Вопрос 5

Роль художников в прикладном искусстве в эпоху Возрождения. Формирование проектной деятельности. Характерные художественные признаки Ренессанса

Изменяется характер прикладного искусства, заимствующего формы и мотивы орнаментики в античности и связанного не столько с церковными, сколько со светскими заказами. В его общем жизнерадостном характере, благородстве форм и красок сказалось то чувство единства стиля, которое присуще всем видам искусства эпохи Возрождения, составляющим синтез искусства на основе равноправного сотрудничества всех его видов.

Новые требования, стоящие перед искусством, обусловили обогащение его видов и жанров. В монументальной итальянской живописи широкое распространение получает фреска. С XV в. все большее место занимает станковая картина, в развитии которой особую роль сыграли нидерландские мастера. Наряду с существовавшими ранее жанрами религиозной и мифологической живописи, наполняющимися новым смыслом, выдвигается портрет, зарождается историческая и пейзажная живопись. В Германии и Нидерландах, где народное движение вызывало потребность в искусстве, быстро и активно откликающемся на происходящие события, широкое распространение получила гравюра, которая часто использовалась в художественном оформлении книг. Завершается начатый в средние века процесс обособления скульптуры; наряду с декоративной пластикой, украшающей здания, появляется самостоятельная круглая скульптура — станковая и монументальная. Декоративный рельеф приобретает характер перспективно построенной многофигурной композиции.

Роль художников в прикладном искусстве в эпоху Возрождения

роль художника в обществе была в эпоху Возрождения столь важна и благородна, что основой его труда могло быть только универсальное знание, а, следовательно, художник должен быть одновременно еще и философом, мудрецом. Так, Боккаччо считал, что поэты не подражают мудрецам, а сами являются таковыми. Леонардо да Винчи прямо заявлял, что живопись и есть философия, ибо она полна глубокого размышления над движением и формой. Она дает подлинное знание, поскольку «размышляет в красках» об истинной сущности явлений природы и самого человека. Кроме того, художник не просто отражает и копирует природу, но и критически размышляет над всем, что видит. В «Трактате о живописи» Леонардо да Винчи советует художникам «подстерегать» красоту природы и человека, наблюдать их в те мгновения, когда она наиболее полно в них проявляется: «Обрати внимание под вечер на лица мужчин и женщин в дурную погоду, какая прелесть и нежность видна в них»

Характерные художественные признаки Ренессанса

Западноевропейская культура XIV-XIV вв. получила название культуры Возрождения. Термин «Ренессанс» (Возрождение) впервые употребил Д. Вазари в книге «Жизнеописание наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550 г.): имелось в виду возрождение античной культуры в новую историческую эпоху. Выделяют следующие основные этапы Ренессанса: Раннее Возрождение (Петрарка, Альберти, Боккаччо), Высокое Возрождение (Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль), Позднее Возрождение (Шекспир, Сервантес).

Ренессанс возникает в Италии, а затем распространяется в других странах Европы: Англии, Германии, Франции, Испании и т. д., обретая национальные черты и особенности. Культура эпохи Возрождения во многом оказалась противоположной культуре средневековья, ибо авторитету духовного писания и церкви было противопоставлено индивидуальное право человека на собственную жизнь и духовное творчество.

В эпоху Возрождения культура окончательно теряет культовый, священный характер и становится «произведением» человека, его «мудростью» и «деянием». По мнению гуманистов, именно Человек является подлинным творцом культуры и венцом всего мироздания. Поэтому сама культура ориентируется на индивидуальный тип духовной деятельности, который становится основополагающим для всего последующего культурного развития. Представления о человеке как о свободной и самостоятельной личности, могущей ценой собственных усилий выходить за свои физические конечные пределы, явилось главным открытием гуманизма и означало рождение нового взгляда на человека, его природу и назначение в мире.

Однако зарождающаяся капиталистическая экономика опиралась на людей третьего сословия, которые являлись потомками бюргеров, вышедших из средневековых крепостных и переселившихся в города. Из этого свободного населения первых городов развивались первые элементы буржуазии, которой были свойственны, в первую очередь, прагматизм и расчетливость, чужд трагизм мироощущения и поиски духовности. С одной стороны, росло уважение к человеку, способному изменить мир и свою собственную судьбу, с другой - эти люди нередко оказывались не приземленными и далекими от романтики и стремления к духовному самосовершенствованию, без которого человек не мог стать Человеком.

Идеалом Ренессанса явился образ Человека универсального, самого себя созидающего. Высоко ценилось образование (но уже светское), развитие нравственных качеств и всесторонне развитых интересов личности, ее физическое совершенство. Этот образ был не столько прямым отражением эпохи, сколько великой мечтой гуманистов, обретая в искусстве живую плоть и кровь. Вот почему именно искусство более других форм духовной культуры той эпохи смогло отразить дух Ренессанса.

Существенное значение в эпоху Возрождения имели не только ее идеи, но и практическое их воплощение. Леонардо да Винчи отмечал: «Увлекающийся практикой без науки - словно кормчий, ступающий на корабль без руля или компаса». Своим интересом к античности выдающиеся деятели Возрождения положили начало новой гуманитарной, светской культуре, обращенной к человеку и исходящей из него. Человечество вновь ощутило потребность в искусстве утраченного «золотого века» античной культуры с присущим ему подражанием телесным физическим формам природного мира, воспринимаемых непосредственно органами чувств.

