36.Объясните причины «заката» эпохи Возрождения и возникновения маньеризма, назовите основных мастеров маньеризма, выявите признаки, отличающие их произведения от произведений мастеров Возрождения.

Наступившая в Италии феодально-католическая реакция через какое-то время стала буднями жизни, новые поколения художников уже не видели в ней особенной трагедии, а принимали ее как данность, как привычную обстановку – главным образом при дворах герцогов и королей. Художники 16 века продолжали чтить своих великих ренессансных предшественников и считали, что следуют их заветам. На самом деле они следовали им эпигонски, усваивая обрывки внешних форм и бессознательно доводя их до карикатуры, потому что исчезло содержание, когда-то рождавшее и животворившее эти формы.

 К живописцам маньеризма относят Франческо Пармиджанино( «Мадонна с розой»), Якопо Понтормо( «Встреча Марии и Елизаветы»), , Джузеппе Арчимбольдо(Цикл «Времена года»), Бронзино(«Муж и жена Панчатики»),( Россо, Приматиччо – основатели школы Фонтебло во Франции) Джованни Антонио Содома  и т. д.

представители в скульптуре: Бартоломео Амманнати и Джамболонья, в искусстве которого, оказавшем огромное влияние на его современников, сочетаются причудливость поз с изысканной плавностью и элегантностью форм. К ведущим скульпторам-маньеристам относят Бенвенуто Челлини.

Маньеризм в архитектуре выражает себя в нарушениях ренессансной сбалансированности. использовании архитектонически не мотивированных, вызывающих у зрителя ощущение беспокойства структурных решений, элементов гротеска.  Палаццо дель Те в Мантуе (работа Джулио Романо) В маньеристском духе выдержана фланкирующая здание Галереи Уффици во Флоренции лоджия Джорджо Вазари.

Характерные признаки маньеризма: взвинченность и изломанность линий. удлинённость или даже деформированность фигур, напряжённость поз, необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой хроматической гаммы, перегруженность композиции, усложненность, напряженность образов, трагические диссонансы бытия, герои, лишенные каких-либо душевных противоречий в силу отсутствия духовного содержания.

37. Объясните причины позднего развития искусства Северного

Возрождения. Расскажите о творчестве Я. ван Эйка. Сравните творческий метод художников итальянского и нидерландского Возрождения на примере работы ван Эйка и Пьеро делла Франчески.

Северные города Европы не имели такой самостоятельности, как итальянские, они были более зависимы от власти курпного сеньора, короля или императора, от всей классически развитой системы феодализма. Конец 15 и 16 столетие были для стран Европы временем громадных потрясений, самой динамичной и бурной эпохой их истории. Повсеместные религиозные войны, борьба с господством католической церкви – Реформация, переросшая в германии в грандиозную Крестьянскую войну, революция в Нидерландах, драматический накал на исходе столетней войны Франции и Англии. Готическая напряженность и лихорадочность в Северном возрождении не исчезают, но, с другой стороны, распространяется гуманистическая образованность и усиливается притягательность итальянского искусства. Если Итальянское Возрождение – это непосредственно возрождение традиций античной культуры, то в других странах памятников античной культуры не было. Искусство северных стран в 15 веке развивалось как сплав самобытных готических традиций и итальянского влияния. Главная же причина почему термин «Возрождение» распространяется на всю Европейскую культуру этого периода заключается в повсеместном росте и становлении буржуазного гуманизма, в расшатывании феодального миросозерцания, в растущем самосознании личности.

Пьерро дела Франческа - один из самых великих колористов. Он тончайшим образом разрабатывал цветовые отношения, пользовался техникой валеров, т. е. умел передавать разную светосилу цвета и объединятьцвета световоздушной средой, так, что историки искусства называли его одним из первых пленэристов во всем западноевропейском искусстве. Интересовался проблемами перспективы и даже написал на эту тему трактат. Франческа был величайшим монументалистом, хотя и оставил после себя портреты (портрет герцога Урбинского и его жены). Его дар монументалиста прекрасно виден во фресках «Сон Константина», «Приезд црицы Саавской к царю Соломону» и др, с их поразительным чувством линейного и пластического ритма, с предельной упрощенностью форм для усиления эпической торжественности, величавости образов, возвышенных над случайным,обыденным.

