Nikiforova_L_A_YeTIKA_YeSTYeTIKA

протиставляється контрлиния, форма дробиться й множиться. Форма нестримно проростає за межі ідеї, деталі стають візерунком, захоплюють усю поверхню й усі лінії. У цьому мистецтві панує страх порожнечі, який, може бути, можна назвати характерною ознакою духовних періодів, що наближаються до кінця.

Границя між смаком і несмаком у сучасної людини й у людини того часу не збігається. Художнє бачення й пристрасть до розкоші й раритетам ще не були відособлені. Простодушна уява легка могло насолоджуватися чимнебудь рідкісним, начебто це являло собою щось прекрасне.

Країна, де найбільш сильними були впливу французької готики, - Німеччина. У перших десятиліттях XIII в. багато вихідців з Німеччини працювали на будівництві готичних соборів у Франції - вониите й стали насаджувати в себе нові форми й конструктивні приймання. У ранніх готичних пам'ятниках вплив доходить до подражательности, але, привита на новий ґрунт, німецька готика розвивалася потім по-своєму. Німецька готична архітектура зложилася пізніше французької: кінець XIII – початок XIV вв. - рубіж ранньої й високої готики, кінець XV – початок XVI століть - границя високої й пізньої. Німецька готика має рядом специфічних ознак. Собори в плані простіше французьких. Капели й обхід хору й вівтаря, як правило, отсутствует - простір стає більш єдиним і легко доступним для огляду. Нефи вище, аркбутани майже не використовуються, замість двох веж на головному фасаді часто перебуває тільки одна, увінчана високим шпилем. Будівля взагалі сильна витягнуте по вертикалі. Замість рози в центрі фасаду з'являється велике стрілчасте вікно. Найбільша готична церква в Німеччині -

в Амьене, навіть є вінець капели й аркбутани, але склепіння вище — висота центрального нефа становить 46 м., веж - 160 м. Це величезна будівля з п'ятьома нефами, трансептом і двома колосальними вежами на західному фасаді, увінчаними гострими ажурними шпилями, замість рози — стрілчасте вікно.

років тридцять. Його закінчення зв'язують із 1530 г. - італійські держави тоді втратили волю. Людей Відродження так довго намагалася стати з Богом поруч, що зрештою сам повірив у цю можливість. Матеріалізація цієї можливості й відбулася у фігурах двох титанів.

Гуманізм

Радісне відкриття цінності людського тіла в епоху кватроченто змінилося в XVI в. знову знайденим розумінням того, що людей не є просто функція тіла. Але до розуміння людини як функції духу прийти було теж неможливо. Це протиріччя існує завжди й усюди. Ренесансна свідомість, очевидно, не могло вмістити в себе смерть. Ренесансна людина не могла

глянути їй в очі з тою прямотою, які доступні послідовно релігійному або атеїстичній свідомості. Але ренесансна людина була людиною з релігійними традиціями й відсутністю релігійних потреб, - і ґрунт ішов у нього з-під ніг. Відродження в цілому (і Високе Відродження зокрема) намагалося сполучити духовність і тілесність, вічність і потойбічність. Думка про смерть була

принципово не трагедийна по своїй конструкції, але оскільки людей по своїй конструкції принципово смертний, те трагічне ішло за цією культурою подібно легкої, але настирливої тіні.

незалежності людину, його зростаючого самоствердження, що народжується вільнодумства з'явилася міська культура.

Характеризуючи культуру італійського Відродження, не можна забувати, що гуманістична освіченість стала долею невеликого вищого шару суспільства, придбала аристократичний характер. Її вплив на широкі шари народу позначилося значно пізніше. Широкій масі італійського народу була далека й прадавня згасла культура Рима, і нов, що шукала собі опори в старій.

В епоху італійського Відродження спостерігається пильний інтерес до візуального сприйняття, розцвітає живопис і інші просторові мистецтва.