Созданное человеком, по мнению гуманистов эпохи Возрождения, уравнивает его с Богом, ибо своими трудами он завершает дело творения мира. Благодаря своим способностям человек улучшает, облагораживает и совершенствует то, что непосредственно дано природой, полагали гуманисты, он способен возвыситься над ограниченностью своего физического существования, делая шаг в сторону свободы. Обращаясь к наследию античной культуры, гуманисты с особым почтением относились к Платону, Аристотелю, Лукрецию и другим авторам той эпохи. Их привлекала не только глубина их концепций, но и всесторонняя образованность и тонкий вкус, умение создавать философские и эстетические теории и одновременно разбираться в современном им искусстве, доказывая неразрывную связь теории и практики.

Возрождая античную традицию рассматривать искусство как отражение жизни, гуманисты не следовали ей слепо. По их мнению, искусство не просто уподобляется реальным предметам и человеку, а стремится зеркально отобразить общее, не забывая при этом и об индивидуальном. Художественный метод Ренессанса не копирует художественный метод античности, возводя ее принципы в абсолют, а творчески их развивает. Античность обобщила и рационально сконструировала свои художественные образы в искусстве с позиции обобщенного идеала, создав свои шедевры. А Возрождение сумело отразить человека и реальность с позиции уже нового эстетического идеала, концентрируя внимание, с одной стороны, - на их индивидуальности и неповторимости, рассматривая человека как уникальное творение природы и Бога, а с другой, понимая, что реальный человек часто столь несовершенен, что искусство должно сконструировать отдельные его черты в общее целое.

Формирование проектной деятельности.(???)

Характерные художественные признаки Ренессанса.(???)

Вопросы:

6. Развитие предпринимательства в 17 веке. Формирование новой организации труда. Стилистические изменения в течение 17 в.

7. Промышленная революция 18 века. Роль новых профессионалов – промышленных художников в промышленном производстве. Технические изобретения

8. Первые промышленные выставки. Зарождение искусства экспозиции.

9. Формирование выставочного пространства и рекламы. Роль промышленных выставок в становлении и развитии дизайна. Роль художественных ремесел в формировании предметной среды в стиле «модерн». Понятие «художественный ансамбль».

10. Проявление стиля «модерн» в странах Европы и России (ар-нуво, сецессион,     югенд-стиль, модерн). Представители стилей.

Ответ:

8. Первые промышленные выставки.

Первая всемирная промышленная выставка открылась в Лондоне в 1851 г. В 1862 г. там же приняла своих первых посетителей третья всемирная промышленная выставка. В 1855 г. состоялась вторая всемирная выставка в Париже, которая оставила в истории менее заметный след, чем первая и третья. В обоих лондонских выставках принимала участие Россия. Участником выставки 1885 г. в Париже Россия не была. Интерес к всемирным промышленным выставкам в Лондоне 1851 и 1862 гг. понятен: первые всемирные промышленные (или, как их иногда называют, торгово-промышленные) выставки положили начало традиции периодического проведения международных смотров достижений хозяйства, которая сохранялась и поныне [1].

Почему именно в Англии состоялась первая промышленная выставка?

В середине XIX в. Англия была самым богатым государством мира. Страна занимала первое место в мировой торговле. К 1850 г. объем экспорта из Англии увеличился в 3 раза по сравнению сего уровнем в начале века [2]. На всех рынках мира дешевые по сравнению с изделиями других государств товары из Англии имели большой спрос. Они буквально наводнили рынки Европы, Азии и Америки, успешно вытесняя продукцию других стран, так как их техническое превосходство было очевидно. Процветание промышленности в Англии усилилось вследствие того, что к середине XIX в. англичанам стали доступны голландские колонии, а также благодаря широкой возможности использования новых коммуникационных линий на Тихом океане. Законодательство о свободной торговле, принятое в начале XIX в., подготовило путь для превращения Англии в "мастерскую мира". Оно создало благоприятные условия для буржуазии, заинтересованной в вывозе товаров, завоевании все новых колоний и рынков сбыта. Политика буржуазии пользовалась полной поддержкой правительства и была надежно защищена самым сильным в мире британским флотом. Небывалый рассвет промышленности, который обычно приписывали влиянию одной только свободы торговли, был в гораздо большей степени вызван колоссальным развитием железных дорог и океанского пароходства [3]. Одним из факторов, способствовавших процветанию промышленности Англии стала первая промышленная выставка в Лондоне в 1851 г., которую ее современники называли всемирным конгрессом продуктов и производителей. С самого начала возникновения идеи о выставке в Британии к ней относились как к важнейшему, незаурядному событию. И до сих пор английские авторы, затрагивающие проблемы первой всемирной промышленной выставки, обычно называют ее великой. И вполне закономерно. Одним из инициаторов проведения выставки был Г. Коул (1808-1882), видный государственный деятель, предприниматель и дизайнер. Санкционировал проведение этого грандиозного мероприятия принц Альберт, супруг английской королевы Виктории [4]. Он сумел убедить королеву и внушить ей такой же интерес к совершенно новому в то время предприятию.

8. Зарождение искусства экспозиции.

Экспозиция (лат. expositio — выставление напоказ, изложение):

Экспозиция — основная форма музейной коммуникации, образовательные и воспитательные цели которой осуществляются путём демонстрации музейных экспонатов, организованных, объяснённых и размещённых в соответствии с разработанной музеем научной концепцией и современными принципами архитектурно-художественных решений.

Организацию экспозиции можно разделить на три метода — коллекционный, ансамблевый, иллюстративно-тематический.

