Искусство западной европы хуіі в.

Барокко. Общая характеристика

В ХУІІ ст. в Европе сложились два новых стиля – барокко и классицизм, которые охватили все виды искусства.

В 1555 г. Папа Римский Павел IV объявил, что основные догмы (положения) христианам человеческое мышление способно воспринять только через циклическое (сверхъестественное) озарение, которое Бог им дарует далеко не каждому. Человек должен покаяться в грехах, приблизить душу в полное подчинение воле Божьей и тем самым приблизиться к познанию истины и воссоединению с Богом.

Эти религиозные идеи легли в основу стиля барокко, сложившего­ся в Италии в 80-х годах XVI ст., и определили основные его черты. Эмо­циональная выразительность, масштабность и насыщенность движением, сложность композиции – все это должно было создать у зрителя осо­бый духовный настрой. Само название стиля (итал. bаrоссо - «стран­ный», «непредсказуемый») появилось позже и не отражает его глубин­ного смысла.

Если мировоззрение Ренессанса строилось на вере в гармонию мира, в человека, то мировоззрение барокко пронизано ощущением трагического противоречия человека и мира, где человек занимает уже не главное место, а растворен в его многообразии, подчинен среде, об­ществу, государству. Наука и искусство уже не слиты воедино. Отра­жая сложную атмосферу времени, барокко соединяет в себе, казалось бы, несоединимые элементы: мистику, повышенную экспрессию – и трезвость, рассудительность, истинно бюргерскую деловитость.

Величавость, сдержанность искусства Ренессанса сменяется любо­вью к динамике, вместо меры и ясности – контраст, асимметрия, пере­груженность декоративными мотивами.

В архитектуре барокко тяготеет к ансамблю, к организации про­странства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, городские резиденции построены по принципу синтеза архитектуры и скульптуры.

В живописи барокко предпочитает вместо линии – живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, нарушает принципы прямой ли­нейной перспективы. Парадный портрет – главный вид живописи. На­тюрморт и пейзаж – как дополнение.

Место и время развития барокко – это те страны, где торжествова­ли феодальные силы и католическая церковь. Ведущие школы – итальянская, испанская, фламандская, голланд­ская, французская.

ИТАЛЬЯНСКОЕ ИСКУССТВО XVII ст.

Общая характеристика архитектуры и скульптуры

Центром развития нового искусства барокко стал Рим («Бароч­ный Рим»). Архитекторы включают в целостный архитектурный ан­самбль не только отдельное здание, площади, но и улицы, придают им строго прямолинейные очертания. Начало и конец улиц отмечены ар­хитектурными (площади) или скульптурными памятниками. Особого размаха достигает архитектура вилл, где большое место уделялось са­дово-парковому ансамблю. Гроты, скульптуры, фонтаны обильно ук­рашают парк, усиливают пышность архитектурного убора дворца.

В культовом зодчестве интерьер церкви как места пышного теат­рального обряда католической службы являет собой синтез всех видов изобразительного искусства. Скульптура тесно связана с архитектурой.

Творчество Л.Бернини

Примером является творчество Лоренцо Бернини (1598 – 1680) архитектора и скульптора. Придворный архитектор и скульптор римских пап, Бернини возглавлял все архитектурные и скульптурные работы Рима. Его главные работы: королевская лестница в Ватиканском дворце, связавшая папский дворец с собором, сенькиворий в соборе Св. Петра, статуи, рельефы, оформление гигантской площади перед собором Св. Петра (280 м)...

Скульптурные работы: «Давид», «Экстаз Св.Терезы», алтари для церквей, надгробия знаменитым людям, фонтаны...

Живопись

В живописи Италии XVII в. существовало два направления: «болонский академизм» и «караваджизм».

Три брата КАРРАЧИ основали в г. Болонье «Академию направленных на истинный путь», где художники обучались по определенной программе. Принципы болонской академии: изучение натуры, профессионализм, идеализация, облагораживание натуры и природы (чтобы они стали достойным предметом изображения в соответствии с классическими нормами). Принципы обучения художника, разработанные братьями Каррачи, легли в основу академической системы образования, существующей до сих пор.

Судьба основоположника второго направления в итальянской живописи XVII в. – МИКЕЛАНДЖЕЛО КАРАВАДЖО (1573-1610, настоящее имя Меризи), сложилась трагически. Одаренный мастер, он вел странную, неустроенную жизнь, был неуравновешенным человеком и дрался на дуэлях. Одна из дуэлей окончилась смертью противника, и художник последние 4 года провел в скитаниях, умер в полной нищете. Его картины у современников вызывали как восторги, так и яростные нападки. Караваджо был основателем реализма в Италии. Единственным источником его искусства была окружающая его действительность. Его метод был антиподом академизму и сам художник бунтарски восставал против него. Отсюда обращение к необычным персонажам: картежникам, шулерам, гадалкам, что положило начало жанровой живописи в Италии («Лютнист», «Игроки», «Корзинка с фруктами»). Но главными для Караваджо оставались религиозные темы. Но и здесь, он выступает новатором и апостолов делает похожими на крестьян. Его картины были так реалистичны, что заказчики отказывались от них, не усматривая в них должного благочестия и идеальности.

