник написал 14 трагедий и три комедии. Цицерон говорил, что второй раз их читать просто невозможно. Однако Андроник явился родоначальником римской драматургии, первым создателем театрального репертуара.

Гней Невий рассматривал сцену, как арену бичевания пороков и раболепства. Метеллы (аристократы) отправили его в тюрьму, однако, за Невия заступилась народная трибуна. Его освободили, но умер он все же в изгнании. Он выступал и с трагедиями на сюжеты из римской истории (такие трагедии у римлян назывались претекстами). Славы он достиг в области комедии. Невий был создателем паллиаты – переработка новоаттической, т.е. бытовой комедии. Невий был основоположником контаминации (соединение нескольких сюжетных линий) и тогаты. Одновременно и после него писали Энний (239-169 до н.э.), Пакувий (220-19 до н.э.) и др. Больше всего римляне любили подражать Еврипиду, чем Эсхилу и Софоклу. Роль хора у римлян значительно уменьшилась. Интенсивная эллинизация римского общества отразилась в творчестве Плавта. Зрители комедий Плавта ''узнавали самих себя и свои нравы''. Плавт умел искусно соединить новую аттическую комедию с элементами народной римской ателланы, с ее буффонадой, живостью действия, с ее порой непристойными, но остроумными шутками. Дошли 20 его комедий и одна в отрывках, среди них: ''Хвастливый воин'', ''Амфитрион'', ''Клад''. У римского автора Теренция нет такой динамики в развитии интриги, как у Плавта. Зато он стремится дать более глубокую психологическую характеристику. Например, в произведении ''Братья''. Европейский театр неоднократно обращался к его творчеству. На римской сцене пьесы Теренция ставились несколько десятилетий после его смерти. До первого века нашей эры сенат противился сооружению театрального здания и потому представления шли на деревянных помостах, которые после представления ломались. Но играли уже не любители, а актеры или гистрионы, которые происходили из серии вольноотпущенных или рабов. В Риме актерство не связано с культом, потому к артистам не относились та уж почетно. Женщин все еще не было на сцене. Но все-таки навечно сохранились имена известных актеров, например, трагик Эзоп и комик Росций. А в период империи римский театр пришел в упадок. Ставились в основном мимы, пантомимы и пиррихии (танцевальный спектакль). Потом пришла новая эпоха – феодальная, которая принесла миру и свой театр.

Античный театр был предметом изучения и подражания и в последующие века. Если обратиться специально к театральному искусству, то известно, что значение античного театра выходит далеко за рамки породившего его общества. Некоторые жанры римского театра продолжали жить и впервые столетия средних веков, несмотря на гонения со стороны духовенств и церкви. А когда в эпоху возрождения стали создаваться первые литературные трагедии и комедии, образцами для них послужили пьесы античности авторов. И позже западноевропейская драматургия неоднократно обращалась к богатому театральному наследию.

В эпоху Просвещения культ античного театра находит яркое выражение в ряде европейских стран. В Германии горячими поклонниками античности были Лессинг, Гете, Шиллер.

Это увлечение продолжалось и в 19 веке. Произведения Байрона (1788-1824) полны отголосков античности. На протяжении всего 19, как и 20 веке на европейских и советских сценах шли античные пьесы.

Во времена своего расцвета античный театр был подлинно народным театром. В дни определенных празднеств этот театр собирал все свободное население города. Античный театр был настоящей школой для античных граждан. Не отгораживаясь от жизни, он поднимает все вопросы, волновавшее афинское общество: религия, философия, литература, политика, воспитание детей, положение женщин в обществе – все это находило отклик у драматургов. Им мог бы позавидовать любой современный театрал. Ведь спектакли крайне редко играли больше одного раза, поэтому в античности новых шедевров в Афинах, например, рождалось около 24 за год.

Действующими лицами были герои: Прометей, Гермес, Афина, Артемида, Геракл, Агамемнон, Менелай и т.д. В уста мифологических героев вкладываются пропагандистские реплики, агитирующие за правду и свободу.