7. Промышленная революция 18 века.

В Англии раньше чем в других странах произошел промышленный переворот: крупное машинное производство вытеснило мелкое, основанное на ручном труде, сложились основные классы капиталистического общества - буржуазия и пролетариат, победил капиталистический способ производства. В середине XVII века в Англии произошла революция, которая устранила ряд феодальных пережитков и создала предпосылки для быстрого развития капитализма. Началом капиталистической эры является XVII век - век открытия новых стран, что означало и открытие новых рынков. Меняется в Англии и структура производства - представители крупных торговых кампаний скупают шерсть и организуют мануфактурное производство. Ремесленник-"цеховик", изготовлявший продукцию от начала и до конца, становится частью производственной цепочки, звенья которой (шерстобиты, чксальщики, прядильщики, ткачи) обеспечивают себя сырьем, материалами, станками и инструментами уже не самостоятельно. С ростом мануфактур в Англии развивается и собственная текстильная промышленность, экспорт шерсти, составлявший 9/10 всего экспорта в начале XVII века, заменяется вывозом сукна. Англия создает свой собственный торговый флот, образуются торговые компании, покупающие у правительства монопольное право на торговлю как внутри, так и вне страны. Московская компания - для торговли с Россией, Левантская компания - с Турцией, Грецией, Малой Азией, ост-Индская - с Индией. После успешной войны с Испанией Англия проникает в испанские колонии. В начале XVII века Англия все же была по преимущественно аграрной страной - из 5,5 млн. чел населения 75% жило в деревнях. Однако 75% земель не принадлежало крестьянам. Еще Генрих XVIII начал конфискацию церковных земель и распродажу их. А потом начались захваты дворянами общинных земель, "огораживание" их под пастбища, следствием чего стало обезземеливание крестьян, их обнищание и, разумеется, многочисленные бунты и восстания "черни".

7. Роль новых профессионалов – промышленных художников в промышленном производстве

ПРОМЫШЛЕННЫЙ ДИЗАЙН — сфера проектной деятельности, занятая художественным проектированием элементов предметного наполнения среды обитания человека, создаваемых методами индустриального производства. Его можно рассматривать кок исключительное явление в проектной культуре, положившее начало всей области проектной деятельности, получившей в XX веке название «дизайн». В ряду разнообразных видов дизайнерской деятельности — архитектурного (средового), промышленного, графического дизайна — два первых имеют особое значение: их объекты постоянно окружают нас, встречаясь практически в любых ситуациях нашей жизни. Более того, будучи смежными сферами проектной культуры, они теснейшим образом связаны между собой. Промышленный дизайн как самостоятельная проектная дисциплина зарождался в недрах архитектуры; люди, стоявшие у его истоков — У. Моррис, К. Дрессер, Г. Мутезиус, П. Беренс, — имели архитектурное образование и начиноли свою проктику как архитекторы. Основным отличием промышленного дизайна от других областей проектного творчество считается его ориентация на массовое промышленное производство. Надо признать, что при соответствии этого определения истине в большинстве случаев провести четкую границу между промышленным дизайнам и смежными областями практически невозможно. Действительно, объекты архитектуры, как правило, уникальны и привязаны к конкретному месту. Однако как быть тогда с объектами типового проектирования, с домами индустриального строительства, мобильными архитектурными объектами? Примерно то же можно скозать и про дизайн визуальных коммуникаций: знак, выполненный в виде светового короба или табло, — несомненно изделие промышленного дизайна; он же, будучи нанесен на поверхность какого-либо сооружения, — уже объект дизайна графическою. Естественно, несоответствие формы вещи ее функции и технологии производства не могло сохраняться долго: помимо чисто эстетических проблем оно отрицательно влияло на сбыт. Попытки же добиваться «ремесленного» качества изделий индустриальными методами приводили к усложнению и удорожанию производства. Это положение уже в середине прошлого века стало объектом критики. Так, Дж. Рёскин — художник, теоретик изящных искусств и архитектуры — провозгласил тезис о неразрывности красоты предмета и его функции. Однако он не сумел оценить перспективы, открывающиеся перед художником в промышленном, производстве, и до концо дней своих оставался убежденным противником машинных технологий, видя пути выхода из тупика в формообразовании только в возрождении традиций ремесла.

7. Технические изобретения

Изобретения 19-20 века весьма многочисленны. Самыми значительными можно назвать фотографию, динамит, анилиновые краски для тканей. Кроме того, были открыты более дешевые методы изготовления бумаги, спирта, изобретены новые медикаменты. Технические изобретения 19 века имели большое значение в развитии общества. Так, при помощи телеграфа люди смогли передавать сообщения в течение нескольких секунд с одного конца мира на другой. Изобретен телеграф в 1850 году. Немного позже начали появляться телеграфные линии. Грэхем Белл изобрел телефон. Сегодня люди не представляют себе жизнь без этого открытия. Изобретения 19 века стали мощным толчком к развитию химии, физики, математики. Особенностью этого периода являлось повсеместное применение электричества. Ученые того времени занимались изучением электромагнитных волн и их влиянием на разные материалы. Использовать электричество начали и в медицине. Майклом Фарадеем было замечено явление электромагнитной индукции, Джеймсом К. Максвеллом была разработана электромагнитная теория света. Генрих Герц доказал, что электромагнитные волны существуют. Изобретения 19 века в области медицины и биологии были не менее значимыми, чем в других научных областях. Большой вклад в развитие этих отраслей внесли: Роберт Кох, открывший возбудителя туберкулеза, Луи Пастер, ставший одним из основателей микробиологии и иммунологии, Клод Бернар, заложивший основы эндокринологии. В этом же столетии было получено первое рентгеновское изображение. Французские доктора Бриссо и Лонд разглядели пулю в голове больного. Изобретения 19 века были и в области Астрономии. Эта наука стала стремительно развиваться в ту эпоху. Так, появился раздел Астрономии – Астрофизика, занимавшаяся изучением свойств небесных тел. Большой вклад в развитие химии внес Дмитрий Менделеев, открыв Периодический закон, на основании которого была создана таблица химических элементов. Таблицу он увидел во сне. Некоторые предсказанные элементы были открыты в последствии. Начало 19 века ознаменовано развитием машиностроения и промышленности. В 1804 году был продемонстрирован автомобиль на паровом двигателе. В 19 столетии был создан двигатель внутреннего сгорания. Это способствовало разработке более быстрых средств передвижения: пароходов, паровозов, автомобилей.