Живопись Яна ван Эйка в передаче перспективы, в рисунке, в знании анатомии конечно не идет в сравнении с тем, что в это время делали мастера Итальянского Возрождения. Но в ней есть другие, не менее важные качества: нидерландские мастера как-бы впервые глядят на мир, который они передают с необычайной тщательностью и подробностью; каждая травинка, каждый кусок ткани представляет для них высокий предмет искусства. Все это можно увидеть в Гентском алтаре братьев Ван Эйков. Из многочисленных мадонн Ван Эйка наиболее известна «Мадонна канцлера Роллена». Он много и успешно занимался портретом,всегда оставаясь достоверно точным, создавая глубоко индивидуальный образ, но не теряя за деталями общую характеристику человека как части мироздания («человек с гвоздикой», «Человек в тюрбане»). Вместо активного действия характерного для портретов итальянского Возрождения, ванн Эйк выдвигает созерцательность как качество, определяющее место человека в мире, помогающее постичь красоту его бесконечного многообразия. В портрете четы Арнольфини предметы комнаты по средневековой традиции наделены символическим смыслом (горящая в люстре свеча, собака у ног – символ супружеской верности).

38. Покажите, как трагизм времени отражается в произведениях И. Босха и П. Брейгеля. Дайте оценку творчеству Брейгеля, объясните происхождение прозвища «мужицкий».

Для Нидерландов 15 -16 века наступали тяжелые, грозные времена. Маленькая но богатая страна, ранее входившая в состав самостоятельного герцогства Бургунского, теперь перешла во владение хищных Габсбургов. Чем больше процветал Антверпен – тем бесцеремоннее грабили его испанские монархи. В Нидерландах распоряжалась , как дома, свирепая испанская инквизиция. Позже, при Филиппе втором, был установлен террористический режим герцога Альбы. Повсюду воздвигались виселицы, пылали целые селения, кровавые пиршества довершила эпидемия чумы. Все это не могло не отразиться в произведениях Босха и Брейгеля. В своем искусстве Иероним Босх обращается к средневековому аллегоризму и к живой конкретной действительности. Демонология уживается у него со здоровым народным юмором, тонкое чувство природы – с холодным анализом человеческих пороков и с беспощадной гротескностью в изображении людей («Корабль дураков»). В одном из самых грандиозных своих произведений – «Сад наслаждений» - Босх создает изобразительный образ греховной жизни людей. Питер Брейгель многое позаимствовал у Босха. Однако создает ряд трагических произведений, превосходящих по силе выразительности все фантасмагории Босха. Аллегорическим языком он выражал трагизм современной жизни своей страны, в которой бесчинства испанских угнетателей достигли наивысшей точки. Он обращался к религиозным сюжетам, раскрывая на них злободневные события. Так например в «Избиении младенцев в Вифлееме» он показывает нам резню испанцев в нидерландской деревне. Солдаты даже изображены в испанской одежде. Религиозный сюжет приобретает двойное значение и становиться еще трагичнее. Его «Неверный пастух»,убегающий с поля, в то время как волк душит овечек, - политическая аллегория. Художник намекает на кардинала Гранвеллу, советника правительницы Нидерландов Маргариты Пармской, который покинул свой пост и на его место был назначен свирепый герцог Альба. Брейгель как и Босх мастер фантастического гротеска, но реальная подкладка его фантастики гораздо очевиднее («Кухня жирных и кухня тощих», «Падение Икара» и др.).Картина «Слепые» - Это одно из тех произведений в которых художник выразил и собственное мироощущение, и дух времени. Природа вечна, как вечен мир, а путь слепых – это жизненный путь каждого. Брейгель заложил основы развития национального нидерландского пейзажа. Цикл «Времена года» . Создал глубоко народное нидерландское искусство, опирающееся на местные традиции и фольклор. Писал картины-притчи («Фламандские пословицы» и др.). Стал основоположником бытового жанра («Крестьянская свадьба», «Крестьянский танец» и др.).Был прозван мужицким. Он в высшей степени обладал тем, что называют национальным своеобразием: все особенности его искусства выращены на почве самобытных нидерландских традиций. Он выразил дух своего времени и его народный колорит. Он народен во всем: будучи художником-мыслителем он и мыслит в унисон с народной мудростью, так же метафорически.

