30) Основные направления в развитии изобразительного искусства начала хх века.

Значительное распространение в первое десятилетие XX века получил ряд направлений, связанных с отходом от буржуазной культуры, от реализма, с провозглашением независимости искусства от действительности, которая все более вызывала у многих художников страх и ненависть. Многочисленные калейдоскопически сменявшиеся течения объединяются понятиями модернизма «Модернистические направления». Выступления художников-модернистов принимали форму анархического эстетического бунта против установившихся традиций и канонов искусства. Однако в действительности в их лихорадочных исканиях чаще преобладали ошеломляющие зрителя узкоформальные «открытия», приводившие к всевластию субъективного, случайного или отвлеченно-рационалистического начала. По существу, деятельность этих художников представляла собой уход от основного реалистического и гуманистического пути развития мирового искусства. В этом была суть дела, а не в том временном конфликте с буржуазным потребителем искусства, который некоторые представители прогрессивной интеллигенции принимали за проявление революционности. Однако творчество таких больших мастеров как, например, Матисс, Пикассо, Марке и другие, по существу, выходило за пределы программы этих направлений, иногда, как в случае с Марке, порывало с модернизмом. Стремление найти связь с жизнью, решить большие социальные проблемы порождало в их творчестве мучительные противоречия. Элементы реализма то в скрытом, то в более явном виде пробивались в их искусстве сквозь различные деформирующие приемы передачи действительности.

ФОВИЗМ - течение зародилось в 1905 году. Определяется чистыми, контрастными цветами, динамичными мазками и чувственной выразительностью произведений. Яркие представители Фовизма: Вламинк. Дерен, Ван Донгеи, Матисс.

Первым художественным течением, которое обогатило культуру XX столетия, стал фовизм. Его название произошло от французского слова fauve - дикие а появилось оно после Осеннего салона 1905 г., где представили свои работы Анри Матисс, Андре Дерен. Морис де Вламинк, Жорж Руо, Кес ван Донген, Альбер Марке и другие художники Критик Луи Воксель. описывая впечатления от их работ, заметил, что оказавшаяся в том же зале статуя, которая была выполнена в стилистике итальянского Возрождения, поражает наивностью, словно «Донателло среди диких зверей» стали называть себя и русские, и немецкие художники - приверженцы нового искусства. Осенний салон произвел настоящую сенсацию: ранее неизвестный фовизм вдруг обнаружил признаки вполне сложившегося течения. До этого мастеров не объединяли ни теоретические платформы, ни совместная выставочная деятельность. Не было и группы как таковой. Однако общее стремление к новому живописному языку - эмоциональному, яркому - на некоторое время сделало их очень похожими. У них было много общих корней - увлечение живописью Гогена и Ван Гога, творчеством диоизионистов и их теорией чистого цвета, восточным и примитивным искусством. Фовисты не считались ни с какими установленными в европейской живописи законами: перспективы, светотени, постепенного сгущения или смягчения цвета, первенства рисунка в структуре картины. Исходный пункт фовизма. писал Матисс -решительное возвращение к красивым синим, красивым красным, красивым желтым -первичным элементам, которые будоражат наши чувства до самых глубин. Импрессионизм, вокруг которого еще вчера ломалось столько копий, рядом с полотнами фовистов выглядел вполне традиционным, реалистическим искусством •'Вообразить мир таким, каким хочется - под этими словами Дерена могли бы подписаться многие художники, усвоившие открытия импрессионизма, но не удовлетворенные ими и стремившиеся к самовыражению. Каждый из них. Обладая яркой индивидуальностью, создавая собственный мир, Поэтому после краткого совместного звучания их хор распался на отдельные голоса - фовизм как течение просуществовал всего несколько лет.