В 19 веке начали строиться железные дороги. Первая была построена в 1825 году Стефенсоном в Англии. К 1840 году протяженность всех железных дорог была около 7700 км, то в конце 19 века она составляла порядка 1 080 000 км. Считается, что компьютерами люди стали пользоваться в 20 веке. Однако первые их прообразы были изобретены уже в предыдущем столетии. Француз Жаккар в 1804 году открыл способ программирования ткацкого станка. Изобретение позволяло управлять нитью при помощи перфокарт, которые содержали в определенных местах отверстия. При помощи этих отверстий предполагалось нанесение нити на ткань. Изобретенные в конце 18 века токарные станки, в 19 веке нашли широкое применение в промышленности. Оборудование с успехом заменяло ручной труд, обрабатывая металл с высокой точностью. 19 век по праву называют веком «промышленной революции», железных дорог и электричества. Это столетие оказало огромное влияние на мировоззрение и культуру человечества, изменив его систему ценностей. Изобретение электрических ламп, радио, телефона, двигателя и многие другие открытия перевернули человеческую жизнь того времени.

10. Проявление стиля «модерн» в странах Европы и России (ар-нуво, сецессион,     югенд-стиль, модерн).

В последнее десятилетие XIX в. в Европе складывается новый стиль в искусстве, получивший в разных странах различные названия. Во Фран­ции новое движение распространялось под названием «ар нуво» (новое искусство), которое оно получило по названию художественного магази­на-салона, открытого в Париже в 1895 г. Самуэлем Бингом. Бинг пригла­сил молодого и тогда еще непризнанного бельгийского архитектора Анри. В других странах этот стиль получил иные названия. В Австрии новое движение ведет свое летосчисление с того момента, когда группа художни­ков в знак протеста против официального академического искусства выш­ла из состава мюнхенской выставочной организации «Glaspalast». Отсюда и происходит наименование стиля: сецессион (от лат. secessio - отделение, уход), которое привилось в Австрии. В Германии для обозначения этого направления в искусстве бытовал термин «югенд-стиль» (Jugendst.il) -«молодой стиль». Это название возникло в связи с названием литератур­но-художественного журнала «Jugend», вокруг которого объединялось молодое поколение. Примечательно, что понятие «югенд-стиль» вначале относилось только к художественным ремеслам. В России он получил название модерн (новейший, современный). Анг­лийский синоним этого названия - Modern Style. Новый стиль получил и другие названия - стиль Liberty, стиль Metro. Он даже назывался имена­ми наиболее ярких представителей этого направления - стиль Орта, стиль Мухи. Такое обилие названий лишь подчеркивало широкое распростране­ние и популярность нового стиля. На первый взгляд может показаться парадоксальным, но в Англии стиль «ар нуво» не получил широкого распространения, несмотря на то что анг­лийское искусство XIX в., в частности графика прерафаэлитов и деятель­ность Уильяма Морриса, во многом подготовило развитие на континенте этого «космополитического» направления. Между тем в самой Англии, где господствовал неоромантизм и культ традиций, влияние «ар нуво» ощу­щалось слабо. Менее консервативная Европа свободно использовала все новшества XX в., и новый стиль стал активно развиваться в Бельгии, Гол­ландии, Австрии, Франции, Германии и России. В целом это было одно из самых ярких явлений во всем европейском искусстве. Именно модерн стал мостом, по которому архитекторы и дизайнеры вышли из тупика подража­ния историческим стилям прошлого. Быстрому распространению нового художественного течения способ­ствовали многочисленные выставки, иллюстрированные художественные журналы, газетные статьи. Этот свежий, продиктованный внутренней не­обходимостью стиль привлек на свою сторону лучшие художественные силы эпохи. За сравнительно небольшой промежуток времени модерн охва­тил самые разнообразные виды искусства - от монументальной архитек туры до всех видов прикладного искусства. Кроме того, он проник в лите­ратуру, театр, танцы, музыку, овладел модой на одежду, прически. Иници­аторами этого стилевого направления, носившего отчетливо выраженный декоративно-прикладной характер, были живописцы и графики. Они тво­рили, давая волю своей фантазии, и мало считались с требованиями функ­ционально-технологического характера. Несомненной заслугой этого сти­ля был решительный отказ от старых стилевых форм. Очень ярко эта тен­денция проявилась в архитектуре и интерьерах особняков, где под влия­нием нового стиля произошли наиболее радикальные изменения. Еще во второй половине XIX столетия перед архитектурой раскрылись новые возможности. Решительные шаги вперед сделала строительная тех­ника; стали применяться материалы, которые облегчили и ускорили стро­ительство. Сама жизнь востребовала новые «жанры», утверждение кото­рых было связано с промышленным оснащением городов. Повсеместно строились промышленные предприятия, вокзалы, магазины, пассажи, уже вошли в моду доходные дома. Это богатство типологии строительства ста­ло едва ли не главной отличительной чертой архитектуры данного перио­да. При этом совершенно переменилось представление об архитектурном стиле, изменился подход к решению стилистических задач. Единого «со­временного» стиля просто не было; трудно было собрать его из разных фрагментов исторических стилей, составив некую мозаику из разрознен­ных и несовпадающих частиц. Столь же невозможно было самой архитек­туре «выбрать» какой-то из стилей, культивировавшийся зодчими в то вре­мя, пусть даже самый популярный. Подобный выбор означал бы отступле­ние назад, в иную историческую эпоху. Нужен был новый стиль, и это ста­ло все острее осознаваться в последние десятилетия XIX в.