39.Докажите, что А. Дюрер является самым значительным и

глубоким мастером немецкого Возрождения и проведите сравнительный анализ двух его автопортретов.

(1471-1528), немецкий живописец, рисовальщик, гравёр, теоретик искусства. Основоположник искусства немецкого Возрождения.  Родился в Нюрнберге

Он блестяще владел всеми известными тогда графическими техниками — от серебряного штифта и тростникового пера до итальянского карандаша, угля, акварели Как и для мастеров Италии, рисунок стал для него важнейшим этапом работы над композицией, включающим в себя эскизы, штудии голов, рук, ног, драпировок.

Его разносторонняя деятельность стала одним из воплощений «титанизма» Возрождения. Он — единственный мастер Северного Возрождения, который по направленности и многогранности своих интересов, стремлению овладеть законами искусства, разработке совершенных пропорций человеческой фигуры и правил перспективного построения может быть сопоставлен с величайшими мастерами итальянского Ренессанса. Пору расцвета искусства немецкого Возрождения часто называют «эпохой Дюрера». 

В творчестве Дюрера как бы слились искания многих немецких мастеров: наблюдения над природой, человеком, проблемы соотношения предметов в пространстве, существования человеческой фигуры в пейзаже, в пространственной среде. По разносторонности, по масштабу дарования, по широте восприятия действительности Дюрер — типичный художник Высокого Возрождения.  Дюрер был крупнейшим гуманистом Возрождения, но его идеал человека отличен от итальянского. Глубоко национальные образы Дюрера полны силы, но и сомнений, иногда тяжких раздумий, в них отсутствует ясная гармония Рафаэля или Леонардо. Художественный язык усложнен, аллегоричен. Он первый рисовал обнаженное тело с натуры. Дюрер отразил в своем искусстве трагизм социальных кризисов, закончившихся разгромом крестьянской войны. Особое его внимание привлекла гравюра. Он расширил тематику графики, привлекая литературные, бытовые сюжеты. В его гравюрах появились образы крестьян, горожан, бюргеров, рыцарей и т. д. Высшее творческое достижение – серия «Аппокалипсис», гравюры «Рыцарь, смерть и дьявол», «Св. Иероним», «Меланхолия» и др.

Автопортрет (1493) 22 года.  Автопортрет Дюрера из Лувра — самое раннее изображение подобного рода, дошедшее до наших дней. Надпись в верхней части картины справа от указания года 1493 переводится как: мои дела определяются сверху. Этим самым Дюрер выражает свою преданность Богу, которая подчёркивается чертополохом в его руке.

Автопортрет(1498) Самый маленький из всех автопортретов.  1498 был важным для него годом. В этом году он опубликовал серию из 15 гравюр «Апокалипсис». В этом же году он вернулся из путешествия по Италии, в стиле его полотна заметно влияние венецианской и ломбардийской школы, в частности Джованни Беллини. По сравнению с более ранним автопортретом, у него здесь настоящая борода, которая была необычным атрибутом для молодых мужчин того времени. Одежда живописца очень изысканна. В комнате изображены арка, частично обрамляющая голову художника, а справа раскрытое окно с изысканным ландшафтом. Зелёные поля убегают вдаль к окружённому деревьями озеру, а позади видны покрытые снегами горы, вероятно напоминавшие Дюреру путешествие через Альпы тремя годами ранее. В Германии в это время художник всё ещё рассматривался как мастеровой, что было абсолютно неприемлемо для Дюрера. На автопортрете он изображен аристократом, высокомерным и щёгольским молодым человеком.