Раннє Відродження

Предтечей Відродження в мистецтві вважається флорентійський художник Джотто. Центральною роботою Джотто вважається розпис капели дель Арена в Падуе. Фрески дійшли до нас у гарному стані, а авторство Джотто підтверджується документально. Капела була закладена в 1303 г., а освячена в 1305 г., імовірно, до цього часу ставляться фрески. Більшість сцен задумана й побудоване як подоба ящика з відкинутою стінкою. Джотто порвав із традиціями монументального живопису, який "населяла" фігурами простір будівлі. Він уклав фігури в "ілюзорні ящики", але при цьому подбав про те, щоб цей зримий мир виглядав так, начебто він висічений з каменю й цим причетний до вічності. Це було важке, майже нездійсненне завдання - представити мир явищ зведеним у ранг сутностей. Художник постарався зробити образ розмірним розуму, виразити мир почуттів і вистав у доступних розуму формах. Художникам Відродження завжди хотілося бути понятими. Джотто - перший європейський живописець, він першим сприйняв і передав явище як складну мальовничу систему, у якій усі частини не тільки один з одним зв'язані, але й цілком друг від друга залежать. Він першим почав мальовничо мислити.

Культура Відродження - міська культура, і тому природно припустити, що вона перетворювала саме міське середовище. І дійсно, діяльність одного з найвидатніших майстрів раннього Відродження - Филиппо Брунеллески спрямована була саме на це. Але в тому й трагедія початку будь-якої нової

епохи - творцям нового не призначено було побачити плодів своєї праці - те, що змінило вигляд середньовічного міста й у чому головну роль відіграв, безсумнівно, Филиппо. Усе було довоплощено після його смерті, він міг лише мріяти й будувати, але не пожинати плоди. Для сучасної людини символ ренесансної Флоренції, якщо не всього Ренесансу взагалі - купол Санта Марії дель Фьоре, що підноситься над містом і побудований Брунеллески (закінчений уже після його смерті). У часи ж життя самого майстра головною гордістю й відмітною рисою архітектурного обличчя міста

приватним особам, дзвіниці й вежі суспільних споруджень.

У скульптурі Відродження почалося із твердження круглої статуї, як вираження перемоги людину, його звільнення від опори, до якої він тяжів у Середні століття. Тип самостійно вартої круглої статуї створив один зі славнозвісних художників флорентійської плеяди - Донателло (1386 – 1466 рр.). Йому ж належить і перша в новій європейській історії оголена скульптурна фігура Давида.

Ранній Ренесанс "вражає щедрістю, надмірністю художньої творчості;, що заюшив як рогу достатку" (Н. А. Дмитрієва). Сандро Боттичелли — художник цього періоду епохи Відродження, він гостріше інших виразив духовний зміст пізнього кватроченто. Про традиційний (уже до кінця століття) перспективній побудові залишається лише згадувати — це картинагобелен, простори тут немає. Уперше тут фігури обкреслені не однієї лінією,

досягають майже абсолютної прозорості, примарності. Так само, як і "Весна", для кузена Лоренцо Чудового була замовлена й інша картина — "Народження Венери". Картина дивує нас піднесенням над людськими темами. Вона вражає також зробленим єдністю добутку, у якім нічого не можна не додати, не зменшити й у якім самі незначні відтінки манери священні й нерозривні. Воно не може бути перекладене ні в слова, ні навіть у звуки музики, воно занадто абстрактно для цього, і жодна крапля матерії не обтяжує його безтілесних невагомих ліній. Геніальні створення мистецтва завжди видадуться дивом, процес їх створення завжди залишається таємницею. До "Народження Венери" ні, по суті, іншого підходу, крім безумовного поклоніння.

Високе Відродження

Леонардо да Вінчі - один з найяскравіших представників Відродження. Вулканічна активність, різнобічність, спрага самоствердження в такий, що тільки що пробудився й незвичної навіть для себе особистості сполучалися з незнанням власних границь: він увесь час експериментував - що він ще може. Суспільство теж не могло відразу знайти йому відповідного місця. Для сучасників він був не тільки знаменитою й легендарною особистістю, але й диваком, що виривалися зі звичних рамок. Леонардо не тільки надто

глибокий - це нормальна властивість генія, але й надто широкий. Поруч із ним важко дихати — він заповнює собою все. Він сам усю життя реалізує свою особистість як задум, як ідею. Особистість Леонардо - те єдине, що добудовує, завершує, дооживляет нескінченна безліч начерків до міцного змістовного цілого. Леонардо не можна прив'язати ні до чого зовнішньому, звичному.