Сецессион (нем. Secession, Sezession, от лат. secessio — отделение, обособление) в искусстве обозначает разрыв группы художников с художественным направлением, считающимся ими несовременным. Фактически речь идёт об разрыве с художественным рынком, где господствовали официальные союзы художников и их жюри, и отказе от государственной поддержки. Сецессионы были тесно связаны с югендстилем. В Австрии и Венгрии «сецессион» даже является синонимом югендстиля.

Разные направления:

• Берлинский сецессион

• Мюнхенский сецессион

• Венский сецессион

• Свободный сецессион

• Новый сецессион

• Дом сецессиона

Моде́рн (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, наиболее распространённое в последней декаде XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны). Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например в архитектуре), расцвет прикладного искусства.

Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. В других странах называется также: «тиффани» (по имени Л. К. Тиффани) в США, «ар-нуво» и «fin de siècle» (букв. «конец века») во Франции, «югендстиль» (точнее, «югендштиль» — нем. Jugendstil, по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала Die Jugend) в Германии, «стиль Сецессион» (Secessionsstil) в Австрии, «модерн стайл» (modern style, букв. «современный стиль») в Англии, «стиль либерти» в Италии, «модернизмо» в Испании, «Nieuwe Kunst» в Нидерландах, «еловый стиль» (style sapin) в Швейцарии.

Движение Сецессиона зародилось в среде венского авангарда в конце 1880-х гг., а в 1920-х гг. уступило место стилю ар деко. Сецессион был попыткой вырваться из тисков романтического историзма, свойственного искусству XIX в. Представители этого стиля пытались отыскать новые источники вдохновения в отдаленном прошлом, и в первую очередь в народном искусстве Трансильвании. Для Сецессиона характерны причудливые композиции, яркие краски и стилизованные формы, а также концепция «искусства для искусства». Представители Сецессиона обращались ко всем формам декоративного и изобразительного искусства, от живописи и скульптуры до керамики и дизайна интерьеров. Их достижения прекрасно отражают картины в Венгерской национальной галерее, керамические изделия фабрики Жолнаи (их в Будапеште можно встретить повсеместно) и замечательная будапештская архитектура конца XIX — начала XX в.

Югендштиль или югендстиль (нем. Jugendstil) – наименование стиля «модерн», применяемое к немецкому и австрийскому искусству. Произошло от названия мюнхенского журнала “Die Jugend”, основанного в 1896 году и пропагандировавшего этот стиль. Являлся протестом против консервативных и пафосных стилей барокко, рококко и классицизма.

Югендстиль возник как опровержение всех предыдущих стилей в Брюсселе, в конце 19 века. В каждой стране югендстиль получал новый облик и название: «сецессион» в Австрии, «модерн» в России, «стиль либерти» в Италии, «ар нуво» во Франции. Югендстиль совмещает в себе приятное с полезным, поэтому построенные в таком стиле дома отличаются практичной планировкой, экспрессивным орнаментом, использованием новейших технологий строительства. Одной из особенностей югендстиля является своеобразная трактовка исторических стилей. Отличительными особенностями югендстиля являются отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям в архитектуре и использование прикладного искусства.

10. Представители стилей.

Представители стиля сецессион

Дама в красном Ийожеф Риппль-Ронаи (1861-1927) — один из трех наиболее видных представителей венгерского Сецессиона. Несколько лет он учился в Париже, когда там процветало движение «Арт нуво», т.е. модерн. Его шедевр Дама в красном (1896) изображает женщину в несколько аффектированной позе; взгляд художника явно застал ее врасплох. Эта картина стала первым в Венгрии образчиком стиля Сецессион.

Девушка с птичьей клеткой Раннее произведение Йожефа Риппля-Ронаи Девушка с птичьей клеткой (1892) отличается великолепным контрастом белых рук девушки с размытым темным фоном. Несколько напряженная поза держащей клетку модели, силуэт которой очерчен плавной изогнутой линией, — характернейшая черта стиля художника.

Дворец в Кёртивельеше В 1904 г. Риппль-Ронаи посетил Италию. Большое впечатление произвели на него мозаики, которые он увидел во многих частных домах. Эта работа 1907 г. предвосхищает переход от мягкой работы кистью к мощным мазкам, которые характеризуют смелый стиль его поздних работ.