ЭКСПРЕССИОНИЗМ - Течение зародилось в 1905 - 1930 годах. Свойственно: страстность, напряженность и глубоко личностный подход к картине, которая служит средством выражения эмоций, а также пламенеющий колорит и нервный мазок. Яркие представители: Бекман. АйТТоТ, Кирхнер. Кокошка, Марк, Мунк, Нольде. Пехштейн, Руо. Сугин, Хеккель, Шиле. Шмидт-Роттлуф, Явленский. (Живопись. Краткий слооарь терминов 1949г.) В истории искусств термин экспрессионизм (от лат. expressio - -выражение) применим к широкому кругу явлений И все же как определенное течение в изобразительном экспрессионизм объединяет прежде всего творчество группы художников. работавших в Германии перед Первой мировой войны. Экспрессионизм - это попытка показать внутренний мир человека, его переживания, как правило, в момент предельного духовного напряжения. Своими предшествиниками экспрессионисты считали и французских постимпрессионистов и швейцарца Фердинанда Ходлера, и норвежца Эдварда Мунка, и бельгийца Джеймса Энсора. В экспрессионизме было много противоречий Громкие декларации о рождении новой культуры, казалось бы плохо согласовались со столь же яростными проповедями крайнего индивидуализма, с отказом от действительности ради погружения в субъективные погружения. А кроме того, культ индивидуализма в нем сочетается с постоянным стремлением объединиться. Первой значительной вехой в истории экспрессионизма считается возникновение объединения -Мост. В Германии, как и во Франции, естественное развитие изобразительного искусства привело к изменению художественных методов. Экспрессионисты отрекались от светотени, передачи пространства. Поверхность их холстов кажется обработанной грубой кистью без всякой заботы об изяществе. Художники искали новые, агрессивные образы, стремились выразить средствами живописи тревогу, дискомфорт. Цвет, считали экспрессионисты, обладает собственным смыслом, способен вызывать определенные эмоции, ему приписывали символическое значение. Для экспрессионизма характерно грубая выразительность, искажение формы и цвета как проявление напряженного чувства. Экспрессионизм повлиял на творчество разных мастеров, не входивших ни в какие группировки. Были и такие, кто участвовал в общих начинаниях лишь короткое время, и те, кто, не удовлетворившись одной программой, пытался найти более совершенные формы организации творческих союзов.

КУБИЗМ

Слово кубизм появилось после рецензии Луи Вокселя на выставку Брака. Картины знаменитых художников, как Пикассо и Брак были н стабильны. Контуры в их картинах были прерывистыми. Грани представляли не положенных по законам перспективы ракурсах, а разворачивались в сторону зрителя. Большие цельные объемы распадались на множество мелких, как в «Портрете А. Воллара* (около 1910 г.) и Аккордеонисте (1911 г.) Пикассо, в -Натюрморте со скрипкой и кувшином» (1910 г.) Жоржа Брака. Зрителю давали возможность рассмотреть, из чего состоит форма, -ощупать - ее глазами с разных сторон и даже увидеть один предмет сквозь другой. Эта стадия развития кубизма получила название аналитического кубизма. Подчас в дробном ритме сечений уже едва можно различить саму форму, и тогда художники стали делать узнаваемыми некоторые детали, способные намекнуть на изображаемый предмет, например колки скрипки или горлышко бутылки. Затем они начали вводить живописные полотна реальные предметы (коробочки, детали музыкальных инструментов и т.д.) и материалы разной фактуры (бумагу, дерево, ткань). Например, в картине Брака -Бутылка, стакан и трубка (1913 г.) сами эти предметы изображены сухо и схематично, словно нарисованы карандашом. А главный акцент художник делает на газетных вклейках и рельефе дверной панели, которые помещены на переднем плане Коллаж стал весьма популярным среди кубистов. Так шаг за шагом кубизм подошел к следующему своему этапу - синтетическому. Здесь образ уже не разлагается, а собирается, синтезируется из отдельных атрибутов, характерных деталей (Ж. Брак -Композиция с трефовым тузом-, 1913 г.). Если в сезанновский период кубизма дома, деревья, горы, человеческое тело, посуда как бы состояли из одной универсальной материи, а художника занимала только форма, объем, то теперь важно было почувствовать именно разный качественный состав предметов. Сочетания различных поверхностей на холсте были очень декоративны. Эта черта кубистической живописи еще ярче проявила в овальных композициях. Яркими представителями кубизма во Франции были Хуан Грис, Фернан Леже. Роббер Делоне. Луи Маркуои. Они, как и другие художники, привносили свои нюансы и особенности в развитие этого направления. Некоторых художников кубистические эксперименты с формой постепенно привели к беспредметному, абстрактному искусству. Прорыв из кубизма в область абстракции произошел через орфизм. Так поэт Гийом Аполлинер назвал творческую манеру Роббера и Сони Делоне, считая, что их произведения, подобно музыке древнегреческого героя Орфея, завораживают и очаровывают людей. наполняя их сердца радостью. Сам Роббер Делоне не очень доверял этому определению и именовал свое искусство чистой живописью, движением цвета в свете, симультанной (от франц. simuttane - одновременный »), а иногда, играя словами, синхромной (от греч. «син» -«вместе» и хрома - цвет*) живописью. Смысл ее заключается в том, что при взгляде на предмет художник прежде всего, помня о законах физики, извлекает разложенный на составные цвета световой поток. Теория -чистой живописи», как и многие другие теории модернизма, не очень понятна и не очень корректна. Кубизму была суждена долгая жизнь. И в сегодняшнем искусстве часто можно наблюдать