Автопортрет в меху.(1500) 28 лет. Образ, полный философских раздумий, высокого интеллекта, внутреннего беспокойства, столь характерного для мыслящих людей Германии того трагического периода истории. Самый известный автопортрет художника. Автопортрет обращает на себя внимание своим сходством с принятыми в то время в искусстве изображениями Христа — симметрия композиции, краски тёмных тонов, поворот анфас и рука, поднятая к середине груди, как бы в жесте благословения. В конце XV — начале XVI веков вид строго в фас был исключением для светского портрета.  В Италии профильные изображения сменились изображениями в три четверти. В Северной Европе поворот в три четверти появляется в портретах приблизительно с 1420 года, его использовал Дюрер в своих более ранних автопортретах. Художники позднего средневековья и раннего Возрождения разрабатывали этот более трудный вид и гордились умением изображать модель в три четверти. Для зрителя начала XVI века вид анфас был связан не со светским портретом, а с религиозным и, прежде всего, — изображением Христа.

40. Расскажите об особенностях развития живописи, скульптуры и архитектуры Франции эпохи Возрождения.

Еще в период столетней войны начался процесс сложения французской нации. К середине 15 века относиться начало французского Возрождения, на ранних стадиях еще тесно связанного с готикой. Походы французских королей в Италию познакомили французских художников с итальянским искусством, и с конца 15 века, начинается решительный разрыв с готической традицией. Французский Ренессанс носил характер придворной культуры. Как и в нидерландском искусстве, реалистические тенденции наблюдаются прежде всего в миниатюре как богословских, так и светских книг. Первый крупный художник французского Возрождения – Жан Фуке. Основное место в его творчестве занимала миниатюра. Не менее прославлены его портреты короля и придворных , а также диптих Этьена Шевалье. Очень ясно по этому диптиху насколько глубоко светский дух проник в религиозную живопись. На одной створке Этьен Шевалье, заказчик, изображен рядом со своим покровителем, обнимающим его за плечи, а на другой – в виде мадонны изображена фаворитка короля. В этой работе уже есть привкус того изящного, холодноватого эротизма, который позже воцарился во французской живописи рококо. Вкусы королевского двора требовали не столько внутренней глубины, сколько внешнего блеска. Им больше импонировало искусство итальянских маньеристов, чем искусство Леонардо да Винчи. Россо и Приматиччо, приехав во Францию и работая в Фонтебло, положили начало целому направлению, известному как «школа Фонтебло».

Итальянские влияния мало затронули искусство портрета, тут больше давали о себе знать нидерландские традиции. Во Франции 16 века были широко распространены портреты-рисунки. В этой области работали такие видные художники как Жан Клуэ, Франсуа Клуэ и многие другие.

К 16 столетию приобретает светский облик французская архитектура. Основные здания – замок-дворец и ратуша. В архитектуре сочетаються элементы готики и итальянских палаццо – но зато решаются общие проблемы градостроительства, планировки. Характерным признаком французской архитектуры является высокая крыша. Замок Шамбор симметричный и строгий, очень эффектно увенчивается декоративным готическим завершением. В дальнейшем готическая декорировка полностью вытесняется ренессансной. Лувр , построенный архитектором Пьером Леско, синтезирует в себе традиционный французский замок и ренессансный дворец.

Известные французские скульпторы 16 века Жан Гужон и Жермен Пилон также испытали воздействие школы Фонтебло. Жан Гужон создал рельефы фасада Лувра и «фонтан невинных». Жеремен Пилон создал надгробия в гробнице Медичи в Париже.

Эпоха французского Возрождения была для истории французского искусства переходным этапом. Франция 16 века решительно рассталась со своим готическим прошлым.