Інший відомий живописець Високого Відродження Мікеланджело Буонаротти пережив 13 тат римських і криза ідей Ренесансу й гуманізму, розквіт і падіння Італії й три стильові системи в мистецтві.

Мікеланджело сприймає мир як скульптор і тільки як скульптор. Його цікавить тільки виразно виражена форма, і тільки тіло людини видасться йому гідним зображення. Різноманіття Всесвіту для нього не існує. Людство, що полягає з тисячі різноманітних індивідів, йому чужо. Його мир — особлива, більш могутня порода людей.

Якщо в еволюції італійського живопису й скульптури тривалість класичного стилю дуже невелика, то в архітектурі вона взагалі майже невловима: кілька будівель між 1500 і 1510 рр. у Римі і його околицях, що належать в основному Браманте.

У кожного часу є своя домінуюча просторова ідея. Мрією всіх італійських архітекторів Відродження, починаючи із Брунеллески, була сакральна будівля центрического плану. Але тільки Браманте, після падіння Милана в 1499 г., удалося ідеальне здійснення цієї мрії.

Браманте належить і заслуга введення розвиненого ордера в палацову архітектуру. Розвиток цього відбудеться в класицизмі. Браманте, реконструюючи папську резиденцію у Ватикані, створив величезний двір і сад — Двір Бельведера. Він передчував мистецтво пейзажних садів. Його сади, як починають, були натхненні античними руїнами. Браманте розбив сад на трьох рівнях Ватиканського пагорба, звідки відкривався вид на Ватиканський двір. Перший рівень являв собою як би зал для глядачів для того, щоб спостерігати за виставами й церемоніями на Ватиканському дворі. Ці традиції були потім розвинені в барочних садах.

Окремим центром Відродження була Венеція. Там працював один з найбільших живописців Європи — Тиціан ( близько 1480 – 1576 рр.). В 1516 г. він став офіційним художником Венеціанської республіки, де й залишався загальновизнаним першим живописцем до самої смерті. У Венеції він створив чудові монументальні вівтарні образи ("Вознесении Марии", близько 1516 – 1518 рр., церква Санта-Марія Глориоза Деи Фрари). В 1533 г. імператор "Священної Римської імперії" Карл V призначив його своїм офіційним художником. Він підняв до нових висот традиційне для венеціанських живописців мистецтво колориту. Тиціан у досконалості володів олійним живописом і був першим майстром, що найбільше повно використовували її художні можливості. Останні роботи Тиціана відрізняє разюче вільна манера листа.

Бароко

Наприкінці XVI в. в Італії виник новий стиль - бароко. Ця назва найпростіше пояснити за допомогою слова "незвичайне". Стиль бароко одержав переважне поширення в католицьких країнах, порушених процесами Контрреформації. Сутність бароко ширше смаків католицької церкви й феодальної аристократії, яка прагнула використовувати ефекти грандіозного й сліпучого, властиві бароко, для восславления могутності, пишності й блиску держави, місць проживання осіб, наближених до трону. Стиль бароко з особливою гостротою виражає криза гуманізму, відчуття дисгармонійності життя, безцільних поривів до невідомого.

В XVII в. складається ще один напрямок у мистецтві - це реалізм. Вершиною голландського реалізму є творчість Рембрандта (1606 – 1669 рр.). Талант Рембрандта такий, що дозволяє перетворити будь-яке полотно у філософське збагачення, у героїчний образ епохи й суспільства, у багатогранну характеристику людської особистості. Головним виразним засобом у художника виступають колір і світло. Творчість Рембрандта, перейняте прагненням до глибоко філософського збагнення життя, внутрішнього миру людину з усім багатством його щиросердечних переживань, знаменує собою вершину розвитку голландського мистецтва XVII в., один з піків світової художньої культури. Художня спадщина Рембрандта відрізняється винятковим різноманіттям: він писав портрети, натюрморти, пейзажі, жанрові сцени, картини на історичні, біблійні, міфологічні теми, був неперевершеним майстром малюнка й офорта.