ФУТУРИЗМ Футуризм - течение зародилось в 1909 году в Милане. Свойственно: угловатые формы и резкие контуры, эффект скорости, движения. Яркие представители: Балла. Боччони, Томмвзо Маринетти. Новые течения в искусстве нередко заявляют о своем появлении публикацией художественных программ и. как правило, всячески ниспровергают предшествующие -открытия. В громкости подобных заявлений представителем футуризма не было равных. Это естественно: само название футуризм (от лат. futurum - -будущее») говорило об их намерении создавать новое искусство, искусство будущего, приверженности к переменам и о решительном отказе от традиций. Основатель движения Филиппо Томмазо Маринетти, итальянский поэт, опубликовал первый манифест футуризма на страницах парижского журнала Фигаро- в феврале 1909 г. Громкое эхо футуризма звучало и в Париже, и в России, но его идеологическим центром была Италия. Что было для художников-футуристов определяющим признаком будущего? Прежде всего движение. И конечно же, прославление машины, индустриализации, урбанистической цивилизации. -Движение, которое мы хотим воспроизвести на полотне, не будет более закрепленным мгновением всемирного динамизма, это будет само динамическое ощущение - заявили футуристы. Передача движения достигалось просто и без затей. Таким приемом обычно пользуются мультипликаторы, разбивая и фиксируя этапы ходьбы, бега, жеста персонажа по кадрам. Футуристы совместили эти элементы в один кадр на картине они показывали фазы движения одновременно. При этом в их манере членить объемы легко заметить влияние кубистической живописи, которую сами футуристы упрекали в -застылости-. Подчас разложение движения доводит изображение до абстракции, как это происходит, например, в циклах Баллы -Скорость-Пейзаж^ (1912 г.), •Линия-Скорость*. -Вихрь-(1914 г.). В футуристическом искусстве не следует искать глубокого психологизма, интереса к внутреннему миру человека. Напротив, культ машины вдохновлялся мечтой о -создании механического человека с замененными частями-. В 1913 г. был опубликован -Манифест механического искусства-, а Северини и его товарищи населили свои картины механическими существами, похожими на роботов (хотя слово это возникло лишь в 1920 г.). Однако все это было уже отзвуком былого футуристического шума. Постепенно футуризм растворился в других художественных течениях.

МЕТАФИЗИЧЕСКАЯ ЖИВОПИСЬ Метафизическая живопись - течение появилось в 1917 году. Свойственно: искаженная или обратная перспектива, неестественное освещение и странный мир образов. Атмосфера сна. Статичная композиционная структура. Яркие представители: Дельво. Карра. Де Кирико. Кружок живописцев-метафизиков возник в Италии в годы Первой мировой войны. Основатель и наиболее яркая фигура этого течения - Джорджо Де Кирико. В 1910 г. он впервые назвал свою картину «Тайна осеннего вечера* метафизической (от древнегреч •мета та физика* - буквально ->после физики*; в данном случае - -по ту сторону физической реальности»). В этом направлении художник, кажется, намеренно забывает академические уроки мастерства: грубо очерченные формы, чистые краски. -Метафизический художник знает слишком много. 0 его голове, о его сердце запечатлено слишком много вещей, и отзвуков, и воспоминаний, и предзнаменований... и вот он снова и снова разглядывает потолок и стены свое комнаты; и окружающего его предметы; и людей, проходящих внизу по улице, - но все это уже не имеет ничего общего с логикой прошедшего, настоящего и будущего». Эти слова Де Кирико дополняет его картина «Ум ребенка»- («Вспоминающий» - ,1917 г.). В Париже это полотно произвело на сюрреалистов большое впечатление, которое сочли его живописным манифестом своего движения. Однако впереди их ждало разочарование. Начиная с 1919 г. феррарские художники-метафизики обратились к опыту старых мастеров. Де Кирико с увлечением копировал итальянского живописца эпохи Возрождения Тициана и писал картины, насыщенные ренессанскими воспоминаниями (.Римская вилла., 1922 г.). Сюрреалисты воспринимали это как отречение от истины: в дальнейшем сотрудничество де Кирико с фашистским режимом сделало его разрыв с парижанами окончательно.