Античный театр – это одно из самых ярких проявлений античной культуры, сыгравшей основополагающую роль в развитии европейской культурной традиции. Склад античной культуры был определен общественными условиями рабовладельческой формации. Сами Греция и Рим обязаны в развитии своей науки и своего искусства Востоку. Но Греция и Рим в своей культуре сумели не только творчески переработать культурное наследие, полученное ими с востока, но умножить и обогатить его и передать, Европе культуру, которая несет на себе яркий отпечаток оригинальности.

Театр античного мира стал неотделимой частью духовного опыта всего человечества, заложив многое в основу того, что мы сегодня зовём современной культурой.

Средневековый театр.

После падения Римской империи античный театр был забыт: ранние идеологи христианства осуждали лицедейство, и не только актёры, музыканты и «плясуны», но и все «одержимые страстью к театру» исключались из христианских общин. Средневековый театр фактически рождался заново, из народных обрядов и религиозных праздников — инсценировок церковных служб.(Рисунок А 5)

К языческим крестьянским праздникам и связанным с ними традиционным играм восходит искусство средневековых гистрионов — бродячих актёров, которые могли быть одновременно и танцорами, и певцам, и рассказчиками, дрессировщиками животных, гимнастами и фокусниками, играть на самых разнообразных инструментах. К искусству гистрионов восходит фарс, ставший неизменной составной частью городских мистериальных представлений.

В противовес языческим, христианская церковь вырабатывала собственные обряды, которые придавали её учению действенную иллюстративность. Уже в IX веке в Западной Европе в день Рождества священники изображали евангельских пастухов, идущих в Назарет, происходил краткий диалог между ними и священником, служившим литургию, — диалогизация службы в своём развитии открывала возможности для драматического действия. В XI веке на Пасху и в Рождество уже разыгрывались настоящие представления.

Постепенно литургическая драма становилась более действенной, более содержательной, наполнялась психологическими переживаниями; тенденция к реалистической трактовке евангельских сюжетов и образов, отразившаяся и в оформлении представлений, и в бутафории, противоречила целям церковной службы, и в 1210 году литургическая драма была изгнана из церкви, — в дальнейшем представления давались на паперти, что позволило участвовать в них не только клирикам, но и горожанам.

Во второй половине XIII получили широкое распространение представления, посвящённые житиям святых — миракли, которые от собственно евангельских сюжетов отличались и более «бытовым» оформлением. В это же время появились и светские пьесы, в большей степени, чем миракли, связанные с народными фольклорными представлениями, — известны, в частности, «Игра о беседке» и «Игра о Робене и Марион» Адама де ла Галя.

Одновременно в городах, независимо от церкви, зарождался жанр мистерий — массового, площадного, самодеятельного искусства. Мистерии были частью городских торжеств, которые устраивались в ярмарочные дни, абстрактные церковные сюжеты обретали в них национальный колорит.

Драматический театр

Театр эпохи Ренессанса родился в Италии, где дольше, чем в других странах, существовала литургическая драма и относительно поздно, лишь в середине XV века, появился итальянский аналог мистерий — rapresentazioni sacre. Во Флоренции тексты для этих представлений писали крупные поэты-гуманисты — Фео Белькари, Луиджи Пульчи и сам Лоренцо Медичи. Увлечённые античной литературой и философией гуманисты поначалу прививали, насколько это было возможно, античный дух священным представлениям, вплоть до использования в мистериях языческих сюжетов, в частности мифа об Орфее.

Параллельно развивалась другая тенденция: в 70-х годах XV века Помпонио Лето в Риме возродил античный римский театр, — со своими учениками он ставил на языке оригинала сочинения Сенеки, Плавта и Теренция. Опыт Лето быстро распространился по всей Италии, и, поскольку латынь была понятна не всем, вскоре появились переводы древнеримский авторов на итальянский язык. Две формы итальянского театра — античные комедии в итальянских переводах (и оригинальные пьесы, долгое время носившие откровенно подражательный характер) и мистерии на мифологические сюжеты — постепенно сближались, заимствовали одна у другой элементы драматургической техники и сценического воплощения.