41. Докажите, что XVII век – новый этап в развитии искусства.

Сравните трактовку образа человека в эпоху Возрождения и в XVII веке.

С Начала 16 столетия Центральная Европа вступила в период обострения классовых противоречий, породившее движение Реформациии и крестьянских войн, а с подавлением движения – в период феодильно-католической реакции, или Контрреформации, когда столкнулись между собой отношения феодальные и капиталистические. Сложность и противоречивость эпохи интенсивного образования абсолютских национальных государств в Европе принесли с собой новую культуру – барокко. 17 век это не толко барокко , но и классицизм и реализм.

Мировоззрение Ренессанса строилось прежде всего на безграничной вере в гармонию мира, в силу и волю человека-героя, в то, что человек – мера всех вещей. Мировоззрение 17 века пронизано ощущением трагического противоречия человека и мира, в котором он занимает совсем не главное место, а растворен в его многообразии, подчинен среде, обществу, государству.

Мастера барокко порывают с художественными традициями Возрождения, с его гармоничными, уравновешенными объемами, величавостью, сдержанностью. На смену этому приходит любовь к динамике, искусство, построенное на контрастах, асимметрии, искусство, тяготеющее к грандиозности, перегруженности декоративными мотивами. Для барокко характерна живописная иллюзорность, желание обмануть глаз, выйти из пространства изображенного в пространство реальное. Барокко тяготеет к ансамблю, к организации пространства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, партеры, бассейны, городские и загородные резиденции построены на принципе синтеза архитектуры и скульптуры, подчинения общему декоративному оформлению. Барокко в живописи предпочитает линии живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и лепит форму. Оно нарушает принципы деления пространства на планы, принципы прямой линейной перспективы, которой столько отдали художники кватроченто, для усиления глубинности, иллюзии ухода в бесконечность.

Возрождение дало нам примеры объединения науки и искусства в одной творческой индивидуальности. Ноука и искусство 17 века углубившись, уже не идут рука об руку, никогда не объединяются в одном лице.

42. Дайте общую характеристику пяти основных национальных школ

западноевропейского искусства XVII века, обоснуйте их различия,

назовите выдающихся мастеров.

В 17 веке отчётливо обрисовался в своей самостоятельности характер каждой национальной культуры каждой страны. В рамках каждой национальности углубилась пропасть между правящими и бесправными. Это уже подготавливало вызревание «двух культур» в пределах одной национальной культуры. Усилилась регламентация искусства состороны государства и стремление правителей украсить власть пышными фасадами: отсюда развитие искусства официального – парадного, от которого значительно отличается «бюргерское» искусство той же страны. Католическая церковь в пылу контрреформации культивировала своё, что собственно и было искусством барокко, в узком смысле этого термина. Таким образом, общее восприятие мира в различных по социальному и национальному характеру направлениях давало и различные художественные результаты.

Барокко в живописи предпочитает линии живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и лепит форму. Оно нарушает принципы деления пространства на планы, принципы прямой линейной перспективы, которой столько отдали художники кватроченто, для усиления глубинности, иллюзии ухода в бесконечность.

Центром развития барроко на рубеже 16-17 вв. был Рим. Архитекторы барокко включают в целостный архитектурный ансамбль не только отдельные сооружения и площади, но и улицы, которым они придают строго прямолинейные очертания. На смену статуе, как организующему площадь началу появляется обелиск с его динамичной устремленностью ввысь, а чаще – фонтан, обильно украшенный скульптурой. Барокко создало целую архитектуру фонтанов. Выдающимися архитекторами барокко были: Джакомо дела Порта, Франческа Борромини, Лоренцо Бернини и др.