НЕОПЛАСТИЦИЗМ Неопластицизм - течение существовало в 1917 - 1928 годах. Характерно: компоновка крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных о основные цвета спектра, прямые линии, голые плоскости. Основные цвета: красный, желтый, синий, на нейтральном фоне (белый, серый.,черный). Яркие представители: Пит Мондриан. Представители неопластицизма придерживались не многих принципов: в их живописных произведениях линии пересекаются перпендикулярно, палитра ограничивается красным, синим и желтым, т.е. тремя чистыми основными цветами (допускаются также белый, черный и серый). Лепка трехмерных форм мазком отвергалась — подчёркивалась плоскость. При отсутствии симметрии композиции всё же были очень уравновешенными. Такой стройностью, простотой и чистотой отношений внутри холста, по мнению неопластицистов, достигалась универсальная гармония, независимая от отдельного человека. Один из ведущих мастеров беспредметного искусства, основатель школы неопластицизма. нидерландский художник Пит Мондриан (1872—1944) начал свой творческий путь в стенах Государственной академии художеств в Амстердаме. Ранние его работы выполнены в манере старых голландских мастеров («Лесной ручей». 1888 г.). Но известность молодому художнику принесли не академические сюжеты, а так называемые вечерние пейзажи. В сумерках, в лучах закатного солнца Голландия — ее дюны, деревья, ветряные мельницы — предстаёт загадочно-поэтической («Вечер на берегу Рейна». 1906 г.). Один из первых критиков творчества Мондриана заметил, что его пейзажи «переворачивают душу, трогают до самых её глубинных уголков». В 1911 г, в Амстердаме Мондриан принял участие в Международной выставке современных художников, где были представлены также кубистические произведения Пабло Пикассо. Андре Дерена, Жоржа Брака. Познакомившись с работами кубистов, Мондриан и сам начал экспериментировать с формами, упрощать их. По-разному сочетая плоскости изображаемых предметов, он добивался впечатления структурной, ритмической ясности (-Пейзаж. Деревья», 1911 —1912 гг.). Постепенно из его работ исчез даже намёк на реальную форму. Композиции серии «Море» (1914 г.) по сути своей уже абстрактны. Впечатления от бликов света на колеблющейся поверхности моря художник выразил чередованием горизонтальных и вертикальных штрихов, иногда крестообразно пересекающихся. В 1917 г. Мондриан вместе с архитектором, скульптором и живописцем Тео ван Дусбургом (1883-19311 стал одним из основателей группы «Стиль» — объединения художников и архитекторов. В него вошли также архитекторы Питер Ауд, Геррит Ритвелд. скульптор Георг Вантонгерлоо и другие мастера. Целью группы -Стиль- было создание форм, очищенных от всего случайного и произвольного. Архитекторы отказались от замкнутой коробки здания и заменили её комплексом взаимосвязанных объёмов. Скульптурные композиции Вантонгерлоо — это пересекающиеся прямоугольные формы. Свои теоретические взгляды «Стиль» стремился распространить и на другие области искусства, предлагая везде и всюду следовать порядку, простоте и ясности. В первом же номере журнала, названного по имени группы, Мондриан опубликовал свою статью -Неопластицизм в живописи- —так появился термин «неопластицизм». В этой и в других теоретических работах (например, в книге «Искусство и жизнь. Новое искусство — новая жизнь», 1931 г.) мастер настойчиво утверждал, что гармонию мира можно отразить только прямоугольными абстрактными композициями. В так называемых ярких полотнах насыщенные цветом гладкие плоскости Мондриан заключал в жёсткую чёрную сетку, добиваясь этим впечатления сияния, свечения цвета («Композиция красного, жёлтого, синего и черного». 1921 г.). В 30-х гг. художник разрывал или удваивал чёрную линию, стремясь к более резким контрастам. При этом в отличие от •«ярких- работ он ограничивался двумя, а чаще одним цветом (-Композиция с синим 1937 г.). По мнению Мондриана, «цвет должен быть свободен от индивидуальности, от личных эмоций, он должен выражать лишь всеобъемлющий покой». Своими цветными .