Найбільшим художником фламандського (бельгійського) живопису був Пітер Пауэл Рубенс. Уже в його перших картинах виявилося прагнення до переробки італійських вражень у дусі національних художніх традицій. Створені ним на початку 1610 рр. монументальні релігійні композиції ―Поставлення Хреста‖, ―Зняття із Хреста‖ відзначені характерними для живопису бароко театральністю композиції, драматизмом, бурхливим рухом, яскравими колірними контрастами. Разом з тим у них уже вгадуються риси повнокровного, життєстверджуючого реалізму, що повністю розкрився в наступному творчості художника. В 1612 – 1620 рр. складається зрілий стиль Рубенса. Рубенс одержав широке визнання й популярність. Велика майстерня художника виконувала на замовлення європейської аристократії численні монументально-декоративні композиції, у тому числі цикл картин ―Історія Марії Медичи‖ для французького королівського двору, у якім Рубенс міфологічні й алегоричні фігури сполучив з реальними історичними персонажами. Віртуозністю живопису, строгістю й лаконізмом художніх засобів відзначені пізні роботи художника - ―Олена Фаурмент із дітьми‖, ―Три грації‖, ―Вакх‖, автопортрет. Тонкою спостережливістю, лаконізмом, м'якістю й легкістю штриха відрізняються численні малюнки Рубенса, замальовки голів і фігур, зображення тварин, ескізи композицій і ін. Виконане жагучого життєлюбства, багатогранне й віртуозне по майстерності, творчість Рубенса виявила величезний вплив на фламандських живописців,

на безліч художників XVIII – XIX вв. (А. Ватто, Ж. О. Фрагонара, Є. Делакруа, О. Ренуара й ін.).

ВXVII в. оформляються національні школи в мистецтві. Крім італійської, фламандської, голландської й французької, дуже впливовою художньою школою була іспанська.

ВXVIII в. центром духовного життя Європи стає Франція.Що настала після смерті Людовика XIV епоха Регентства зовні виглядає як різка зміна декорацій. Ця епоха породила стиль рококо. Часто про цей стиль говорять як про бароко, що вироджується, як про стиль вишуканому й досить легковагому. У рококо вигадливо з'єднуються гедонізм, примхливість, зневага до розуму, зневага природньою заради естетства, екзотики, і - блискуча художня культура. Рококо — вираження тенденції до заперечення устоян, стали пошуками форм і протиставлення їм нових, нехай не безперечних, але досить своєрідних підходів.

ВXVIII в. мистецтво стає переважно світським: зникає принципова несумісність культур різних релігійних конфесій, світське зодчество вперше бере гору над церковним. "Обмирщение" іде в живописі й скульптурі, де жанровий напрямок завойовує одне з головних місць. Театр і музика сталі провідними видами мистецтва. Парадний портрет переміняється камерним, інтимним, розвивається "пейзаж настрою", у ньому підсилюються романтичні тенденції. Головним результатом розвитку мистецтва XVIII в. було народження основ художньої культури прийдешніх сторіч.

Отже, культура XVIII в. успадковує основні риси культури попереднього сторіччя, такі як раціоналізм, сциентизм, антропоцентризм і ін. Разом з тим, вона привносить ряд нових моментів, інакше розставляє акценти

увирішенні основних світоглядних проблем.

Мистецтво класицизму

Інший найвпливовівший стиль характеризуемой епохи - класицизм. Абсолютистським державам не могла не імпонувати ідея величного порядку, строгої співпідпорядкованості, значної єдності. Що претендує на "розумність" держава прагнула до того, щоб у ньому бачили, що врівноважує, поєднує, героїчно піднесений початок. На противагу бароко класицизм виражав прагнення до розумного гармонічного ладу життя, а ці прагнення були властиві не тільки монархам, але й народній свідомості, з його ідеалами миру, спокою, зімкнення країни. Крім того, привабливою стороною класицизму виступав його моральний пафос, цивільна спрямованість.