В живописи Италии на рубеже 16-17 веков возникают два художественных направления: одно связано с творчеством братьев Карраччи – «болонский академизм», другое – с искусством одного из самых крупных художников Италии 17 в. Караваджо. Братья Карраччи основали «Академию направленных на истинный путь». Принцип академии, что натура несовершенна и ее надо облагородить. А Караваджо считал, что единственный источник достойный переноса на потно – это реальная действительность. Караваджо был антиподом академизму и восставал против него. Искусство Караваджо положило начало бытовой живописи и породило истинных последователей его художественного метода, получившего название «караваджизма».

В Испании 17 век –« золотой век» испанского искусства. Для испанского искусства было характерно существование традиций не классических, а средневековых, готических. В связи с многовековым господством арабов искусство испании сплавляет в себе мавританские черты с национальными. У испанских художников было два заказчика:1. двор, богатые испанские гранды, аристократия, 2. Церковь. Религиозные сюжеты воспринимаются очень конкретно в образах реальной действительности, в мистический сюжет врывается народная стихия. Нравственные и религиозные начала слиты между собой, идеал национального героя выражен в образах святых.

16 век сопровождается реакционной внутренней и внешней политикой испанских королей, войной, постоянными религиозными преследованиями. Блестящий расцвет живописи начинается с появлением живописца Доменикуса Теотокопулоса (Эль Греко). В 17 веке работают такие художники как Франсиско Рибальта, Хусепе Рибера, Франсиско Сурбаран и выдающийся Диего Веласкес.

Во Фландрии основными заказчиками искусства были католическая церковь и аристократия. Поэтому картины для замков, величественные алтарные образа для богатых католических церквей – вот главные виды живописи. Жанры: сюжеты из Священного Писания, античные мифологические сцены, портреты именитых заказчиков, сцены охот, огромные натюрморты. В живописи: реализм, народность, яркая жизнерадостность, торжественная праздничность образов, буйство жизни. Центральной фигурой булл Питер Пауль Рубенс. Ученики Рубенса: Ван Дейк, Якоп Йорданс, Франс Снейдерс.

В 17 веке Голландия – ведущая экономическая держава. Протестантизм полностью вытесняет католическую церковь, привел к тому, что духовенство в Голландии не имело такого влияния, как во Фландрии, Испании и Италии. Заказчиками были бюргеры, которые украшали скромные жилища или общественные здания, поэтому картины были маленькие. А протестанские церкви были просты по архитектуре и никак не украшены внутри. Один из ведущих жанров – бытовая живопись. Живописцы Голландии находят поэтическую красоту в обыденном, умеют одухотворить и возвысить мир материальных вещей. Ведущие художники: Франс Хальс, Андриан ванн Остаде, Ян Стен, Герард Терборх, Ян Вермеер Делфтский, Якоп ван Рейсдал, Паулюс Поттер, Альберт Кейп, Питер Класс и другие и Рембрандт.

Франция 17 века – самая могущественная абсолютистская держава в западной Европе. В живописи переплелись влияния маньеризма, фламандского и итальянского барокко. На французскую живопись первой полвины 17 века имели влияния караваджизм и реалистическое искусство Голландии. Это видно в творчестве братьев Ленен ихудожника Жоржа де Латура. Во второй половине 17 века формируется классицизм. Создателем классицистического направления во Франции был Никола Пуссен. И Клод Лоррен(пейзажи).

Италия : общ. устройство – мелкие раздробленные монархии ; религия – католицизм и иезуиты ; стили в искусстве – барокко в скульптуре и архитектуре, реализм и академизм в живописи; ведущие художники – Лоренцо Бернини, Караваджо

Фландрия: общ. устройство – испанское владычество; религия – католицизм; стили в искусстве – фламандское барокко; художник – Рубенс

Испания: общ. устр. – монархия; религия – католицизм и инквизиция; стили в иск – барокко и реализм; художники – Веласкес

Голландия: общ. устр. – буржуазная республика; религия – протестантизм и свободное вероисповедание; стили в иск – реализм; Худ – Рембрандт

Франция: общ устр – абсолютная монархия; религия – католицизм; стили в иск – классицизм, классическое барокко и реализм; худ – Пуссен.