решетками. мастер оформил и интерьер собственной мастерской в Париже, куда переехал в 1919 г. Несмотря на внимание публики к неопластическим работам и регулярное участие художника в выставках, средства к существованию ему доставляли акварельные натюрморты с цветами. Лишь спустя десять лет абстракции Мондриана стали находить спрос, но материального благополучия ему удалось достичь лишь незадолго до смерти, в Америке. Здесь Мондриана называли самым знаменитым иммигрантом. В 1942 г. с успехом прошла его первая в жизни персональная выставка. В США художник работал над большими композициями: -Нью-Йорк-сити- (1941 — 1942 гг.). Бродвей буги-вуги- (1942 г.). 'Победа буги-вуги- (1943 г.). Теперь линии, как бы подчиняясь пленившим его ритмам джаза и буги-вуги, дробятся маленькими цветными квадратиками, чёрная сетка стала необязательной. Искусство Мондриана во многом повлияло на современную живопись, архитектуру и дизайн. ДАДАИЗМ Дадаизм, или дада (dadatsme). Зародилось течение во время Первой мировой войны. Существовало с 1916 по 1922 года. Свойственно: иррациональность, отрицание признанных канонов и стандартов в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность. Известные представители: Марсель Дюшан, Макс Эрнст. Странное слово -дада- дало название одному из этапов европейской культуры (правда, иногда дадаизм именуют контркультурои, или антикультурой). Родилось движение в Швейцарии, нейтральном государстве, куда в годы Первой мировой войны стекались дезертиры из разных стран. Среди них оказались художники и литераторы. В 1916 г. они стали собираться в цюрихском кабаре -Вольтер*. Здесь и родился дадаизм. В отрицании любых общепринятых ценностей дадаизм имел предшественников. С 1913 г. в Нью-Йорке французский художник Марсель Дюшан стал выставлять обычные предметы массового производства, давая им названия и снабжая собственной подписью. Именовалось такое произведение реди-мейд (ready-made), что в переводе с английского значит -сделанный из готового-, -легко, быстро сделанный-, -готовый продукт-. Первым -готовым продуктом попавшим в экспозицию, было -Велосипедное колесо на табуретке . В 1918 г. дюшановский -Фонтан» - обыкновенный писсуар, а также кощунственная Мона Лиза с усами (1919 г.). В 1919 г. в Париже образовалась группа -абсолютных дадаистов-, в которую вошли Луи Арагон, Андре Бретон, Поль Элюар и другие литераторы. Но скоро внутри движения наметился раскол. Полемизируя с Тцара. который продолжал настаивать на полной бессистемности творчества и отрицании всего и вся. Бретон и его товарищи говорили о необходимости нового знания и относились к своим изысканиям вполне серьезно Так в недрах дадаизма зародилось еще одно мощное художественное направление XX века -сюрреализм. СЮРРЕАЛИЗМ Сюрреализм - возник в 1920-е годы. Свойственно: Реалистичная точность пугающие лишенные логики сцены, странные существа из обычных предметов. Яркие представители: Белмер. Браунер, Горки, Дали, Дельво, Кало, Магритт, Матта. Миро, Танги, Уодсворт, Эрнст. Слово сюрреализм (франц. •сверхреальность») уже давно превратилось в общеупотребительное понятие, которым обозначают все странно сочетаемое, удивительное, фантастическое, оторванное от реальности. Что же касается сюрреализма как художественного направления, то начало ему положил -Манифест сюрреализма*, опубликованный французским поэтом Андре Бретоном в 1924 г. предысторию сюрреализма неизменно включается «этап дада-. Действительно. сюрреализм много почерпнул из легкомысленных открытий дадаизма, отринув, правда, его насмешливость. Дадаисты Ханс Арп. Макс Эрнст, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа и другие составили ядро нового движения Сюрреализм использовал ключевые приемы дада - -Реди-мейд-. «автоматическое письмо-, совмещенное в одном произведении образов, лишенных логических взаимосвязей. Все это подкреплялось философией Анри Бергсона. Были изобретены техники в сюрреализме как, например, фронтам (фрвнц. •натирание-), фюмаж (франц. -копчение*), при котором использовались следы на бумаге или холсте от копоти свечи Однако эксперименты с различными