В XVII в. Италия еще занимала ведущее положение в искусстве Европы, но с XVIII в. начинается его упадок.

ИСПАНСКОЕ ИСКУССТВО XVII ВЕКА

Общая характеристика. Эль Греко

Со II половины XV в. Испания уже была единым государством, в ХVI в. достигла политического и экономического могущества в Европе, была самой сильной морской державой, владеющей огромными колониями. Но к концу века это могущество теряется, зато наступает расцвет испанской культуры: литературы, театра (Сервантес, Лопе де Вега), живописи XVII век называют «золотым веком» испанской живописи.

Для испанского искусства было характерно существование сред­невековых готических традиций, а также влияние мавританского (арабского) искусства (арабское владычество длилось 8 веков). У испанских художников было два основных заказчика: первый - это двор, и второй - церковь. Роль католической церкви в испанской живописи была очень велика. Религиозными идеями освящено все искусство Испании, идеал национального героя выражен в образе святых.

Блестящий расцвет живописи начинается с появлением в 1576 г художника Доменико Теотокопули, прозванного ЭЛЬ ГРЕКО, поскольку он был греческого происхождения и родился на острове Крит (1571 -1614). Он учился в Италии у Тициана, затем приехал в Мадрид. Не оце­ненный при мадридском дворе, он уезжает в Толедо и становится гла­вой толедской школы. Тематика его искусства - чаще религиозные сю­жеты («Погребение графа Оргаса», «Апостолы Петр и Павел», «Взятие под стражу»), реже - античные мифы («Лаокоон»), много портретов и пейзажей, в основном, виды Толедо. Герои Эль Греко «вкушают радость в страдании», находятся в состоянии крайней взволнованности, экзаль­тированности, эмоционального напряжения. Лица героев - удлинены, аскетичны, глаза посажены асимметрично и широко открыты. В пейза­жах часто подчеркивает ничтожность человека перед природой («Вид Толедо в грозу»).

«Золотой век испанской живописи открывается именами худож­ников Франсиско Рибальта, Хусепе Рибера, Франсиско Сурбарана, Диего Веласкеса.

Хусепе Рибера (1591-1652) считается последователем итальянс­кого художника Караваджо, представителя реализма в европейской живописи. Учился в Испании, затем долгие годы жил в Италии. Тема­тика его произведений: античные и библейские сюжеты, жития святых. Как истинный сын барокко, он предпочитает изображать сцены мученичеств и страданий, в них ярче представлена нравственная сила героев («Мученичество Святого Варфоломея»). Важным для художника был образ аскета-отшельника, отказавшегося от мирских благ. Он неоднок­ратно изображает Святого Иеронима, отшельника IV века. В картине «Святая Инесса», повествующей о юной христианке, отданной на поругание толпы, но спасенной богом, он запечатлел свою дочь. Картина «Хромножка» изображает маленького калеку, полного внутренней силы.

Творчество Франсиска Сурбарана (1598-1664) принадлежит к севильской школе. Заказчиком Сурбарана была церковь, главными персонажами - святые, монахи. В картине «Святой Лаврентий» тема мученичества представлена художником как триумф: Лаврентий облачен в праздничные одежды, его лицо сурово и мужественно. В руках он держит решетку, на которой его сожгут. Картина «Молитва Святого Бонаветуры» посвящена истории выбора папы.

Вершиной испанской живописи XVII в. считаются произведения Диего Веласкеса (1599-1660). Никто из современников не мог сравниться с ним по широте художественного интереса и виртуозности кисти. Он увлеченно изучал античное искусство, итальянское Возрождение и современное барокко. Сохранив национальную самобытность, Веласкес впитал в себя все богатство художественной европейской традиции.

Веласкес родился в Севилье, обучался у местных художников. Ран­ние его работы близки жанру «бодегона» (в переводе с испанского оз­начает «харчевня»). Это картины с изображением лавки, трактира, пер­сонажи - простые люди («Завтрак»). В 1622 г. Веласкес приезжает в Мадрид и становится придворным художником короля Филиппа IV. Почти 40 лет, до самой смерти, длилась эта служба, но она не помешала ему отыскать свой путь в искусстве. Знакомство с шедеврами королевс­кой коллекции живописи, встреча со знаменитым фламандским худож­ником Рубенсом, поездки в Италию - все это способствовало росту ма­стерства Веласкеса. Центральное место в его творчестве занимал портрет. Он пишет аристократов, членов королевской семьи («Инфанта Мар­гарита», «Портрет Филиппа IV», «Портрет графа Оливареса»), порт­рет Папы Римскою Иннокентия X, который сам Папа назвал « слиш­ком правдивым», создает знаменитую серию «Шуты и карлики». В кар­тине «Венера перед зеркалом» он впервые в Испании пишет обнажен­ное женское тело (картина написана в Италии). Одни из лучших работ Последних лет - монументальные картины «Пряхи», где прославляется национальный тип красоты и воспроизведен миф об Афине и Арахне, и «Менины» - групповой портрет инфанты, придворных дам, самого ху­дожника, короля и королевы (в зеркале).

Веласкес умер неожиданно. Его влияние на все последующее ис­кусство огромно.