Однієї з найважливіших рис класицизму було звертання до форм античного мистецтва - як до ідеального естетичного й етичного еталона. Орієнтація на розумний початок, на неминущі зразки визначила тверду нормативність етичних вимог (підпорядкування особистого загальному, страстей - розуму, боргу, законам світобудови) і естетичних запитів класицизму, регламентацію художніх правил. Закріпленню теоретичних доктрин класицизму сприяла діяльність заснованих у Парижу Королівських академій - живопису й скульптури (1648 г.) і архітектури (1671 г.). В

архітектурі класицизму, яку відрізняють логічність планування і ясність об'ємної форми, головну роль відіграє ордер, тонко й стримано оттеняющий загальну структуру спорудження (будівлі Ф. Мансара, К. Перро, Л. Ліво, Ф. Блонделя). З 2-й половини XVII в. французький класицизм убирає в себе просторовий розмах архітектури бароко (роботи Ж. АрдуэнмМансара й А. Ленотра у Версалі).

В XVII – початку XVIII вв. класицизм сформувався в архітектурі Голландії, Англії, де він органічно сполучався з палладианством (І. Джонс, К. Рен), Швеції (Н. Шалівок Молодший). У живописі класицизму основними елементами моделировки форми стали лінія й світлотінь, локальний колір чітко виявляє пластику фігур і предметів, розділяє просторові плани картини (відзначені височиною філолофсько-етичного змісту, загальною гармонією добутку Н. Пуссена, основоположника класицизму й найбільшого майстра класицизму XVII в.; "ідеальні пейзажі" К. Лоррена).

Класицизм XVIII – початку XIX вв. (у закордоннім мистецтвознавстві він часто іменується неокласицизмом), що став загальноєвропейським стилем, також формувався переважно в лоні французької культури, під найсильнішим впливом ідей Освіти. В архітектурі відкрилися нові типи вишуканого особняка, парадного суспільної будівлі, відкритої міської площі (Ж. А. Габриель, Ж. Ж. Суфло), пошуки нових, безордерних форм архітектури, прагнення до суворої простоти у творчості К. Н. Леду передбачали зодчество пізньої стадії класицизму — ампіру. Цивільний пафос і ліричність з'єдналися в пластику Ж. Б. Пигаля й Ж. А. Гудона, декоративних пейзажах Ю. Робера. Мужній драматизм історичних і портретних образів властивий добуткам глави французького класицизму, живописця Давида.

(німецький живописець А. Р. Менгс, пластику італійця А. Кановы й датчанина Б. Торвальдсена). Для архітектури німецького класицизму характерна сувора монументальність будівель К. Ф. Шинкеля, для

виділяються антикизирующие спорудження Р. Адама, палладианские за духом паркові садиби У. Чеймберса, строгий^-строгі-суворі-строгі- вишукано-строгі малюнки Дж. Флаксмена й кераміка Дж. Уэджвуда. Власні варіанти класицизму розвивалися в художній культурі Італії, Іспанії, Бельгії, скандинавських країнах, США; видатне місце в історії світового мистецтва

небуття, він витісняється різноманітними формами архітектурного еклектизму. Оживає художня традиція класицизму в неокласицизмі кінця XIX – початку XX вв.

Романтизм як явище мистецтва

Терміном "романтизм" позначається звичайно ідейний і художній рух, що виник у європейських країнах на рубежі XVIII і XIX вв., що й одержало відбиття в різних галузях науки й мистецтва. Романтики оголосили нещадну боротьбу омертвілим раціоналістичним канонам класицизму, його нормативному "прекрасному ідеалу", його догматизму. Відстоюючи необмежену волю творчості, романтики прагнули до яскравої національної й індивідуальної своєрідності, до правдивого вираження характеру, до збагнення багатства людських почуттів.