Одевающиеся девушки. Эта поздняя работа Риппля-Ронаи, законченная в 1912 г., — доказательство обращения художников Сецессиона к смелым мазкам и ярким краскам. Несколько неестественная поза девушки слева свидетельствует о склонности художника играть со зрительским восприятием.

Золотой век Иянош Васари (1867-1939), второй член великого триумвирата венгерских художников-модернистов, испытал влияние как стиля арт нуво, так и постимпрессионизма. Это полотно 1898 г., полное ностальгии по утраченному раю, возможно, является его лучшей работой.

Представители стиля югендстиль

Густав Климт .

Представители стиля модерн

 Герда Вегенер — Дания;

 Станислав Выспяньский — Польша;

 Морис Дени, Эдмон-Франсуа Аман-Жан — Франция;

 Густав Климт — Австрия;

 Жорж Леммен, Фернан Кнопф — Бельгия;

 Альфонс Муха — Чехия;

9. Роль художественных ремесел в формировании предметной среды в стиле «модерн».

В конце XIX века в искусстве появляется новый стиль, приверженцы которого пытаются отойти от историзма и эклектизма современного искусства. Этот стиль получил название модерн (от франц. modernus - новейший, современный). Стиль модерн - одно из названий крупного стилевого направления в искусстве Европы и США. Модернизм отличает естественная и органическая связь с развитием искусства в каждой из стран, почему и применяется несколько возникших независимо друг от друга наименований. Ярче всего модерн проявляется в архитектуре, книжном оформлении, искусстве плаката, скульптуре и живописи.

Впервые новый стиль заявил о себе в Англии. В других западно-европейских странах модерн формировался в 1880-х годах. Во Франции он носил название «ар нуво», в Германии - «югендстиль», в Австрии - «сецессион», в Италии - «либерти», в Испании - «модернисмо», в Польше - «сецесия».

Модернизм возник как один из видов неоромантического протеста против распространившегося в культуре Европы поклонения рассудочности и практицизму. В стилевом отношении модернизм противопоставляет эклектике, господствовавшей в искусстве XIX века, внутреннее единство и органичность. Таким образом, модернизм рождался как стиль обобщающего, универсального типа. В центре интересов теоретиков и лидеров модернизма - развитие осмысленной и одухотворенной формы, которая выражала бы напряженность и утонченность творческого духа переломной эпохи. По мысли его идеологов, среди которых особенно велика роль замечательного архитектора Х. ван де Велде, модернизм должен был стать стилем жизни нового общества, создать вокруг человека целостную, эстетически совершенную предметную среду, которая позволила бы по-новому увидеть старые и создать новые формы, приемы, материалы. Одна из самых важных для модерна идей - преодоление пропасти между художественным и утилитарным.

Наиболее последовательно модернизм осуществил свои принципы в сфере создания индивидуальных жилищ, которые мыслились как единый ансамбль в архитектурном, декоративном и дизайнерском отношениях. Но в духе модерна строились и многочисленные деловые, промышленные здания, вокзалы, театры, многоквартирные дома. Становление модерна начинается на рубеже XIX-ХХ вв. В этот период возрождаются национально-романтические увлечения, интерес к искусству Средневековья, к фольклору. К числу важных вех в истории модерна относится возникновение художественных мастерских, прообразами которых были мастерские У. Морриса в Великобритании, организованные им еще в 80-е гг. XIX в.; немецкие мастерские художественных ремесел в Германии, венские мастерские в Австрии, мастерские в Абрамцеве в России и многие другие.