С распространением мистерий в Италии было связано появление первых театральных коллективов — на рубеже XV—XVI веков, поначалу в виде любительских содружеств, которые со временем превращались в полупрофессиональные: ремесленники и представители интеллигенции собирали труппу, когда был спрос на представления, показывали их за плату в богатых домах и возвращались к своим прежним занятиям, когда спроса на представления не было. Важную роль в становлении итальянского профессионального театра сыграла падуанская труппа актёра и драматурга Анджело Беолько, члены которой, выступая в разных пьесах под одними и теми же именами, в одних и тех же костюмах, создавали неизменные типы (tipi fissi) — в этом отношении труппа Беолько предвосхищала комедию дель арте, появившуюся в середине XVI века, вскоре после его смерти. Однако в точном переводе с итальянского commedia dell’arte в то время означала «профессиональный театр», — понятие «комедия масок» появилось позже.

На протяжении долгого времени спектакли играли во дворцах. Лишь в 20-х годах XVI века начали появляться специальные театральные здания, при этом принципы постройки заимствовались у Витрувия: как в Древнем Риме, зрительный зал строился в виде амфитеатра.

Новый итальянский театр родился как придворный, однако очень скоро завоевал популярность в самых широких слоях итальянского общества, к интересам и вкусам которых он начал приспосабливаться на рубеже XV—XVI веков: мифологические сюжеты постепенно уступали место сюжетам из современной жизни, которые, в свою очередь, диктовали и новые принципы оформления спектаклей и иной стиль актёрской игры.

Комедия дель арте, благодаря постоянным гастролям итальянских артистов — с конца XVI и на протяжении всего XVII века стала популярна в Испании, Франции, Англии и Германии. (Рисунок А 6)

В эпоху Ренессанса в Италии зародились также опера и балет.

Вначале в мистериях появилась эпизодически вводимая музыка, позднее музыка стала сопровождать всё действие. В середине 16 века были популярны пасторали, которые сопровождались хоровым пением. В конце 16 века появились произведения с одноголосым пением (монодия).

В 1637 году в Венеции был открыт первый оперный театр.

Первыми оперными композиторами были Якопо Пери, Клаудио Монтеверди и другие. (Рисунок А 7)

Первые балеты ставились при дворе для развлечения придворной знати. Хореография была создана на основе придворных танцев.

В 15 веке одним из первых мастеров танца был Доменико да Пьяченца (англ.)русск..Он занимался танцами вместе со своими учениками Антонио Корназано (англ.)русск. и Гульельмо Эбрео (англ.)русск., а также обучал этому искусству итальянскую знать. Да Пьяченца написал труд под названием: De arte saltandi et choreus ducendi (Про искусство танца и ведение танцев).

В 1489 году Джан Галеаццо Сфорца женился на Изабеле Арагонской (англ.)русск. в Тортоне. В честь свадьбы было дано грандиозное представление, были организованы танцы по сюжету о Ясоне и аргонавтах. Зрелище получилось настолько впечатляющим, что подобные представления стали устраивать и в других местах.

В 16-м веке в северной Италии появились грандиозные представления- spectaculi. Они включали не только танцы, но и конные представления и битвы. Екатерина Медичи принесла интерес к танцам во Францию. Она же была первым спонсором балетов, и устраивала грандиозные spectaculi . Одним из заметных был «Польский балет» (Le Ballet des Polonais), который был поставлен к визиту польских послов в 1573 году.

Первые балеты включали не только танцы, но и разговоры и элементы драмы. Постепенно танец вытесныл из балета элементы драмы. Во Франции балет сформировался как отдельный жанр. Балетные представления теперь давали не только при дворе, но и в театрах. Дворяне, включая Людовика 14-го, исполняли в балете роли разной важности.

В 1585 году в Вероне открылся театр Олимпико с просцениумом.

Театр Востока

В театре Востока сохранились древние архаичные традиции драматического, кукольного, музыкального театров. Это одинаково верно и для театра Индии, театра Японии, Китая, Вьетнама, театра Индонезии.