У розвитку мистецтва XIX в. можна виділити два основні етапи: епоха романтизму (перша половина XIX в.) і епоха декадансу (з кінця 500х рр. до

і національних рухів чи навряд могло знайти більш адекватну форму вираження в мистецтві, чому романтичне бунтарство, властиве культурі нового часу визнання високого ціннісного рангу особистості й неповторності особистості. Тим самим романтизм може розглядатися як продовження нової традиції й перенос принципів вільної конкуренції, особистої волі й ініціативи в область моралі, мистецтва, духовному життя в цілому. Особливо високо цінується, поряд з великими, неабиякими особистостями, особистість художника.

Далеко не випадково саме в романтизмі з'являється ідея "синтезу мистецтв". З одного боку, так вирішувалося конкретне завдання забезпечення максимальної жвавості й природності художнього враження, повноти відображення життя. З іншого боку, вона ж служила глобальної мети. Мистецтво розвивалося як сукупність "атомарних" індивідів. "Синтез мистецтв" - це прообраз подолання розірваності людського "Я", розірваності людського суспільства.

Розвиваючись у багатьох країнах, романтизм усюди придбав яскраву національну своєрідність, обумовлена місцевими історичними традиціями й умовами. Найбільш послідовна романтична школа зложилася у Франції, де художники, реформуючи систему виразних засобів, динамизировали композицію, поєднували форми бурхливим рухом, використовували яскравий насичений колорит і широку, узагальнену манеру листа (живопис Т. Жерико, Є. Делакруа, О. Домье, пластику П. Ж. Давида д'анже, А. Л. Бари, Ф. Рюда). У Німеччині й Австрії ранньому романтизму властиві пильна увага до всього індивідуального, меланхолічно-споглядальна тональність образноемоційного ладу, прагнення відродити релігійний дух німецького й італійського живопису XV в. (творчість назарейцев); своєрідним зрощуванням принципів романтизму й "бюргерського реалізму" стало мистецтво бидермейера (творчість Л. Ріхтера, К. Шпицвега, М. фон Швинда, Ф. Г. Вальдмюллера). У Великобританії романтичною свіжістю живопису відзначені пейзажі Дж. Констебла й Р. Бонингтона, фантастичністю образів і незвичайністю виразних засобів - роботи У. Тернера.

Унікальною фігурою в живописі романтизму є Франсиско Гойя (1746 – 1828 рр.), іспанський живописець, гравер, малювальник. Мистецтво Гойї

вплинуло на формування багатьох художніх явищ XIX в. Його вплив відчувається у творчості Жерико, Делакруа, Домье, Мане. Вплив його творчості на живопис і графікові мало загальноєвропейський характер і позначається аж до сучасності.

Реалізм у художній культурі

У широкому змісті реалізм, що представляє собою основну тенденцію, своєрідний естетичний "стрижень" художньої культури людства, існував і продовжує існувати в мистецтві й літературі із глибокої стародавності. У вузькім розумінні, як творчий метод, він став ототожнюватися або з епохою Відродження (XIV – XVI вв.), або з XVIII в., коли говорять про так званий просвітницький реалізм.

Найбільш повне розкриття специфічних рис цього методу звичайно зв'язують із критичним реалізмом XIX сторіччя, пародією на який став міфічний "соцреалізм". А соціально-історичний або критичний реалізм XIX в. був спадкоємцем кращих традицій попередніх етапів розвитку реалістичного мистецтва: реалізму Відродження й реалізму Освіти. Але в джерелах він зв'язаний також з революційним романтизмом. З останнім реалізм зближає заперечення нелюдських буржуазних порядків, спрямованість до духовного миру людини.

Найважливішою фігурою європейського художнього реалізму є Густав Курбе. Париж довідався про існування молодого художника в 1844 г., коли Курбе виставив у Салоні "Автопортрет із чорним собакою" (1842 г.). На картині гарний юнак з довгими волоссями, він мрійливо дивиться на глядача. У нього за спиною скелястий пейзаж рідного краю, поруч більший собака із шовковистою чорною вовною. В 400х рр. художник познайомився з поетом Шарлем Бодлером, барбизонцами, відомими критиками. Спілкування із цими людьми привернуло увагу Курбе до проблем сучасності.