техниками не были основным признаком изобразительного искусства сюрреализма. Отличительной особенностью многих полотен стали реальные, подчас доходившие до натурализма изображения персонажей и их окружения, но в фантастических, бредовых сочетаниях. Этот прием называли -обман зрения- или обманка- Такова скандальная работа «Дева наказывает Иисуса в присутствии А. Б., П. Е и художника* (1926 г.) Макса Эрнста, чей авторитет среди сюрреалистов и помог утвердиться подобной манере. акже в сюрреализме был прием «промежуточности'-. Например, картины Магритта Красная модель- (1935 г.), Черная магия- (1935 г.), «Большая война» (1964 г.) и картины Сальвадора Дали, например, -Атомная Леда- (1949 г.), -Мадонна порта Льигат- (1949 г.) и -Атомистический крест- (1952 г.). АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ. Абстрактный экспрессионизм - направление американской живописи возникшее в 1940-х годах. Свойственно: большие холсты, энергичные мазки, иногда расплесканная или кинутая на холст краска. Безмятежность и загадочный смысл. Яркие представители: Гастон. Клайн, Де Кунинг, Мазервел. Ньюмен, Поллок. Ротко, Стал, Франкенталер, Фрэнсис. Хофман. Абстрактный экспрессионизм (другое название — нью-йоркская школа) сформировался на Американском континенте. С началом Второй мировой войны в США эмигрировали многие звёзды европейского авангарда (Пит Мондриан. Макс Эрнст, Андре Бретон, Сальвадор Дали и др.). что не могло не отразиться на общей художественной обстановке. Один из основателей абстрактного экспрессионизма Аршил Горки (1904—1948) познакомился в начале 40-х гг. с прибывшим в Нью-Йорк сюрреалистом Андре Бретоном, с живописью Хоана Миро. Увлёкшись автоматизмом и примитивной символикой Миро. Горки тоже стал населять свои полотна некими плавающими в отвлечённом живописном пространстве фигурками, которые Бретон называл -гибридами- (-Печень и гребешок петуха», 1944 г.: «Агония*, 1947 г.). Еще более смело использовал метод спонтанного автоматизма Джексон Поллок (1912— 1956». Он отказался от подрамников и, расстилая холст на полу, беспорядочно набрызгивал но него краску из тюбиков или банок. Такую технику назвали дриппинг, что в переводе с английского значит «капающий..» Дриппинг стал одним из методов живописи действия (или живописи жеста). -Живопись действия» отвергала традиционно окрашенную поверхность картины. Краска появлялась на полотне или на бумаге как след свободного жеста, произвольного движения руки. Считалось, что любое бессознательное действие есть отражение характера и психологического состояния художника, и именно а этом заключается смысл изображения. Однако в полотнах Поллока, как бы ни были они густо «заляпаны», чувствуется забота о декоративном распределении красок, о сочетаемости пятен, а значит, контроль со стороны автора, сознательность построения композиции. Один из характерных признаков абстрактного экспрессионизма — крупный масштаб работ (некоторые холсты более пяти метров в длину). Марк Ротко (1903—1970> также создавал «монументальные» полотна, но, в отличие от «живописцев действия», закрашивал их большими цветными плоскостями. Иногда он оставлял между ними не покрытые краской участки, полагая, что это должно возбудить воображение зрителя. Произведения Барнетта Ньюмана (1905—1970) обычно строились на контрасте вертикальной цветной полосы и обширного яркого поля. Создавая их художник помимо соотношения между «лентой» и общим красочным фоном учитывал и соразмерность всей картины в целом с масштабом стены, на которой она будет висеть. Таким образом стирались границы между живописью и реальным пространством. Сам Ньюман считал свои работы не просто формальными упражнениями, вкладывал в них особый смысл и давал соответствующие названия. Фрэнк Стелла (родился в 1936 г.) много экспериментировал с формой полотен. Срезая утлы и, по сути, превращая картины в многоугольники, он покрывал их цветными полосами. Геометрическая декоративность в его работах стала самодовлеющей. К 70-м гг. абстрактный экспрессионизм как направление прекратил своё существование.