Зрелый этап модерна наступает в первом десятилетии ХХ века. Теперь этот стиль уже не сводится к сумме локальных школ, а приобретает черты интернационального. Быстрому его распространению способствовали многочисленные журналы, выходившие во всех европейских странах в 90-х годах XIX в. (к числу таких изданий относится и знаменитый «мир искусства»). Модерн культивирует новый тип художника-универсала, соединившего в одном лице архитектора, графика, живописца, дизайнера и очень часто теоретика. Большую популярность получает рожденная еще в эпоху позднего романтизма идея «совокупного произведения искусства», автором которой был один из властителей дум эпохи, немецкий композитор Р.Вагнер. Идея цельного произведения искусства ярче всего получило свое воплощение в архитектуре интерьеров, лучшие образцы которых отличает ритмическая согласованность линий и тонов, единство деталей декора и обстановки (мебель, обои, лепнина, панели и т.д.). Такой интерьер мыслился как однородное художественно единое пространство, усложненное и расширенное зеркалами, многочисленными окнами, живописными панно. Архитектура модерна явилась первым шагом в развитии зодчества ХХ века. Она стремилась к единству конструктивного и художественного начал, осваивала свободную, функционально-осмысленную планировку, применяла каркасные конструкции, разнообразные новые материалы, в том числе железобетон, стекло, кованый металл, необработанный камень. Свободно размещая постройки архитекторы модерна отвергали симметрию и нормы регулярной застройки. Их целью было индивидуализированное произведение архитектуры, при этом здание и его конструктивные элементы получали декоративное и символически-образное осмысление. Конкретные авторские стили архитектуры модерна различны. У многих мастеров преобладает стремление к необычным живописным эффектам, динамике, пластичности и текучим очертаниям, уподоблением архитектурных форм органическим природным явлениям. Таковы произведения А. Гауди в Испании, Х. ван де Велде в Бельгии, Ф. Шехтеля в России. Но, наряду с этим, существовала и рационалистическая тенденция. Ее сторонники тяготели к геометрической правильности больших, спокойных плоскостей, к строгости. Таковы работы Й. Хофмана в Австрии, Ч. Макинтоша в Шотландии, позднее произведения Ф. Шехтеля. Основное выразительное средство стиля модерн - орнамент, который не только украшает произведение, но и формирует его композицию. В интерьерах бельгийских архитекторов изящные линейные плетения, подвижные растительные узоры рассыпаны по стенам, полу, потолку, они объединяют архитектурные плоскости, организуют пространство. Текучие линии декора нередко имеют и символический смысл. У мастеров венского модерна - Й. Хофмана, Й. Ольбриха, в работах Ч. Макинтоша строго геометричный орнамент варьирует мотивы круга и квадрата. Несмотря на провозглашенный отказ от подражания историческим стилям, художники модерна использовали линейный строй японской гравюры, стилизованные растительные узоры древнего эгейского искусства или готика, элементы декоративных композиций барокко, рококо, ампира. Для модерна характерно взаимопроникновение станковых и декоративно-прикладных форм искусства. Так, принципы орнамента раньше всего сложились в графике модерна. Литография, ксилография, искусство книги достигли в этот период особенных высот в творчестве О. Бердсли, Ф. Валлоттона, А. Бенуа, А. Мухи, К. Мозера и множества других блестящих мастеров-графиков. В живописи и скульптуре модерн, неразрывно связанный с символизмом, стремился создать собственную художественную систему, однако был довольно зависим от крупных направлений предшествующего периода. Кроме того, живопись рассматривалась как элемент интерьера, поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна. В ней часто встречается парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных фонов и вылепленных со скульптурной четкостью фигур и лиц на первом плане. Образцовым в этом смысле является искусство Г. Климта. Стиль А. Мухи представляет собой пример идеального применения линейности в искусстве модерн. Как и многие художники-модернисты, А. Муха был одновременно дизайнером: он создавал эскизы для ювелирных украшений, витражей, мебели, театральных декораций, костюмов. Выразительность живописи достигалась сочетанием больших цветовых плоскостей (группа «Наби» во Франции, Л. Бакст в России). Наблюдался значительный интерес к символике линии и цвета, к темам меланхолического созерцания, скорби, тайны, пряной эротики, к легендарно-сказочным сюжетам. С искусством модерна связаны имена таких известных художников, как П. Гоген, П. Боннар, М. Дени, Э. Вюйар, П. Серюзье во Франции, Э. Мунк в Норвегии, Ф. Ходлер в Швейцарии, Г. Климт в Австрии, Ф.фон Штук в Германии. Художник-модернист говорит, что он не хочет ориентироваться на обывателя, мещанина, на буржуазную публику, на неразвитое эстетическое сознание. Но характер его разрыва с ним таков, что он уходит от человечности вообще. И поэтому модернистское искусство становится не только антинародным, но и противоестественным. Уже в первой четверти ХХ века появляются модернистские течения, возвращающиеся к предметности. Но этот возврат либо приобретает натуралистический характер, поскольку связан с безыдейностью, с отказом от передовых общественных идеалов, либо оказывается мнимым, поскольку сохраняет отказ от изобразительности. Регресс искусства оказывается невозможно преодолеть на модернистской основе, не выходя за ее границы. Ярким представителем модерна в книжной графике был Обри Бердсли.

9. Понятие «художественный ансамбль».