Театр России.

В России театр родился поздно — лишь во второй половине XVII века: в православной церкви не были приняты инсценировки служб, скоморошество, зародившееся ещё в XI веке, жестоко преследовалось и было официально запрещено в 1648 году указом Алексея Михайловича, города не обладали достаточной самостоятельностью, чтобы своими силами устраивать представления, аналогичные западноевропейским мистериям, — театр в Россию был импортирован из Западной Европы. В 1672 году был создан первый придворный театр, однако просуществовал всего несколько лет. К этому же времени относится возникновение так называемого «школьного театра» — театра при духовных учебных заведениях; первое упоминание относится к 1672 году, когда в Киево-Могилянской академии была поставлена мистерия «Об Алексее человеке божием». В 1687 году в Москве была основана Славяно-греко-латинская академия, при которой также был создан театр.

Театр возрождения.

В период эпохи ренессанса, изменения в сфере искусства связаны с трансформацией общей идеологической доктрины: от аскезы и фанатизма Средневековья к гармонии, свободе и гармоничному развитию личности возрождения. Уже сам термин (франц. renaissance - возрождение) провозглашает основной принцип: возврат к классическим образцам античного искусства. Театр, бывший около тысячи лет под фактическим запретом, пережил в эпоху Возрождения особо яркий всплеск своего развития. Изменения шли во всех аспектах театральной жизни: появлялись новые жанры, формы, театральные профессии. Это связано не только с изменением общественного климата, но и с одним из его важнейших следствий - развитием науки и техники.

Самым главным фактором, повлиявшим на развитие театра того времени, стало вновь начавшееся строительство театральных зданий. Был придуман и реализован принципиально новый тип театрального здания - ранговый или ярусный. Это дало театральному искусству новые возможности, в том числе акустические. И как результат, привело к становлению и бурному развитию новых театральных форм - классической оперы и балету. Новая концепция театрального строительства трактовала сцену и зрительный зал как единое целое, поэтому получили толчок к развитию новые принципы театрально-декорационного искусства - создание живописных декораций с перспективой. Появление крытых театральных зданий по-новому поставило перед театром технические и художественные задачи освещения сцены - играть только при дневном свете было уже нельзя. Новые технические тенденции требовали своего практического воплощения. Благодаря этому вырос ряд новых театральных профессий: машинисты сцены, декораторы, акустики, художники-оформители, осветители и художники по свету и т.д.

Произошли кардинальные изменения и в организации театральных зрелищ: в эпоху Возрождения перед театром впервые в истории остро встала проблема конкурентной борьбы за зрителя. Когда в городе одновременно существует несколько театральных зданий, а на площади в то же время показывает свое представление труппа странствующих комедиантов, у потенциальных зрителей возникает реальная альтернатива. Таким образом, конкурентная борьба во многом обусловила развитие разнообразных жанров и видов театрального искусства в эпоху Ренессанса. Например, в Италии наибольшим успехом пользовалось молодое оперное искусство и площадной импровизационный театр масок (комедия дель арте). В Англии один за другим открывались публичные общедоступные драматические театры ("Глобус", "Куртина", "Роза", "Лебедь", "Фортуна" и др.). В Испании продолжал пользоваться огромным успехом религиозный театра - auto sacramental. В Германии активно развивались искусства мейстерзингеров - фастнахтшпили (масленичные представления) и фарсы. В Европе отчетливо ощущались признаки географической интеграции и взаимовлияния театрального искусства разных стран: растущая конкурентная борьба за зрителя обусловила широкую "гастрольную" практику мобильных актерских трупп (преимущественно итальянских и английских).

В определенном смысле театр в эпоху Возрождения достиг пика своего развития, освоив практически все возможные жанры, виды и направления. Тогда же сформировались и два основных типа театров: репертуарный театр (когда стабильная актерская труппа ставит спектакли по произведениям разных драматургов) и антрепризный (когда под определенный театральный проект специально собираются различные специалисты). Далее, практически до конца 19 в. развитие театра шло преимущественно под сменой эстетических направлений: классицизм, просвещение, романтизм, сентиментализм, символизм, натурализм, реализм и т.д.