ПОП-АРТ Поп-арт (англ. pop-art, popular art - «популярное, общедоступное искусство). Зародилось о Англии в середине 50-я годов. Стиль поп-арта свойственен для комиксов, рекламы и продуктов промышленного производства. Яркие представители: Ричард Хамильтон, Рой Лихтенштейн. Термин «поп-арт* {англ. pop-art, сокращение от popular-art — -популярное, общедоступное искусство»), как и само направление, родился в кругу английских художников ^Независимой группы- Института современного искусства в Лондоне в середине 50-х гг. XX столетия. На их выставках «Коллажи и объекты» (1954 г.), «Человек, машина и движение- (1955 г.). .Это — завтра» (1956 г.) обнаружились основные мотивы и истоки поп-арта, такие, как комиксы с их серийностью и упрощённым рисунком, броская и яркая коммерческая реклама. Поп-арт сразу же получил известность за океаном и очень скоро стал символом американского искусства. Уже в 1955 г. на 'Фестивале двух миров* в Сполетто (Италия) демонстрировалась кровать с подушкой и одеялом, выкрашенными масляной краской. — произведение американца Роберта Раушенберга (родился в 1925 г), вызвавшее взрыв негодования зрителей. В экспозициях поп-арта мог быть выставлен любой знакомый зрителю предмет: мусорное ведро, недоеденный бутерброд, чучело курицы. Самым известным произведением и своего рода визитной карточкой поп-арта стала натуральная консервная банка с томатным супом. Его автор, американец Энди Уорхолл (1928—1987), говорил: •Почему вы думаете, что холм или дерево красивее, чем газовый насос? Только потому, что для вас это привычная условность. Я привлекаю внимание к абстрактным свойствам вещей-. Уорхолл, открещиваясь от высокого искусства, назвал свою мастерскую .фэктори-— 'фабрика» (она и находилась в помещении бывшей фабрики). Всё это очень напоминало весёлые издёвки дадаистов (поп-арт тоже ироничен и весел). Но дадаисты дразнили сытых буржуа и совсем не рассчитывали на материальный успех, а американские представители поп-арта сразу же получили мощную финансовую поддержку. Их работы часто занимали верхние строчки отчётов о продажах современного искусства. Поп-арт в отличие от дада утверждался в ином времени, когда средства массовой информации превратились в один из важнейших факторов, влияющих на культуру и искусство- Информация стала доступна каждому. А искусство оставалось достоянием лишь избранных ценителей. Поп-арт хорошо прочувствовал потребность в новом, общедоступном искусстве. Он пользовался узнаваемыми понятиями и предметами. Приводился такой пример: холодильник, установленный на сейфе в помещении склада, и эта же комбинация в выставочном зале воспринимаются зрителем совершенно по-разному. В последнем случае в сознании срабатывает фактор -музеефикации» — иного отношения из-за невольного желания понять то, что тебе предлагают увидеть. Повседневные предметы, по идее, должны вызывать иное, более внимательное отношение к ним зрителя, если находятся в особом пространстве. С этой же целью использовался и другой «магический» приём: какое-либо изображение повторялось бесконечное число раз. Так, Уорхолл «тиражировал* изображение бутылки кока-колы, лицо киноактрисы Мэрилин Монро на огромных щитах, напоминающих рекламные. Магия подобных работ заключается о том, что любой объект, привлёкший внимание художника, становится при таком подходе обыденным, лег­ко 'Читаемым', доступным к потреблению (в данном случае интеллектуальному и эмоциональному). С другой стороны, подобный >серийный подход- отражает стремление массового сознания к созданию идолов, кумиров. Поп-арт различен по стилистике. К примеру, Том Вессельман (родился в 1931 г.) использовал сплошные, ровные цветовые пятна, а Рой Лихтенштейн (родился в 1928 г} свои живописные изображения уподоблял газетной печати, тщательно воспроизводя зерна растра Но для всех работ характерны большой масштаб, чёткий, яркий рисунок И в каких бы превращениях не представало перед зрителем произведение поп-арта (будь то картина. слепок с человеческого тела или -готовый предмет-), в нём всегда читается программная идея — расширение понятия искусства за пределы собственно художественного рода деятельности. Поп-арт оказал огромное влияние на развитие современного искусства, его традиции сохраняются и в настоящее время.

ГИПЕРРИАЛИЗМ.