Популярність Курбе як борця за нове мистецтво зробила художника активним учасником революції 1870 г., а потім Паризької Комуни (він був головою Комісії художників по охороні пам'ятників мистецтва). Коли Комуна пала, його присудили до шести місяцям тюремного ув'язнення.

Побоюючись подальших переслідувань, в 1873 г. Курбе виїхав у Швейцарію. У маленькім містечку Турде Пейльц він зняв старий порожній готель, на другому поверсі якої влаштував майстерню. Тут пройшли останні роки життя художника.

Художні стилі в європейській культурі другої половини XIX в. Декаданс

ійого відбиття в естетиці. Еклектика

Уцілому мистецтво Європи з кінця 50-х рр. вступає в епоху декадансу. Декаданс у своєму генезисі - явище складне й суперечливе: на початкових етапах був пов'язаний з різними напрямками реалізму. Цей термін уживався

упадничества. Уперше ці риси виявляться у французькому символізмі. Однак подібні настрої мали місце вже в прерафаэлитов, а також в англійському естетизмі, у теоретиків концепції "мистецтва для мистецтва". Пізніше вони

виявляться в модерністів. Певною мірою вони характерні й для імпресіонізму.

Символізм (напрямок у європейському й російськім мистецтві 1870 – 19109х рр.) зосереджений переважно на вираженні за допомогою символу сутностей, що інтуїтивно осягаються, і ідей, неясних, часто витончених почуттів і бачень. Прагнучи проникнути в таємниці буття й свідомості, побачити крізь видиму реальність сверхвременную ідеальну сутність миру (" від реального до реальнейшему") і його "нетлінну", або трансцендентну, Красу, символісти виразили неприйняття буржуазности й позитивізму, тугу за духовною волею, трагічне передчуття світових соціально-історичних потрясінь і разом з тим - довіра до вікових духовно-культурних цінностей як единящему людей і народи початку.

В 800е рр. XIX в. на базі реалізму виникає натуралізм, зв'язаний у своїх основах з позитивізмом і еволюційною теорією Ч. Дарвіна. Але якщо реалізм був просочений " тугою за ідеалом", те натуралізм був зовсім позбавлений якої-небудь ідеальної поезії людських цінностей. На відміну від реалізму, перейнятого духом соціальності, натуралізм зводив людську сутність і сенс існування лише до біологічних мотивів, пояснював формування характеру й доль однієї лише середовищем побутування. Усе це приводило до фаталізму й песимізму, а в натуралістів, близьких до декадентського світогляду, принцип "неупередженості" ставав визначенням соціальної апатії.

Якоюсь мірою еклектика завжди існувала як неминучий наслідок

переміщення в історичному часі" і відмовою від строгих канонів у мистецтві. Модним і актуальним стало все, що було комфортним і гарним в інтер'єрах минулих стилів. Багато критиків мистецтва обвинувачували еклектикові в надмірній перевантаженості й поганому смаку, відсутності індивідуальності. І все-таки в неї були свої власні відмітні риси: пластичні форми, достаток текстилю, м'якість і зручність меблів, безліч декоративних елементів, якими могли бути штучки з різних кінців світу, що нагадують про культури Сходу, Середземноморських країн і т.д. Еклектика восторжествувала насамперед в архітектурній практиці, заснованої на відтворенні конструктивних і декоративних форм різних стилів. Виникло трохи "історичних" стилів - неоготика, неокласицизм, романсько-візантійський стиль, неоренессанс, необарокко, неправильне рококо, другий ампір. Характернейший приклад еклектизму в архітектурі - забудова віденського Рингу (60 – 80-е рр.). Тут

Відродження й бароко (архітектор Карл Эрхард фон Хазенауер); будівля Парламенту (архітектор - Теофилиус Эдвард фон Хансен), і Палац юстиції, оформлений у наслідування німецькій архітектурі XVI в. (архітектор Олександр Виллеман). Архітектура еклектизму відбиває психологію європейця тих часів, який уважав свою цивілізацію зразкової, а свою епоху -