АНСА́МБЛЬ (франц. ensemble — "вместе, сразу, в одно время"; от франц. semblable — "похожий, подобный"; греч., лат. symplegas — "сцепление, сплетение") — в музыке ансамблем называют художественную согласованность исполнения одного произведения совместно несколькими артистами, одновременное пение или игру нескольких исполнителей, а также собственно произведение, специально сочиненное для такого исполнения: дуэт, трио, квартет, концерт, хор, симфония. В изобразительном искусстве, в самом широком смысле, ансамбль — концептуальное выражение свойства аккордности композиции, взаимного согласия многих разнородных тем, форм, мотивов, имеющих и свое самостоятельное значение. Формальный аспект явления ансамблевости — гармония (греч. harmonia — "согласие"). И, напротив, шире: ансамбль — это полифонический тип композиции. Ансамблевая целостность отличается от общего понятия композиции (лат. compositio — "соединение"). По определению теоретика архитектуры эпохи Итальянского Возрождения Л. Б. Альберти, композиция — это "нечто расчлененное на части, но не утратившее своей целостности". В композиции художественный смысл кроется в особом характере связей частей между собой; сами по себе эти части мало что значат, они не являются законченными (а иногда по отдельности вообще теряют смысл). В художественном ансамбле, или ансамблевом типе композиции, каждая из частей представляет собой вполне самостоятельное образное целое, т. е. отдельную композицию. Особенностью творческого метода работы художника в этом случае является согласование в пространстве (онтологически) и времени (концептуально, в процессе восприятия) разных, часто контрастных форм различного происхождения, строения, стиля. Они могут восприниматься как одновременно (см. симультанизм), так и последовательно, поочередно, не теряя от этого своих художественных качеств. Этим ансамбль принципиально отличается от других типов взаимодействий: связи элементов одной и той же формы между собой (гармонический тип композиции), взаимодействия элементов разных видов искусства в одной композиции, либо художественного синтетизма (неразъединимого единства элементов содержания и формы в самом мышлении художника). Противоположная категория — монолитность. Если не существует отдельных, относительно самостоятельных целостностей — это не ансамбль. Восприятие художественного ансамбля предполагает определенную последовательность "прочтения", переход, движение от одной композиции к другой. Поэтому автор должен продумывать, сочинять именно это движение, выстраивать его направленность, напряженность, "узловые точки", паузы и "кульминации формы". Для этого художник использует специфические средства: ритм, контраст, отношения величин, симметрию, подобие форм, масштабность и соответствующие им приемы композиции (см. акцент, акцентирование; пропорционирование; уравновешивание; тропы художественные). Но ансамбль художественных форм может складываться и спонтанно, в силу историзма самого художественного мышления, трудами многих поколений людей. Когда проходишь по историческому центру старого города, отдельные здания, фасады, статуи, относящиеся к разным эпохам и стилям, но имеющие глубокий исторический смысл, складываются в единый ансамбль. Они не могут быть дисгармоничны, несмотря на формальные различия, по причине объединяющей их духовности. Ансамблевой силой в этом случае обладает восприятие этих форм зрителем (при том условии, разумеется, что зритель художественно образован). Как любой подлинно художественный стиль несет в себе воспоминания о прошлом, следы исторически предшествующих форм, так же складывается и лицо города. Отсюда термин "исторический ансамбль", почти тождественный ансамблю художественному (см. также контекстуализм; интермедиальность). Пространственная составляющая художественного ансамбля связана с декоративностью — результатом осмысления художником связи его произведения с окружающей средой. Временна́я — с категорией стиля. Историко-художественный ансамбль есть стилистическая целостность художественных произведений, созданных в разное время и в различных исторических стилях. Смысл этой зависимости показал А. Хильдебранд (Гильдебранд), скульптор и теоретик искусства, на примерах исторической судьбы ансамблей главных площадей Флоренции и Венеции. Он писал в 1908 г.: "Между характером форм зданий и окружающим пространством существует внутренняя связь... Чувство этой связи совершенно исчезло в прошлом столетии, одновременно с развитием музейного дела и связанной с ним привычки рассматривать художественные произведения вне их связи, как отдельные произведения искусства... Можно привести массу примеров этого нехудожественного понимания „вещи в себе“, — понимания, которое, к сожалению, почти везде господствует в настоящее время. Оно до такой степени укоренилось во всех школах, политехникумах и университетах, перейдя оттуда в головы образованных людей, что потребуется смена целого поколения для того, чтобы снова открыть людям глаза на общий закон всякого искусства, а именно: что художественное произведение всегда бывает задумано как часть чего-нибудь большого, как часть некоторой ситуации. Как шпага существует сама по себе, и в то же время своей рукоятью указывает на руку, которая должна держать ее, так и художественное произведение не только действует само по себе, но указывает на окружающую обстановку. Чем сильнее эта двойная жизнь, тем шире поле деятельности отдельного произведения, тем больше его художественное значение"¹. Подобно экстерьеру, и в архитектурном интерьере предметы разного происхождения и стиля: мебель, посуда, драпировки, светильники, если они несут в себе историко-художественный смысл, имеют свою душу (см. анима, анимизм), — они самым естественным образом складываются в художественный ансамбль. И напротив, если предметы поддельны, вторичны, подражательны, не имеют "своего голоса" (как в музыкальном ансамбле), они порождают эклектику (которую можно сравнить с музыкальной атональностью; см. "викторианский стиль"; неостили; суррогат). В более материальном, прагматическом аспекте в ансамбле предметов декоративного или прикладного искусства можно выделить разновидности: гарнитур, комплект, сервиз, набор. Поскольку художественный ансамбль (в отличие от целостностей иного рода) основывается на стилистическом взаимодействии компонентов, он может служить темой, материалом для "стилистических версий" как в творчестве художников, так и при исследовании, анализе искусства определенной эпохи (см. гезамткунстверк; морфология изобразительного искусства; стиль; стилизация).

9. Формирование выставочного пространства и рекламы

Задачи, которые решаются в данном задании:

− оценка композиционных качеств участка и знакомство с функциональным зонированием;

− объемно-пространственная организация;

− пластическая разработка составных элементов;

− закрепление результатов на подрамнике в виде графической части и в виде макета.

Этап творческого поиска. Первая фаза – клаузура– первичное представление об объекте –были сделаны наброски выставочного павильона.Вторая фаза– разработка эскиза - идеи. Произвелся анализ накопленной информации,на основании которого была сформулирована идея которая определила направление дальнейшей работы. На данном этапе учитывались факторы, влияющие на объемно-планировочное решение

(место расположения,рельеф, природное окружение и т.д.). Эскиз-идея выполнялся в набросках и рабочем макете из бумаги.

Третья фаза– эскизирование(процесс развития эскиза-идеи).На этом этапе происходило вариантное эскизирование– уточнение,направленное на осуществление связей объекта с окружающей средой его объемно-пространственного решения. Из нескольких вариантов отобрался основной, который и ложится в основу дальнейшей разработки.

Этап творческой разработки– более детальная проработка.Происходило дальнейшее уточнение объемно-планировочного решения, проработка фасадов, элементов благоустройства,деталей и т.д.Решался вопрос антуража и надписей.

Задачи пред проектного анализа

Пред проектный или подготовительный этап проектирования,этап на котором идет накопление информации путем изучения отечественного и зарубежного опыта (работа в библиотеках,сбор аналогово материала).

Основная задача состоит в том, чтобы набрать определенный зрительный ряд, на основе которого, будут сделаны наброски собственного проекта выставочного павильона.