Гиперреализм - (hyperrealism), фотореализм. Имитация фото живописными средствами на холсте. Свойственно кажущаяся реальность картины, Жак фото-. Наиболее известные художники-гиперреалисты: Чак Клоуз. Ричард Эс-тес. На выставке гиперреалистов (греческая приставка *гипер-> означает «сверх-) зритель может растеряться: написанные краской картины выглядят точь-в-точь как фотографии большого формата. И художники-гиперреалисты вовсе не скрывают своих пристрастий к фототехнике. Более того, возникшее на рубеже 60— 70-х гг. в США течение вначале и называлось фотореализмом. Термин -гиперреализм- появился лишь некоторое время спустя (впервые -в одном из отзывов Сальвадора Дали). Гиперреалисты писали акриловыми красками, благодаря которым поверхность картин приобретала глянец фотоснимка. Работая над композициями, они откровенно пользовались диапроекциями ив холсты. Впрочем, само понятие -композиция' как искусство компоновки художественного пространства лишь в самой малой мере применимо к их полотнам, одна из характерных особенностей которых — запланированная -случайность кадрировки». Гиперреалисты считали, что в отличие от любых других направлений, в том числе и поп-арта, их творчество наиболее доступно для понимания, так как фотографии есть в каждом семейном альбоме. Действительно, их картины стали чрезвычайно популярными, ведь там все было «как в жизни». От поп-арта гиперреализм унаследовал использование чужой- техники и интерес к самым обыденным происшествиям и предметам. При этом почти каждый из гиперреалистов разрабатывал отдельную, привычную для себя тему: один писал портреты, другой — изображения ковбоев, кто-то — светящиеся вывески, кто-то — автомобили и т. д. Огромные холсты выглядят как рекламные щиты. Панорамы чрезвычайно редки, обычно укрупнено представлены некие детали. И если многие фотографы, чьим работам присущи образность, эмоциональность, справедливо претендуют на звание художников, то в картинах гиперреалистов нет чувств, переживаний, которые, по их мнению, -способны исказить объект-. Мир гиперреалистов, стерильный и бездушный, существует без конфликтов, тревог, радостей. Фотографическая достоверность деталей (обычно выделяемых контрастной светотенью) только подчёркивает холодную отчуждённость изображаемого. Преувеличивая предмет в буквальном смысле слова, художник придаёт мимолётному впечатлению от него вес и солидность, делает его значительным. При этом взгляд зрителя не фокусируется: любая деталь на горизонте очерчена так же резко, как и предмет на первом плане. Используя акриловые краски и стекловолокно, гиперреалисты создавали свои скульптуры. Если в галерее посетитель случайно заденет одну из них — сидящую или стоящую фигуру, одетую о костюм, шляпу, стоптанные туфли, то вполне может, приняв её за живого человека, попросить прощения. Так велика степень иллюзорности. И всё же, несмотря на абсолютную обыденность сюжетов и кажущуюся простоту изображения, многие гиперреалистические работы проникнуты настроением какого-то напряжённого ожидания, так называемого саспенса (англ. suspens — беспокойство, "тревога ожидания “. В ещё большей мере эта черта присуща концептуальному искусству. КОНЦЕПТУАЛИЗМ Концептуализм - течение зародилось в середине 1960-х годах. Свойственно: произведение, передающее идею через готовый предмет. Яркие представители: Бойс. Бюрен, Виола, Кристо. Лонг, Мерц, Наумаи. Концептуализм {от лат. conceceptue — мысль-. 'Представление-) возник в середине 60-х гг. XX в. одновременно в Англии и США и очень скоро сделался ведущим направлением современного искусства. В полемике с торжествовавшим в то время поп-артом, сосредоточенным на предметном мире, концептуалисты утверждали, что единственно достойной задачей художника является создание идей, концепций. Ведь форма может быть выполнена любым ремесленником, но лишь художнику дано придумать её. Концептуализм — искусство интеллектуальное, во многом ироничное. К тому же это своего рода протест против коммерциализации искусства, ибо его произведения невозможно, да и не имеет смысла, продавать и покупать. По представлениям концептуалистов, от художника не требуется вечных творений. Главное — передать ощущение настоящего времени. Поскольку в концептуальном искусстве важно не само изображение, а его смысл, иногда оно может вообще отказаться от экспоната, лишь рассказав об идее. Однако идее совершенно не обязательно замыкаться в выставочном пространстве Концептуальным объектом (с соответствующими комментариями) может стать пляж, улица, населённый пункт, инженерное сооружение, известный памятник — скульптурный или архитектурный Зритель, наблюдая за созданием произведения искусства, оказывается его соавтором, а сам процесс становится более важным, чем результат. Этот принцип получил воплощение в так называемом процессуальном искусстве.