Современный театр.

Преобразования театра в 19 в., обусловила научно-техническая революция, и в частности, появление кинематографа. Поначалу кинематограф, а позднее и телевидение, были признаны конкурентами театра. Однако театр не сдался, именно конец 19 - начало 20 вв. характеризуется особой насыщенностью в поисках новых средств театральной выразительности. В это время появляется новая театральная профессия, на сегодняшний день ставшая в театре основной, - профессия режиссера. Если театр всех прошлых веков с полным основанием можно назвать актерским театром, то с началом 20 в. наступила новая эпоха - театра режиссерского. Возникает принципиально новая концепция театрального искусства: недостаточно только профессионального исполнения спектакля (актерская работа, сценическое оформление, шумовые и световые эффекты и т.д.), необходимо их органичное сочетание, слияние в единое целое. В следствие этого, В теорию и практику театра входят новые базовые понятия: общая концепция спектакля, сверхзадача, сквозное действие, актерский ансамбль, режиссерское решение и т.д.

Новая концепция театра оказалась чрезвычайно плодотворной применительно ко всем эстетическим направлениям. Особенно ярко это можно видеть на примере театральных систем К.С. Станиславского, а также М.А. Чехова, активно развивающихся в России в начале 20 в. Мощное определяющее режиссерское начало превращает эти системы основополагающими для современного театра. Более того, режиссура вывела на новый этап и актерское искусство, заложив новые принципы актерского мастерства. Новая концепция режиссерского театра оказала принципиальное влияние и на кинематограф: очень скоро фигура режиссера кино из простого организатора съемочного процесса, превратилась в главного автора, творца фильма. По праву можно сказать, что режиссерский театр представляет собой оптимальный путь к возвращению сакральности театрального действа.

Всемирный день театра.

 (англ. World Theatre Day) — интернациональный профессиональный праздник всех работников театра, отмечаемый по всей планете ежегодно, 27 марта^. Этот международный день традиционно проходит под единым девизом: «Театр как средство взаимопонимания и укрепления мира между народами».

История, описание и празднование МДТ.

«Всемирный день театра» установлен в 1961 году по инициативе делегатов IX

конгресса Международного института театра (МИТ) (фр. Institut international du théâtre) при ЮНЕСКО (учрежден в Праге (Чехословакия) в 1948 году).Союз Советских Социалистических Республик являлся членом МИТ начиная с 1959 года, с той поры, когда в столице СССР городе Москве, на базе Всероссийского театрального общества, был создан Советский Национальный центр Международного института Театр.[4, с.333]

«День театра» — профессиональный праздник работников театра: актёров, театральных режиссёров-постановщиков, продюсеров, светотехников, звукоинженеров, монтировщиков декораций и даже билетёров и гардеробщиков — ибо, как еще 23 января 1933 года, в своём письме к цеху гардеробщиков МХАТ, писал великий русский театральный режиссёр и преподаватель актёрского мастерства Константин Сергеевич Станиславский: «…спектакль начинается с момента входа в здание театра. Вы первые встречаете приходящих зрителей^]». Эта цитата, со временем трансформировалась в крылатую фразу: «Театр начинается с вешалки»^], которая подразумевает следующее: в театральном цехе нет второстепенных ролей и профессий.

Для любителей театрального искусства «День театра» также является настоящим праздником, ведь к этому дню приурочены всевозможные торжественные мероприятия в «храмах культуры», различные театральные фестивали, а некоторые театры стараются к этому дню представить премьеры новых спектаклей.

Несмотря на то, что «Всемирный день театра» не имеет в Российской Федерации официального государственного статуса, чиновники высших эшелонов власти РФ не скупятся в этот день на поздравления и комплименты адресованные работникам театров страны. В некоторых регионах представители власти награждают деятелей театра почётными грамотами, денежными премиями, благодарностями и ценными подаркам, однако такие случаи происходят значительно реже.

«День театра» не является нерабочим днём, если, в зависимости от года, не попадает на выходной.